Transgresión Continua

Top Cómics 2011

2012-01-27T11:58:00.044+01:00

Pues le toca al Top de cómics del pasado 2011. Como en otros años no incluyo reediciones (donde realmente está el mejor material de la temporada) pero he leído los suficientes trabajos como para montar un ranking más o menos decente. Hay mucho de Marvel (la mayoría personajes del universo mutante) y Avatar Press (casi todos no muertos o zombies) y poco (pero muy bien avenido) de DC, también se cuela algo de Image y poco más. Dejo en el banquillo Imperativo Thanos, el Lobezno de Jason Aaron, el Thor de Matt Fraction, Batman: Arkham City, Chronicles of Wormwood: La Batalla Final, Punisher vs. Universo Marvel, Supergod, Night of the Living Dead, Sueño del Fevre, Escape of the Living Dead y X 23. Pues eso señoras y señores, que empiece el espéctaculo, sin un orden preestablecido, exceptuando como siempre el número uno.

Joe el Bárbaro Desde hace años la línea Vertigo de DC no es la misma, pero ello no es impedimento para que de de vez en cuando el sello siga ofreciéndonos alguna joya de gran valor. Joe the Barbarian es un entrañable y emocionante homenaje por parte del guionista Grant Morrison y el dibujante Sean Murphy al cine fantástico de los años 80 (La Historia Interminable, Héroes del Tiempo, Dentro del Laberinto) y a escritores como Michael Ende o Terry Pratchett narrando la odisea de cómo un niño diabético sufre una bajada de azúcar que le incita a ver alucinaciones... o eso suponemos. Para un servidor el mejor cómic del 2011 con un guión del escocés con una solidez y juego de texturas maravilloso y un dibujo de Sean Murphy que deja con la boca abierta.

American Vampire Segundo tomo de la que para un servidor es la serie regular revelación de Vertigo. Scott Snyder (triunfando actualmente con su etapa de Batman) ya no tiene el respaldo de Stephen King (que bordó el origen de Skinner Sweet, personaje que sigue siendo el núcleo de la historia) y ni falta que le hace, porque la colección la tiene ya más que asentada. Esta vez se perfilan más los personajes, se da mayor peso a la rivalidad entre Pearl y Hattie y se sigue indagando en como Estados Unidos se sustentó como país sobre la violencia y la muerte. Rafael Albuquerque sigue ofreciendo un muy buen trabajo con su anguloso estilo, pero desde mi punto de vista Mateus Santolouco incluso lo supera.

X-Factor Con más de 30 años de carrera a sus espaldas y a diferencia de coetaneos suyos que se han convertido en parodias de sí mismos el guionista Peter David está en forma y si me apuran mejor que nunca como escritor. Estos primeros números de su segunda etapa (sin contar la breve de los 90) con los X-Factor son lo mejor que ha editado Marvel en 2011. Una colección que lo tiene todo, desde unos personajes perfectamente perfilados y llenos de carisma hasta historias maravillosamente hiladas en las que se pueden descifrar referencias que van desde el noir al fantástico, pasando por el folletín o el compromosio social. Una serie a seguir con interés y de la que espero con muchas ganas su segundo tomo.

El Regreso de Bruce Wayne Curiosamente de la etapa de Grant Morrison con el personaje creado por Bob Kane y Bill Finger que abarca desde Batman e Hijo, Batman y el Guante Negro, Batman R.I.P o Batman & Robin el trabajo que ha realizado el escocés con el personaje que más me ha gustado hasta ahora ha sido esta serie de 6 números sobre el regreso de Bruce Wayne a través del tiempo tras su supuesta muerte a manos de Darkseid. A traves de le era prehistórica, la inquisición, la época de los piratas, el salvaje oeste, la Gotham de la edad dorada de la mafia y con un último número con una resolución a todo el entramado Morrison reformula el origen de Batman planteándonos que el mismo Bruce Wayne lo forjó a lo largo de los siglos por medio de este inolvidable viaje temporal.

Ultimate X Por fin el polémico y machacadísimo Jeph Loeb hace méritos para aparecer en uno de mis rankings y yo me alegro, porque si bien el tipo hace años que no es el mismo también ha ofrecido trabajos de verdadera calidad cuando ha tratado a personajes como Batman, Superman, Spiderman o Daredevil. Tras aquella mamarrachada llamada Ultimatum Loeb decide levantar el vuelo de la versión Ultimate de los X-Men y a fe mía que lo consigue en estos primeros números de la nueva etapa de la colección. Aunando el tono nostálgico de productos como Superman: Para Todas las Estaciones o Spiderman: Blue con el más directo y comercial de trabajos como Batman: Silencio o Superman/Batman, Loeb con la ayuda del detallista y exultante trazo del grandísimo Arthur Adams (algunas splash pages son antológicas) consigue devolver a las ráices a los hijos del átomo con una interesante presentación de personajes bien perfilados y con muchas referencias a otras etapas y roles. El mejor trabajo de Loeb en mucho tiempo.

Neonomicon Digámoslo desde el principio, Neonomicon no es una gran obra del que para un servidor es el mejor guionista de de cómics de todos los tiempos, el británico Alan Moore (Watchmen, V de Vendetta, From Hell). El tomo que edita Panini incluye el relato The Cortyard y la miniserie Nenomicon, siendo esta última una extensión y ampliación del primero, ambos escritos para la edtorial Avatar Press. Que nadie se lleve a engaño, si algún fanático de la literatura de H.P Lovecraft busca en las páginas de este cómic un rendido homenaje al autor de La Llamada de Cthulhu se llevará una considerable decepeción. El de Northampton lo que en realidad muestra es una desconstrucción de la mitología lovecraftiana desde un punto de vista casi crítico o satírico (puede que el hecho de que sean autores completamente opuestos ideloógicamente en algunos temas haya influido) llenando de policías, sexo explícito o drogas toda una historia que en ocasiones parece más salida de la mano de un Garth Ennis puesto de metanfetaminas que del autor de La liga de los Hombres Extraoridinarios. Con todo una lectura harto entretenida, lacerante, provocativa y que sabe alternar humor negrísimo, con brutalidad desatada, aunque todo sabemos que Moore es capaz de mucho más que esto. Jacen Burrows cumple sobradamente con el dibujo, pero como pase siempre no ofrece un trabajo muy destacable.

Imposibles X-Force No las tenía yo todas conmigo con Rick Remender porque no me gustó lo que había hecho con Punisher al convertirlo en Frankencastle (aunque me consta que hay gente con criterio a la que le gusta esa etapa del personaje en el que es transformado en una especie de improvable Frankenstein) pero he de admitir con con esta Imposibles X-Force se ha ganado mi confianza e incluso admiración. En las antípodas de aquellos X-Force salidos de la ¿mente? de Rob Liefeld con tipos musculados con armas más grandes que ellos mismos y mujeres de cuerpos estilizados hasta el insulto Remender nos muestra un grupo de asalto mutante perfectamente equilibrado con personajes que todos conocemos pero trabajados con entereza y conocimiento de sus personalidades. Lobezno como líder comanda este equipo formado por Mariposa Mental, Masacre, Fantomex y Arcángel/Ángel en el que Remender ofrece historias entre la fantasía, el thriller y la ciencia ficción. El broche de oro lo pone un Jerome Opeña que al entintarse él mismo ha conseguido llevar su trazo a cotas de calidad bestiales, verlo para creerlo.

Masacre: La Guerra de Wade Wilson Con diferencia el mejor cómic de Masacre desde la insuperable etapa de Joe Kelly en la serie regular del personaje. El escritor de novela negra y guionista de cómics Duane Swierczynski (Punisher MAX, El Hombre Lobo) utiliza la excusa narrativa de un juicio para desentrañar toda la historia de Wade Wilson desde que el proyecto Arma Plus lo convirtiera en Masacre, pasando por su etapa en los X-Force y su posterior carrera como asesino a sueldo. Con la profundidad que le falta a la actual serie regular del personaje, Swierczynski y un inspirado Jason Pearson nos devuelven el tono tragicómico que el mercenario bocazas destiló en la ya mencionada etapa de los 90 y que nunca debió perder.

Astonishing X-Men: Xenogensis Debo admitir que aún estando bastante lejos de la etapa de Whedon y Cassaday la de Warren Ellis me ha gustado considerablemente. En su paso por la colección Astonishing X-Men ha escrito dos arcos argumentales harto interesantes con dibujantes como Simone Bianchi o Phl Jimenez y un tercero y último, con un contenido y acertado Kaare Andrews a los lápices, que a mí me ha resultado magnífico. Xenogénesis nos devuelve al Warren Ellis más político y socialmente comprometido que por medio de la marginación mutante en África realiza una metafora del racismo en el sur de aquel continente y de cómo los líderes de las guerrillas locales explotan a los ciudadanos de a pie. Para el recuerdo las primeras páginas del segundo número, tres splah pages (dos sencillas y una doble) para quitarse el sombrero.

Crossed 3D Los de Avatar Press se lían la manta a la cabeza y deciden lanzar un One Shot de su serie estrella Crossed en formato 3D (con simpáticas gafas de Cruzado incluídas) consiguiendo con ello unas excelentes ventas del producto. David Lapham cogió la batuta de la colección cuando su creador, Garth Ennis, la abandonó temporalmente. Si bien el guionista de Balas Perdidas no hace un trabajo tan destacable como el creador de Predicador sí consigue sacar adelante la serie tanto en este tomo como en el de Valores Familiares. Pero de los dos me quedo con esta Crossed 3D de ritmo directo y virulento deudor de las película 28 Días Después y su secuela, con personajes sencillos pero creíbles y un uso aceptable de las 3 dimensiones. Interesante cómic más allá de que nos permita ver intestinos casi salirse de las viñetas, gracias también a un Gianluca Plagiarini bastante resuelto ilustrando.

Punisher MAX Es cierto que tras la marcha de Garth Ennis de la colección dejando al personaje en su punto más álgido desde que lo crearan Gerry Conway, John Romita Sr y Ross Andru en los 70 la elección de Jason Aaron como guionista regular era todo un acierto y de hecho lo ha sido, pero con reservas. El creador de la alabada Scalped conoce al personaje y su psicología, teje una trama interesante y consigue mostrarnos una génesis creíble y adulta de Kingpin y Bullseye. Pero su labor está lejos del soberbio trabajo que realizó el autor de The Boys, que escribió a Frank Castle como ningún otro lo ha hecho. Esta etapa de Aaron merece mucho la pena y ofrece una considerable calidad a la que el dibujo de un mal elegido y bastante rutinario Steve Dillon no hace justicia con su trazo. Por desgracia la serie va a ser cancelada en Estados Unidos dejando con ello a Marvel sin una de sus mejores producciones.

Los Muertos Vivientes Ahora que definitivamente nos enfrentamos a que su adaptación televisiva ha perdido casi en su totalidad el rumbo en su segunda temporada (de la que sólo llevamos la mitad y salvándose únicamente dos episodios de los siete emitidos) únicamente nos queda resguardarnos en la colección de Robert Kirkman que a pesar de no estar en su mejor momento sigue ofreciéndo personajes bien desarrollados (ese Rick, nada que ver con el catódico), historias interesantes y secundarios memorables, aunque parezca que el autor de Invencible a estas alturas esté dando vueltas continuamente a las mismas ideas. El tomo Demasiado Lejos me parece magnífico y muy bien medido así como superior al posterior ¡Sin Salida!, que vuelve a tirar del efectismo impactante de la genial pero algo gratuita etapa del Gobernador.

Nuevos Ultimates Otro Loeb que me ha encandilado este año, si bien está por debajo de Ultimate X. Tras Ultimatum y su vapuleada Ultimates 3 con Joe Madureira a los lápices el autor de Batman: Haunted Knight vuelve a escribir en la versión Ultimate de los Vengadores para ponerlos otra vez en la palestra y así arreglar el desaguisado que hizo (o le mandaron hacer las cabezas pensantes de Marvel) con su anterior incursión en la colección. Con la excusa de la resurrección de Thor, Loeb ofrece un cómic de corte comercial lleno de mujeres guerreras, trolls, sexo entre travieso y pudoroso y un sentido homenaje en el primer número a su hijo Sam fallecido a la edad de 17 años por culpa de un cáncer. Frank Cho exultante y desatado gracias a las splash pages que le pone en bandeja el bueno de Jeph.

Nemesis Como es lógico no podía faltar la (pen)última fantasmada del guionista más mediático del y bocazas del momento, el escocés Mark Millar. El autor de Wanted lleva años repitiendo esquemas y lo cierto es que no se abre mucho la cabeza la hora de narrar historias nuevas, pero al amigo siempre entretiene y a mí al menos me hace sentir que no he tirado el dinero al hacerme con uno de sus cómics. Nemesis es un asesino internacional de comisarios de la policía que utiliza su inmensa fortuna para sembrar el caos por medio del terrorismo (un Bruce Wayne o Tony Stark con mucha mala idea) a escala mundial. La historia es rápida, entretenida, violenta y está sustentada en el inmenso trabajo de un Steve McNiven que sin hacer el mejor trabajo de su carrera consigue una labor más que notable. La secuela está en camino y la adaptación cinematográfica estancada, puede que para bien.

Crossed: Valores Familiares Segundo tomo editado por Glenat del arco argumental que da continuación al ideado por Garth Ennis para crear la colección Crossed. Como ya he comentado cuando he hablado de Crossed 3D el guionista y dibujante David Lapham se hace con la colección y no está a la altura del irlandés ni de lejos, pero desde mi punto de vista no ofrece un trabajo desdeñable. El autor de Young Liars carga las tintas contra la familia media de la América profunda (contándonos que los Cruzados no son los únicos monstruos) pero cae en el pecado de querer poner en viñetas imágenes más grotescas que el propio Ennis y las mismas a veces por brutas devoran la historia y su contexto. El dibujo de Javier Barreno irregular y poco cohesionado pero bastante cumplidor.

Sherlock Holmes: Juego de Sombras

2012-01-22T22:07:00.015+01:00

Título Original Sherlock Holmes: A Game of Shadows (2011)

Director Guy Ritchie

Guión Kieran Mulroney y Michele Mulroney basado en el cómic de Lionel Wigram inspirado en los personajes de Arthur Conan Doyle

Actores Robert Downey Jr, Jude Law, Noomi Rapace, Jared Harris, Stephen Fry, Kelly Reilly, Rachel McAdams, Geraldine James, William Houston, Gilles Lellouche, Eddie Marsan

Segunda parte de la adaptación cinematográfica que el director británico Guy Ritchie (Lock & Stock, Snatch, Rockanrolla) realizó del cómic de su compatriota Lionel Wigram, que a su vez estaba inspirado libremente en el personaje Sherlock Holmes y por efecto dominó en su inseparable amigo el buen Doctor John Watson, creados por el célebre escritor inglés Arthur Conan Doyle en 1887 covirtiéndose en protagonistas de numerosos relatos salidos de su pluma y que se han convertido en clásicos de la literatura mundial.

La primera película era un simpático fuego de artificio que convertía a los dos personajes principales en dos dandis, no sólo expertos en investigación detectivesca, si no también en combates cuerpo a cuerpo y uso de armas de fuego. Todo con el toque de su director y dando forma a un conjunto al servicio del puro espectáculo cinematográfico que no buscaba nada más que la complicidad de un espectador con ganas de divertirse durante dos horas.

Trágicos acontecimientos que parecen tener un punto en común empiezan sucederse en Londres. Los mismos llamarán la atención del detective Sherlock Holmes que tras un tiempo trabajando en solitario volverá a formar pareja con su viejo amigo John Watson. Ambos investigarán estos peculiares crímenes relacionados con asesinatos de empresarios del algodón o el Opio y con terrorismo. La persona clave que une dichos actos delictivos es el ínclito profesor James Moriarty que se convertirá en el archienémigo y némesis de nuestro protagonista.

Sherlock Holmes: Juego de Sombras sigue una a una las constantes de su antecesora. Guy Ritchie no se la juega y va sobre seguro. Una vez más tenemos un film de acción con toques de humor, con una dirección artística intachable y una dirección técnica tan lograda como excesiva (aquí hay menos escenas de peleas, tiroteos o explosiones pero también son más efectistas en su ejecución), un guión entretenido y lleno de acertijos y todo al servicio de un Robert Downey Jr de arolladora personalidad e interminable carisma, con las espaldas bien cubiertas por un Jude Law que vuelve a darle la réplica con profesionalidad y saber estar.

Ciertamente, al igual que la primera entrega y a pesar de que la adaptación del personaje no puede ser menos ortodoxa e incluso irritante para los más jihadistas de los relatos originales del personaje escritos por Conan Doyle, hay constantes de la personalidad de los roles literarios que están en el film. Las dotes deductivas y maestría para el arte del disfraz de Holmes, el contrapunto racional de Watson, la química de Sherlock con este último y las apariciones entrañables de Mrs Hudson mostrando sus rencillas con el protagonista.

Las más interesantes novedades de esta segunda parte son las apariciones de dos personajes clásicos e indispensables dentro de varios de los relatos sobre el detective que habita el número 221B de Baker Street. Uno es el Mycroft Holmes, hermano de Sherlock, al que da vida el genial Stephen Fry que tiene momentos descacharrantes compartidos con Stanley, su anciano mayordomo, que con sólo dos breves escenas se gana al público desatando la carcajada.

El otro es ese profesor Moriarty al que da vida Jared Harris (actor al que hemos podido ver en la soberbia serie de televisión Mad Men y en la última y terrible cinta de John Carpenter, The Ward). Este personaje destila inteligencia y villanía por todos los poros de su piel, sus duelos intelectuales con Holmes son de lo mejor del film y tal hecho queda constatado en el clímax final con esa partida de ajedrez que bebe considerablemente del espíritu de los relatos literarios del personaje, hasta que Ritchie decide romper el tono de intelectualidad haciendo que una vez más los dos personajes se den de hostias es una de sus coreografiadass escenas de lucha al ralentí.

No hay que pedirle peras al olmo, este Sherlock Holmes: A Game of Shadows es un pasatiempo divertido y rápido para consumir palomitas viéndola en cine. Guy Ritchie repite una fórmula que le funcionó, que le ha vuelto a salir bien (aunque se exceda con ella, no hay nada más que evaluar la escena artificiosa de la barra de labios que se podría haber resuelto con un comentario posterior de Holmes a Watson en vez de con toda esa secuencia visualmente sobrecargada) y que le sirve de plataforma para rodar esa tercera parte que está preparándose ya con los mismos protagonistas, una vez más.

Por el camino tenemos a dos personajes que confirman su carisma como protagonistas, el breve papel de Rachel McAdams, la extraña belleza de una éxotica Noomi Rapace, a unos Mycroft y Morirarty memorables y mucho entretenimiento. Con todo me quedo con el Guy Ritchie de los pandilleros londinenses que se meten en líos por dinero, drogas o armas. Aquella versión socarronamente británica de Quentin Tarantino que nos descubrió a actores como Jason Statham y Vinnie Jones y que nos demostró que Brad Pitt podía hacer uno de los mejores papeles de su carrera sin que se le entendiera una palabra de lo que decía.

Starship Troopers, they'll keep fighting... and they'll win

2012-01-18T13:50:00.033+01:00

Título Original Starship Troopers (1997)

Director Paul Verhoeven

Guión Ed Neumeier basado en la novela de Robert A. Heinlein

Actores Casper Van Dien, Dina Meyer, Denise Richards, Michael Ironside, Neil Patrick Harris, Jake Busey, Clancy Brown, Patrick Muldoon

Tras el escándalo que supuso esa recuperable oda a lo hortera y lo grueso que responde al nombre de Showgirls, vendida como una película orgullosa de su calificación moral NC-17 (la antigua X), mal recibida en la taquilla, masacrada por la crítica, ganadora de varios Razzies (el holandés fue a recoger el suyo al peor director, siendo el primer galardonado de la historia de los premios que iba a recibir el suyo en persona, dando muestra de su buen sentido del humor) y posteriormente marcando un hito por sus bestiales ventas en el mundo del mercado del nostálgico VHS, Paul Verhoeven decidió volver al género que le dio fama en Hollywood. La ciencia ficción.

El director de El Cuarto Hombre o Eric, Oficial de la Reina (Soldaat Van Oranje) escogió un proyecto de gran presupuesto en el que, con la ayuda del guión de Ed Neumeier, adaptó un libro del novelista norteamericano Robert A. Heinlein editado en 1959, Starship Troopers. El escrito que narra una batalla intergaláctica entre un ejército de humanos y unos insectos extraterrestres ganó el prestigioso premio Hugo (que anualmente galardona los mejores trabajos literarios de temática sci fi ya sean novelas, relatos cortos o cómics) pero siempre ha sido muy controvertido por ser considerado una apología pro-belicista que ensalza las supuestas virtudes y bondades del arte de la guerra.

Paul Verhoeven y Ed Neumeier (bastante implicado en el proyecto ya que también era coproductor del largometraje) decidieron abordar el libro desde un punto de vista crítico y muy ácido, haciendo una versión muy sui generis del mismo que paradójicamente y de una manera muy original ponía en entredicho todo lo que enaltecía Heinlein en el relato. Starship Troopers fue una enorme y desprejuiciada broma cósmica cinematográfica que en 1997 el mundo no estaba preparado para entender o valorar en su justa medida.

Panfleto fascista, discurso pro-nazi, apología de la guerra, soflama militarista, glorificación del imperialismo. Estas fueron algunas de las definiciones que recibió la película de Paul Verhoeven (ese hombre que durante la ocupación alemana de su Holanda natal vio como el ejército de Hitler masacraba a vecinos y amigos suyos y que siempre ha mostrado su rechazo por los extremismos políticos), tanto por parte de la prensa especializada conservadora como progresista. Hasta compañeros de profesión como el japonés Takashi Miike dijeron sorprenderse por el supuesto mensaje reaccionario del film.

Starship Troopers es una sátira que hace mofa por medio de la parodia y la hipérbole de temas con el militarismo, la guerra, el imperialismo, el patriotismo recalcitrante y de cómo esos ideales llevados a extremos pueden introducirnos como personas y ciudadanos en el fascismo puro y duro. Me parece realmente extraño que fueran pocos los espectadores que entendieran la broma de Paul Verhoeven y más si tenemos en cuenta que este film no deja de ser un extensión y ampliación de ideario de aquella magnífica pieza de culto llamada Robocop.

Aquella producción de 1987, que supuso el debut de Verhoeven en Hollywood y que no se le hubiera asignado si previamente no hubiera realizado Los Señores del Acero (Flesh & Blood), contenía debajo de su carcasa metalizada de cine de ciencia ficción un puñetazo con guante de kevlar en pleno rostro de la América neoconservadora de Ronald Reagan, retratando una distopía brutalmente desesperanzada en la que las fuerzas de la ley estaban privatizadas y controladas por corruptas multinacionales y realizando el fresco de una sociedad autodestructiva en la que los políticos tenía vínculos directos con los criminales más peligrosos de la ciudad de Detroit mientras la globalización devoraba el país.

Desde el minuto uno que abre Starship Troopers, con uno de esos vídeos de propaganda bélica que no sólo satirizan los utilizados por los ejércitos alemán y estadounidense durante a la segunda guerra mundial, sino también films realizados bajo el amparo del régimen nazi como El Triunfo de la Voluntad de Leni Riefenstahl, ya tenemos los primeros apuntes paródicos de tono muy ácido. En todos esos vídeos promocionales (que ya estaban con su tono irónico en Robocop) vemos burradas que de ninguna manera un director con el bagaje e inteligencia de Verhoeven podría tomarse seriamente o con solemnidad. A partir de aquí cuidado con los spoilers.

Un niño sale de entre las filas de ejército con el uniforme pidiendo ser reclutado y el resto de militares le ríen la gracia, un grupo de soldados reparte armas de asalto a críos que se pelean por ellas como si fueran juguetes, una madre salta histérica por la alegría de ver a sus hijos pisotear a unos pequeños escarabajos disfrutando al ver como empiezan a amar la guerra y el odio contra los extraterrestres desde la infancia, un traidor humano (el mismo guionista del film en un cameo) que ha colaborado con los bichos será capturado, juzgado y condenado a muerte en el mismo día y su ejecución será "retransmitida en todos los canales" y en horario infantil.

Después nos introducimos por medio de los personajes (inteligentemente elegidos entre las series de televisión juveniles de la época, a cada cual de ellos peor actor, idea acertada para mostrar sus pocas entedederas y excesivo culto al cuerpo) en una sociedad miltarizada que sólo permite el derecho a voto a aquellas personas que ingresen en el ejército y en la que el profesor Rascszak (grande Michael ironside) anima a su clase a alistarse en el ejército, exponiendo así a sus alumnos una declaración de principios en la que proclama el fracaso de la democracia y que la única vía aceptable para la sociedad es la fuerza y la violencia.

Posteriormente veremos a un oficial de reclutamiento alegrarse de que que la infantería haya hecho de él hombre que es hoy en día (cuando al individuo en cuestión le faltan las dos piernas y un brazo), que los vídeos caseros que utilizan los soldados para enviar saludos a familiares, amigos o parejas pasan por un estrcito filtro de censura del ejército, que la guerra contra los bichos no la empezaron las criaturas en concreto, sino ciudadanos humanos (mormones extemistas concretamente) que ocuparon su planeta y dieron pie a que los insectos gigantes se defendieran, que la inteligencia militar humana viste uniformes muy parecidos a los de los nazis y que no se apiadan a la hora de enviar soldados rasos a misiones suicidas o que los militares no quieren arrasar el planeta P (salvando de esta manera a sus muchachos que están en el frente) porque lo que quieren es colonizarlo.

Si a estas alturas alguien no se da cuenta de que todo el largometraje es una brutal crítica al imperialismo, a la gradual y radicalizada militarización imperante en Estados Unidos con la que le lavan la cabeza a niños (genial el apunte de que el reemplazo de Rico y sus compañeros sean críos de no más de 15 años) para "morir con honor por su país" y que este camino sólo lleva a regímenes dictatoriales puros y duros, ni Paul Verhoeven como director, ni Ed Neumeier como guionista, ni un servidor como admirador de la película podemos poner más de nuestra parte para llevar a buen puerto tal empresa.

Ya en un plano más extrictamente cinematográfico se puede afirmar con exactitud que el acabado técnico de Starship Troopers es sencillamente prodigioso. Las escenas de batalla están rodadas con fuerza y esa violencia muy Verhoeven (deudora, una vez más, de Robocop o Desafío Total) que es mostrada en pantalla en toda su crudeza (llegando en ocasiones al efectismo) ya que la misión del director de El Libro Negro es mostrar los estragos de la guerra y que morir en el campo de batalla no tiene nada de honroso o romántico. Los efectos digitales mantienen considerablemente la compostura después de 15 años y las escenas de acción son intachables, destacando ese pasaje en el que los aviones bombardean a los insectos y que dio pie a la mayor explosión en cadena de la historia del cine.

El reparto de actores jóvenes es nefasto (salvemos a Neil Patrick Harris, que años después nos deleitaría con su mítico Barney Stinson en Cómo Conocí a Vuestra Madre) pero intencionadamente. Todos los actores son guapos, de cuerpos apolineos y porte estilizado, en resumidas cuentas, de raza aria. Es más, muchos de ellos, como he mencionado con anterioridad, venían del mundo de la televisión (concretamente el actor Patrick Muldoon era uno de los protagonistas de Melrose Place) y son la carne de cañón o el medio por el cual Verhoeven y su guionista hacen llegar el mensaje del film al espectador. La historia que se narra con ellos como protagonistas es tópica y trillada hasta lo insultante porque los personajes deben ser retratados como animales impulsivos unineuronales y de mentalidad maleable.

A pesar de que el largometraje era un proyecto de encargo posee una coherencia desarmante con respecto al resto de la filmografía de Paul Verhoven, teniendo sus mayores referentes en Desafío Total y Robocop. Curiosamente esta última es una de las películas favoritas del guionista de Starship Troopers, confesando que escribió el libreto pensando más en la cinta protagonizada por Peter Weller que en el mismo libro de Robert A. Heinlen que adaptaba con él. El tono cínico y cruel de la propuesta, la visceralidad con la que elimina a personajes (esta constante ya estaba en sus primeros films, ahí tenemos Delicias Turcas como ejemplo) la mirada crítica contra la sociedad occidental y su carnalidad bordeando lo escatológico como concepto son señas de identidad del realizador de Instinto Básico.

Formalmente Starship Troopers no es un gran film más allá de su acabado técnico, pero su corrosivo mensaje y su lacerante retrato de lo que podemos acabar siendo social y políticamente si seguimos por el camino que llevamos transitando desde hace años es su hallazgo más notorio y remarcable. Incluso su visión sobre el ejército invadiendo ilegalmente un terreno extranjero por el puro interés económico se mostró cruelmente premonitoria cuando en 2003 comenzó la invasión norteamericana a Iraq. Al igual que productos como Buffalo Soldiers de Gregor Jordan, el tiempo la pondrá en su sitio junto a otras sátiras antibélicas como M.A.S.H, Trampa 22 Johnny Cogió Su Fusil o Teléfono Rojo, Volamos a Moscú (Dr Strangelove) pero como es lógico salvando las considerable distancias que hay entre unos proyectos y otros.

Desde este humilde blog quiero reivindicar la figura de Paul Verhoven, uno de los directores más minusvalorados del panorama cinematográfico. Un autor que huyó de su Holanda natal por ser demasiado incómodo como cineasta para aquel país (films como Delicias Turcas o Spetters fueron muy polémicos en su momento) para ir a Estados Unidos y hacer lo propio con cada uno de los proyectos en los que se embarcaba. Hablamos de uno de los directores más incómodos y personales (todos y cada uno de sus films, hasta los más comerciales tiene su sello, incluso los fallidos como El Hombre Sin Sombra) en el séptimo arte de los últimos 30 años que rompió tabúes dentro de géneros tan dispares como el bélico, el medieval o la ciencia ficción mostrando cuan vulnerable, egoista y sucio puede mostrase el ser humano.

Hace tiempo quise dedicarle una entrada monográfica a su filmografía, pero cedí con respecto a ello debido a que seguramente su extensión sería un poco inadecuada (estos 17 párrafos sólo para Starship Troopers me dan razón) para una amena lectura del tirón. De modo que poco a poco iré comentando toda su obra (seguramente en orden no cronológico) desde sus inicios en Holanda hasta la que me parece su mejor obra, El Libro Negro que también supuso su regreso al cine europeo. Todo esto lo llevaré a cabo porque me parece que merece la pena hablar de uno de los cineastas más iconoclastas, sinceros y libres que ha ofrecido el mundo del cine en mucho tiempo. ¿Desea saber más?.

Asesinato Por Decreto, desde el infierno

2012-01-17T16:24:00.017+01:00

Título Original Muder By Decree (1978)

Director Bob Clark

Guión John Hopkins

Actores Christopher Plummer, James Mason, David Hemmings, Susan Clark, Anthony Quayle, John Gielgud, Frank Finlay, Donald Sutherland, Geneviève Bujold

Memorable coproducción de 1978 entre Canadá y Reino Unido que auna por medio del mestizaje el universo literario del personaje creado por el escritor británico Arthur Conan Doyle y hechos inspirados (más o menos) en la realidad relacionados con los crímenes llevados a finales del siglo XIX por el asesino en serie Jack el Destripador. La batuta la lleva el director Bob Clark, que cuatro años después se haría mundialmente famoso con la cachonda comedia generacional Porky's y su secuela.

Durante el año 1888 se suceden varios sangrientos asesinatos de prostitutas en el barrio de Whitechapel, pronto se conocerá al criminal como Jack el Destripador por lo brutal de sus actos. Ante la impotencia de las fuerzas de la ley al enfrentarse al caso Scotland Yard decide contratar los servicios del afamado detective Sherlock Holmes y su inseparable compañero el Doctor Watson. Ambos llegarán hasta el fondo del misterio pero pagando por el camino un trágico precio.

El film, que traslada a imágenes libremente el libro Jack the Ripper: The Final Solution de Stephen Knight, es una oscura pieza cinematográfica, deudora del legado de la Hammer Films y del cine del norteamericano Roger Corman que adaptaba relatos de Edgar Allan Poe (imposible no pensar en algunos pasajes de aquella otra amalgama llamada El Palacio de los Espíritus, que a parte de al autor de Asesinatos en la Calle Morgue también rendía tributo al escritor H.P. Lovecraft en una mezcolanza desprejuiciada que quedaba resultona en pantalla) pero cubierta con una mórbida atmósfera de crudeza visceral que en ocasiones bordea el subgénero gore.

Todo un acierto relatar algunos pasajes de los asesinatos del criminal en plano subjetivo y con lentes deformantes para acentuar su visión distorsionada de la realidad. Curiosamente este recurso (bastante tópico y manido a día de hoy) no sólo funciona al 100% en el contexto del relato, también serviría como esclarecedor precedente de lo que en un futuro serían las aventuras gráficas en primera persona diseñadas en el mundo del videojuego, curiosamente varias de ellas protagonizadas tanto por Sherlock Holmes como por el mismo Jack el Destripador.

A pesar de que el largometraje mezcla dos mundos distintos (pero con muchos puntos en común) el guión de John Hopkins mantiene una considerable fidelidad a la hora de abordar ambos. Los Sherlock Holmes y John Watson a los que dan vida el canadiense Christopher Plummer y el británico James Mason mantienen la personalidad y química que se puede encontrar en los relatos de Conan Doyle o en films anteriores y ulteriores como La Vida Privada de Sherlock Holmes o El Secreto de la Piramide (Young Sherlock Holmes) respectivamente.

Por otro lado muchos de los apuntes sobre la investigación de los crímenes de Jack the Ripper como la utilización de racimos de uvas para atraer a las prostitutas o que el asesino pudiera ser miembro de la realeza son parecidos a los supuestamente reales, aquellos que utilizaría el guionista de cómics británico Alan Moore en su ambicioso trabajo From Hell y los hermanos Allen y Albert Hughes en la entretenida pero brutalmente infiel adaptación cinematográfica homónima protagonizada por Johnny Depp y Heather Graham en 2001.

Christopher Plumer insufla elegancia, carisma y porte británico (y eso que el actor es nacido en Toronto), sus bromas y apuntes de ironía compartidos con Watson son memorables. Por otro lado el veterano James Mason está incluso más inspirado como el fiel ayudante del ínclito detective. Entrañable, socarrón, tímido o astuto si la situación lo exige, el protagonista de Lolita se come la pantalla cada vez que la cámara de Clark lo encuadra. Comos secundarios tenemos a un siempre íntegro John Gielgud, a una excelente Geneviève Bujold, a un David Hemmings al que la naturaleza empezaba ya a tratar con bastante cruealdad, alejándolo de aquel estilizado galán de films como Blow Up o Rojo Oscuro y por último un Donald Sutherland de pálido rostro y supuestos problemas mentales

El trabajo de dirección es bastante destacable. Bob Clark consigue una atmósfera malsana, retratando un Londrés sucio y tenebroso, siempre ayudado por la artesanal dirección artística. Especial truculencia bien acabada se puede ver en los asesinatos (bastante brutales para la época en la que fueron rodados), sobre todo en el primero y en el que finaliza con el rostro ensangrentado de la prostituta apareciendo de entre la oscuridad del interior del fantasmal carro de caballos. El director consigue momentos de alto voltaje y otros de un acabado técnico remarcable, como ese travelling entrando en el teatro al final de la ópera que comienza en la calle y termina delante de los personajes principales.

Interesante producción con suficientes alicientes como para agradar a distinto tipo de público. Los jihadistas de Sherlock Holmes no creo que se desgarren las vestiduras (hablando del tema, posiblemente no tardaré en hablar de la secuela del Holmes de Guy Ritchie, no desesperen) con su visionado y el resto de espectadores que busquen una historia detectivesca bien realizada y con un reparto destacable se verán considerablemente satisfechos con esta Murder By Decree que a mí al menos me resulta un producto bastante recuperable.

Adiós, Muchachos, mon ami, mon frère

2012-01-16T18:48:00.012+01:00

Título Original Au Revoir les Enfants (1987)

Director Louis Malle

Guión Louis Malle

Actores Gaspard Manesse, Raphaël Fetjo, Francine Racette, Stanislas Carré de Malberg, Phillipe Morier-Genoud, François Berléand, François Négret, Peter Fitz, Pascal Rivet, Bendit Henriet, Xavier Legrand, Irène Jacob

Tras su etapa americana formada por proyectos como La Pequeña, Atlantic City, Mi Cena con André, Crakers y La Bahía del Odio, el afamado realizador frances Louis Malle (autor de films del país vecino como Ascensor Para el Cadalso, El Soplo al Corazón o Lacombe Lucien) volvía en 1987 a casa. Allí sacó adelante la que sería su película más famosa y reverenciada, un largometraje de corte autobiográfico sobre una etapa determinada de su infancia durante los convulsos años 40. Hablo como no podía ser menos de Au Revoir les Enfants.

Durante el invierno de 1944 y con la ocupación nazi de Francia como telón de fondo, conoceremos la vida dentro de un internado católico carmelita por medio de Julien, un niño de trece años que pasa el curso escolar en dicho emplazamiento. La llegada de Jean, un extraño nuevo niño y el secreto que se esconde detrás de él dará pie a una relación de amistad entre los dos chicos en la que la lectura, la música y la complicidad los convertirá en inseparables almas gemelas.

Pulida joya de elegante naturalismo y poderoso poso dramático, siempre contenida pero veraz y con inquebrantable corazón, realista retrato de la adolescencia, con Adiós, Muchachos Louis Malle se sirve de sus recuerdos de infancia para dirigir una de las más bellas y sutiles piezas sobre la amistad, la perdida de la inocencia y los estragos de la guerra jamás rodadas. El director de Herida utiliza esta obra como homenaje en honor personas de vital importancia para él en aquella época pero también como expiación de diablos interiores que le acompañaron desde aquella difícil etapa de se vida.

Malle no idealiza la infancia ni a los jóvenes que la experimentan. Los internos se pelean, son crueles los unos con los otros, fuman, practican el onanismo y llevan a cabo entre las sombras un mercado negro a espaldas de los sufridos y comprensivos sacerdotes (visión más amable de la iglesia la que aquí hace Malle, nada que ver con aquel cura al que daba vida un Michael Londsdale al que se le iba la mano con los niños en Un Soplo en el Corazón) que sólo tratan de educar y proteger a los alumnos.

La llegada del Jean como nuevo alumno trastoca en cierta medida la vida de los internos. La mayoría de ellos abusan de él, en principio incluso el mismo Julien, pero poco a poco ambos descubrirán que tienen cosas en común (su pasión por la lectura o la música) y eso los acabará uniendo. La relación entre ambos da pie a escenas de sutil belleza y profundo calado como la sencilla a la par que esclarecedora de los dos chicos tocando juntos el piano entre risas durante un aviso de bombardeo. Una de las secuencias más bellas que que un servidor ha visto en su vida a la hora de retratar en pantalla ese impagable sentimiento llamado amistad.

Por el camino Malle reflexiona sobre el colaboracionismo de sus compatriotas con el ejército alemán (que para colmo los desacreditaban en público, como se ve en la escena del restaurante) durante la ocupación de su país, la vacuidad de muchas de las costumbres ancladas en una sociedad burguesa que parecía vivir entre la indiferencia y el desconocimiento durante aquella época y sobre como unos pocos clérigos se levantaron en contra del holocausto y el adocenamiento imperante en las clases altas y la institución eclesisastica durante la segunda guerra mundial.

Pieza clave en la carrera de Louis Malle, largometraje de dirección medida y guión impecable (con qué sutilidad y elegancia se percibe poco a poco la evolución psicológica del "delator", casi sin darnos cuenta) con un dúo de actores adolescentes dirigidos con mano maestra y pasajes de una fría y contenida belleza que emocionan sin llegar nunca a la sensiblería. Como muestra ese último primer plano de Julien con la voz en off del mismo Louis Malle de fondo con el que finalmente nos retuerce el corazón al vislumbrar esa lágrima furtiva que no necesita recorrer la mejilla del niño para demostrarnos que en aquella mañana de Enero le habían arrebatado no sólo parte importante de su vida, sino también la inocencia.

Millenium: Los Hombres que No Amaban a las Mujeres (2011)

2012-01-15T21:39:00.016+01:00

Título Original The Girl With the Dragon Tattoo (2011)

Director David Fincher

Guión Steven Zaillian basado en la novela de Siteg Larsson

Actores Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skasgard, Robin Wirght, Steven Berkoff, Yorick Van Wageningen, Goran Visnjic, Geraldine James, Joely Richardson, Embeth Davidtz, Alan Dale, Inga Landgré, Mats Andersson, Eva Fritjofson, Donald Sumter, Elodie Yung, Ulf Friberg, Julian Sands

Remake del film sueco que adaptó la primera novela de la trilogía Millenium, ideada por el tristemente desaparecido escritor Stieg Larsson o revisión de ese mismo libro desde un punto de vista cinematográficamante norteamericano. Con esta versión estadounidense de Millenium: Los Hombres que No Amaban a las Mujeres, pocos se esperaban que el proyecto fuera a caer en manos del cineasta David Fincher, finalmente fue así y vistos los resultados del producto, se agradece bastante.

Un acaudalado empresario de Suecia contrata los servicios del prestigioso y polémico periodista Miqael Blomqvist (Daniel Craig) para investigar en secreto el asesinato de su sobrina, 40 años atrás. Durante el proceso el reportero contratará la ayuda de la atípica y genial fotógrafa y hacker informático Lisbeth Salander (Rooney Mara) que le ayudará con un proceso que les llevará demasiado lejos en su investogación, llegando a mundo del nazismo y el antisemitismo arraigado durante la segunda guerra mundial.

Huelga mencionar que si bien la versión dirigida por Niels Arden Oplev en 2009 era un thriller de tono europeo bien resuelto pero con un aroma a cierta tv movie de gran presupuesto, la versión de Fincher es considerablemnte superior en la mayoría de los aspectos y no sólo por tener más medios para llevarla a acabo, es que la profesionalidad y personalidad autoral que tiene el director de Seven a estas alturas es una de las más sólidas del panorama cinematográfico actual y hasta en un producto decididamente comercial como este puede verse su sello como narrador.

Tras el prólogo Fincher nos regala uno de esos títulos de crédito (los de Seven, The Game o El Club de la Lucha crearon escuela) que se quedan grabados a fuego en la retina. Con una versión de rock industrial de la inmensa Immigrant Song de Led Zeppelin a manos de Trent Reznor, Atticus Ross y Kate O y unas imágenes y montaje que recuerdan al Fincher más visual (el deudor del mundo del videoclip) todo parece apuntar que vamos a ver un film que volverá a poner en la palestra la potente y frenética realización de sus inicios como director. Nada más alejado de la realidad, por suerte.

La realización de The Girl With the Dragon Tattoo nos muestra al Fincher de sus últimos trabajos, el autor que ha depurado su visión e impronta, dejando que los encuadres tomen vida propia sin necesidad de movimientos de cámara innecesarios que depende qué historias no requieren. Todo conducido con un pulso intachable y una estética adecuada que sabe captar la oscura gelidez de los nevados parajes de Suecia, aderezada la misma con un tono de thriller que auna clasicismo y vanguardia remitiendo en distintos pasajes tanto a Seven como Zodiac.

Steven Zaillian, guionista de La Lista de Schlinder o American Gangster y que se permite introducir un casi imperceptible autoguiño a su ópera prima como director En Busca de Bobby Fischer, se ocupa de la escritura del largometraje y a pesar de que obvia algunos pasajes (la paliza a Lisbeth en el metro por la pandilla de ladrones) y acentúa otros (la investigación por parte de los protagonistas es más cruda, la violencia más gráfica y las escenas de sexo sorprendentemente más traviesas y explícitas que en la versión de 2009) cae en el mismo fallo que la versión sueca. La trama es tan enrevesada y tiene tantos giros a lo largo del, un tanto excesivo, metraje que en las escenas post climax final pierde algo de interés.

El reparto de intérpretes es tan extenso como ecléctico y en él podemos ver a secundarios de renombre como Christopher Plummer, Stellan Skasgard (dando el toque verdaderamente sueco e internacional al producto), Robin Wirght, Goran Visnjic o Julian Sands (este último sin una sola línea de diálogo el pobre hombre, a Warlock el brujo no se le hacen estas cosas) realizando una buena labor. Pero el dúo protagonista es logicamente el que merece toda nuestra atención por motivos puramente lógicos y por cargar todo el peso de la historia, primero individualmente y luego como compañeros.

Daniel Craig cumple sobradamante a la hora de dar vida a Miqael Blomqvist, pero no hace sombra en demasía a la buena labor de Michael Nyqvist. En cambio entre las dos Lisbeth Salander interpretadas por la sueca Noomi Rapace y la norteamericana Rooney Mara sí hay algunas diferencias. La primera transmitía mejor esa sensación de aparente fragilidad que más tarde rompía en fuerza e incluso violencia física a la hora de defenderse de sus atacantes, podríamos decir que era la que lo hacía mejor de las dos. Pero también es cierto que la intérprete de la versión de Fincher, Rooney Mara, lo hace muy bien y si es verdad que más que debilidad física exhala cierto aspecto que bordea la enfermedad también es mucho más visceral y sensual en su composición de la avispada informática.

En resumidas cuentas, el innecesario remake de una película que no pasaba de correcta (basada en la primera entrega de una trilogía literaria que aún no he leído por la pereza que me da su excesiva e incontrolable fama a nivel internacional) se ha convertido finalmente en una más de las interesantes piezas (no de las más logradas y elaboradas, cierto es) que dan forma a la filmografía de una de las voces más interesantes del panorama cinematográfico actual. Dúo protagonista creíble y con química, guión cumplidor (con incluso algún apunte de humor bastante inesperado y bien insertado), dirección intachable y una historia que se sigue con interés ofreciendo 158 minutos de buen cine comercial de calidad.

Un Cuento de Navidad, silent night, holy night

2012-01-10T13:22:00.014+01:00

Título Original 'R Xmas (2001)

Director Abel Ferrara

Guión Cassandra de Jesus, Scott Pardo y Abel Ferrara

Actores Drea de Matteo, Lillo Brancato Jr, Ice-T, Lisa Valens, Victor Argo, Denia Brache, Gloria Irizarry, Naomi Morales, Nelson Vasquez

Producción del cineasta italoamericano Abel Ferrara que data del año 2001. El director de Teniente Corrupto o El Funeral hace bastante tiempo que no estrena uno de sus productos en las carteleras españolas (aunque muchos de sus trabajos sí son proyectados en festivales celebrados en la península). Si mal no recuerdo esta Un Cuento de Navidad sería el último de ellos que viera una pantalla grande de manera oficial en nuestro país.

'R Xmas (título original del film) narra un día (el de Nochebuena, concretamente) en la vida de un matrimonio acomodado que se dedica al narcotráfico de estupefacientes. Algo tan sencillo y supuestamente inocente como ir a comprar una muñeca para la hija pequeña de la pareja desembocará en el secuestro del marido y la posterior extorsión a la mujer por parte de los captores que le exigirán una enorme cantidad de dinero que no podrá reunir en vísperas de la fiesta navideña.

Cierta indiferencia es lo que me ha transmitido este proyecto del director de El Rey de New York o Ángel de Venganza. Ciertamente poco se puede achacar al proyecto, que no falla en ningún aspecto, pero su historia es tan mínima que pocas sensaciones me ha conseguido transmitir a parte de experimentar un visionado entretenido con algunas de sus señas identidad en un tono menos derrotista y radical al que nos suele tener habituado en sus largometrajes.

Hay ideas interesantes y aciertos en Un Cuento de Navidad como esa normalización con la que Ferrara nos enseña el mundo del narcotráfico dentro de la vida diaría de la pareja protagonista, mostrándolo como un hábito o trabajo dentro de sus existencias. Todo un acierto exponer en pantalla cierta delectación cuando estos y sus colaboradores elavoran con sumo cuidado las papelinas con dosis personalizadas que luego pondrán a la venta en la calle, retratando a dichos personajes en pantalla como otro tipo de "Reyes Magos" o "Santa Claus" que van a repartir otra clase de "regalos para los niños" en los barrios de New York.

El mayor pleno de Ferrara es que a pesar del tema central tan peculiar que desarrolla, la historia nunca deja de ser justamente eso, un cuento de Navidad. Un relato de tono oscuro que mantiene tono y referencias (la más directa es la que abre la cinta) a Charles Dickens. La atmósfera envuelta con canciones típicas navideñas en versiones más oscuras da un matiz interesante al conjunto. También habría que mencionar para bien el competente trabajo de una Drea de Matteo (inolvidable Adriana la Cierva de Los Soprano) que lleva todo el peso dramático del producto o secundarios como Lillo Brancato Jr (actor colombiano que debutara con la magnífica Una Historia del Bronx de Robert de Niro y Chazz Palmintieri y que en 2005 se viera implicado en la muerte de un agente de policía tras atracar una tienda) o un poco aprovechado Ice -T.

El problema llega cuando no veo aliciente alguno en la historia para ser recordada con el paso del tiempo. El nudo de la historia llega demasiado tarde, se deshace demasiado pronto y el final es algo anticlimático (echo de menos esos cierres desgarradores de Ferrara en otras de sus cintas). Por el camino el cineasta pasa de puntillas por planteamientos que podían haber sido harto interesantes. Como la relación de la mujer con el personaje intérpretado por el famoso rapero o el martirio por el que pasa el marido con el grupo de captores que lo tienen retenido. Cuando todo acaba Ferrara cierra con sensatez la trama, pero a mí me queda la insatisfactoria sensación de que me han contado una historia bien hecha que realmente no me ofrecia nada verdaderamente interesante.

Lo cierto es que antes que una obra como esta, que me deja bastante frío, no sólo prefiero al Ferrara grande, el de Teniente Corrupto, El Funeral o The Addiction, sino también al petulante, fallido, pero más ruidoso y molesto de Blackout, Body Snatchers o Juego Peligroso que al menos me ofrece más sensaciones, ya sean buenas o malas. Con 'R Xmas me ha pasado como cuando vi Mary, que al terminar su visionado me encontré con que Ferrara había desperdiciado una oportunidad para contar algo bastante interesante, regalando finalmente una nadería que no convence del todo, pero tampoco molesta.

Top 2011, Cine

2012-01-09T14:21:00.022+01:00

Ahí me tenéis, contratando los servicios sexuales (bastante caros por cierto) de un Digimon con anemia. Bueno, como todos los años mi Top de cine. Por suerte el pasado 2011 estuvo bastante más animado que el 2010, aquel año el Top me quedó algo raquítico. Exceptuando la primera película, las demás no siguen un orden de preferencia muy estricto y no he incluido muchos films vistos ya (The Ides of March, Red State, Small Town Murder Songs, Trust, The Ward, Tropa de Élite 2, Enter the Void, I Spit On Your Grave) pero no estrenados en España en 2011. También me arrepiento profundamente de no haber podido ver de ninguna manera The Artist de Michel Hazanavicius porque conociéndome como me conozco se pondría en lo más alto de la lista o cómo mínimo entre las tres primeras, pero bueno, así ha quedado la cosa. Pasen y vean.

El Árbol de la Vida

No sé si realmente es mi película favorita del año (seguramente sí) pero sin duda es la que más sensaciones ha despertado en mí como espectador. Terrence Malick se abre el pecho de par en par y nos ofrece su obra más pura y personal. Teología, metafísica, filosofía y evolución se dan la mano para que el director de La Delgada Línea Roja nos hable de que la vida de una familia del sur de Estados Unidos puede ser tan fascinante como la creación del universo mismo. ¿En el futuro se la recordará como una obra maestra o un panfleto para culturetas?. Poco me importa, a mí me ganó y dejó fascinado desde la primera vez que me enfrenté a ella.

Cisne Negro

Darren Aronofsky ofrece una compleja y retorcida visión de la ambición, la creación de arte y la perfección personal por medio de una bailarina a la que devora su propia vida, las dudas con su identidad sexual, su ambición y su pasión por el ballet. De camino viajamos y volvemos de una pesadilla infernal y Natalie Portman nos corta la respiración con el mejor papel de su carrera.

Drive

El aclamado cineasta danés Nicolas Winding Refn debuta en Hollywood con este acerado y violento thriller con apuntes de romance que recupera una manera de entender el cine puramente ochentera. Magnífico reparto encabezado por un inquebrantable Ryan Gosling y una vulnerable Carey Mulligan. No inventa nada, pero ofrece buen cine en grandes cantidades y su banda sonora es magnífica.

Un Dios Salvaje

Roman Polanski ofrece un proyecto más ínitmo y en apariencia ligero, pero su verdadera cara como autor vuelve a mostrarse al 100% tras la lograda aunque más impersonal The Ghost Writer. Retrato de la hipocresía social y la falsa máscara de educación que enseñamos a los demás. Los cuatro actores impagables.

Un Método Peligroso

David Cronenberg sigue evolucionando su impronta (y volviéndola algo impersonal y academicista, para qué negarlo) en esta cinta de época que muestra la lucha psicológica e intelectual entre Karl Jung y Sigmund Freud debido a la aparición en escena de la primero paciente y luego doctora Sabina Spielrein. Cinta ejemplar, analítica e inteligente pero no tan portentosa como los dos anteriores trabajos de su director, Una Historia de Violencia y Promesas del Este.

Midnight in Paris

Woody Alen ofrece su mejor trabajo desde Match Point con esta deliciosa comedia que puede verse como un poema de amor hacia la Ciudad de la Luz o una declaración de principios sobre el arte, la literatura, el cine y la vida nocturna. Deliciosa muestra de cine vivo, romántico, inteligente y sobre todo, clásico.

Valor de Ley

Los Coen reinterpretan la célebre novela de Charles Portis (que ya adaptara con éxito Henry Hathaway en 1969 con un inolvidable John Wayne como protagonista) en este western seco que bebe de los clásicos manteniendo una estética contemporánea (imposible no pensar en el Clint Eastwood director dentro del cine del oeste o la memorable serie Deadwood). El reparto magnífico, pero a Jeff Bridges no se le puede hacer justicia con las palabras.

Encontré al Diablo

Brutal thriller sobre un sádico asesino en serie y su posterior búsqueda por parte de un policía dirigido por el realizador coreano Kim Ji-Woon. Rodada con virtuosismo y con un acabado impresionante (la escena del asesinato doble en el taxi es una de las mejores secuencias del año) su guión lleva hasta extremos nunca antes vistos la manida historia sobre venganza. Gran muestra de como el cine coreano está a otro nivel.

Secuestrados

Que se dejen de comedias, guerra civil, compromiso social y demás temáticas de nuestro cine. La película española del año está rodada en 12 planos secuencia que quitan el aliento. Secuestrados es la conjunción entre perfección técnica y artística más potente que ha dado España en muchos años y como es lógico nuestra academia de cine hará la vista gorda con ella.

Melancolía

Este improvable nazi de origen danés ofrece con su última cinta una maravillosa y atípica cinta de catástrofes con personajes reales y un clímax tan aterrador como bellísimo. Muy buen reparto en el que destaca Kristen Dunst, sorprende Kiefer Sutherland y arrasa Charlotte Gainsbourg.

Harry Potter: Las Reliquias de la Muerte Parte II

Última entrega de la saga cinematoráfica que adapta las novelas del personaje creado por J.K Rowling. Gran cierre para una franquicia inolvidable compuesta por ocho entregas que atesoraban fantasía, amor, humor, acción, luz, oscuridad y buen cine. Larga vida al mago miope.

También la Lluvia

Iciar Bollaín se confirma como una de nuestras mejores cineastas con este proyecto de cine dentro del cine lleno de capas y lecturas que sirve tanto para hacer una crítica hacia el colonialismo sudamericano por parte de los españoles, como al supuesto carácter comprometido del celuolide de nuestro país. Impresionante reparto en el que destaca un Karra Elejalde intratable y robaplanos.

Primos

Daniel Sánchez Arévalo nos ofrece una comedia costumbrista con verdadera alma y yo me emociono al verme reflejado totalmente en esos primos que vuelven al pueblo en el que pasaban sus veranos buscando al primer amor de uno de ellos. Por eso escenas tan simples como la de los Back Street Primos cantando o la de El Barco Pirata me llegan hondo, por eso ese reparto enamora desde el primer minuto y por eso Sánchez Arévalo es el mejor cronista de la pequeña España que tiene nuestro cine.

La Conspiración

Competente cinta histórica de Robert Redford sobre los hechos acontecidos después del magnicidio del presidente Abraham Lincoln. Buena dirección, sólido guión y reparto destacable (sobre todo una Robin Wright en el papel de su carrera). Su mensaje es tan válido como actual en los tiempos que corren.

X-Men: Primera Generación

Este reinicio o precuela de la saga cinematográfica basada en los personajes creados por Stan Lee y Jack Kirby es la película pijamera del año. Historia que narra como nació la amistad y posterior rivalidad entre Charles Xavier (el Profesor X o Profesor Xavier) y Erik Lensher (Magneto). Matthew Vaughn se hace con las riendas de la franquicia y ofrece un poderoso film localizado en un contexto realista y politizado (la Guerra Fría) y nos regala el mejor personaje de cómic visto en pantalla durante el 2011. Ese Magneto al que borda Michael Fassbender.

Insidious

El director de la única cinta de la saga Saw que merece la pena (la primera) toma todos los conceptos mil veces vistos sobre el cine de casas encantadas y los mezcla con estilo ofreciendo la película de terror del año. Con una atmósfera impresionante y sustos logrados que mantienen al espectador considerablemente inquieto a lo largo del metraje. Que vengan muchas como esta.

Capitán América: El Primer Vengador

La cinta que adapta las aventuras del personaje ideado por Jack Kirby y Joe Simon es un homenaje al cine pulp sobre el nazismo, al bélico clásico americano, está rodada con oficio, es fiel al universo Marvel y aprovecha todos los tópicos de los films de aventuras en su favor. Cine entretenido y comercial a la máxima potencia.

Mientras Duermes

Obra de madurez del catalán Jaume Balagueró que con su último film vampiriza su propio discurso de manera que ya no necesita recurrir a sus contantes visuales para que su impronta sea reconocida como tal. Polanskiano ejercicio mórbido y demasiado cercano con el posiblemente mejor actor español actual haciendo lo que mejor sabe, dar lecciones de interpretación.

Thor

Otra lograda adaptación de un personaje de la Marvel. Con Kenneth Branagh en la dirección, un aroma shakesperiano en la trama de Asgard (grande el triángulo Odin/Thor/Loki, este último lo mejor del film) y otro más rutinario en la que tiene lugar en la tierra. Escenas de acción poderosas, efectos especiales muy conseguidos y Chris Hensworth ofreciendo un Thor bastante creíble.

El Origen del Planeta de los Simios

El sleeper del año es esta revitalización de la saga que tuvo su genesis con el clásico de Franklin J. Schaffner. Un blockbuster ejemplar que auna calidad con comercialidad, efectos digitales logrados e historia interesante con mensaje. César el simio posiblemente sea el personaje más memorable de este 2011.

Carne de Neón

Paco Cabezas decide pasar al largo su cortometraje homónimo y se marca un homenaje ibérico al cine de Guy Ritchie. Divertido thriller cirminal lleno de acción, humor y unos actores nacidos para interpretar sus papeles, sobre todo una Ángela Molina casi divina.

La Piel que Habito

Tras la impostada Los Abrazos Rotos Almodóvar se desata con este thriller sobre un mad doctor y mucha ambigüedad sexual que acierta a distintos niveles. Atrevida y multireferencial pieza de género en la que funciona casi todo. Su dúo actoral merece más de un elogio.

Enredados

La demostración de que Disney gracias a la influencia de Pixar está recuperando el norte incluso cuando sus obras no tienen el sello de la casa de John Lasseter. Divertida, agradable, luminosa, personajes memorables, secundarios entrañables y números musicales acertados.

El Demonio Bajo la Piel

Adaptación de la clásica novela negra de Jim Thompson por un Michael Winterbottom inspirado que saca gran partido a sus actores (Casey Affleck, enorme y odioso) y que muestra algunos pasajes de violencia brutal, pero nunca gratuita. A redescubrir y valorar como es debido.

Piraña 3D

Alexandre Aja y su amigo Grégory Levasseur se marcan un burrísimo homenaje al cine de terror de los 70 y 80 riéndose del actual por medio de este remake de la cinta de culto de Joe Dante y John Sayles. Sangre, vísceras y muchas tetas hasta el infinito y más allá.

I'm Still Here

Sin llegar a explotar todas sus posibilidades como falso documental (aunque retrata con acierto la hipocresía de Hollywood) este proyecto con el que Casey Affleck y Joaquin Phoenix se quedaron con todo el mundo del cine sólo por la mastodóntica interpretación del hermano del malogrado River Phoenix ya merece la pena tener su pequeño hueco en la historia del celuloide reciente.

The Fighter

David O'Russell se marca una cinta pugilística que no ofrece nada original pero que contiene verdadero corazón. Lo mejor el reparto, Mark Whalberg poniendo la cara de siempre (más no se le pide, ni sabe darlo), Amy Adams sensual desde su sencillez, Melissa Leo para el recuerdo y un Christian Bale intachable ganando el combate por K.O y desde el primer golpe.

Super 8

J.J Abrams por primera vez me convence al 100% de que sabe hacer buen cine. Super 8 es un entrañable homenaje al cine comercial de los 80 en general y a las producciones made in Steven Spielberg en particular. Disfrutable, nostálgica y competente, que no es poco

Winter's Bone

Drama con espíritu de western contemporáneo protagonizado por unos magníficos Jennifer Lawrence y John Hawkes. Una chica busca a su padre ex convicto desaparecido y se da de bruces con la América más profunda, desarraigada y violenta. Interesante pieza, de gélida belleza y poderosa contención.

Green Lantern

Fallida, infantil, impersonal, pero entretenida, bien acabada (en general) en el plano técnico y además consigue hacer que se vislumbre algo del complicado universo del personaje de DC. Lo mejor el villano (su nacimiento paralelo al del héroe está muy logrado, enorme Peter Sasgaard) y que si hay secuela ese Sinestro apunta maneras, obra y gracia del gran Mark Strong. La pongo en el ranking gratis y por un capricho personal más que por otra cosa, pero ahí la dejo.

La Otra Hija - Cinta dirigida por el español Luis Bermejo y portagonizada por Kevin Costner y nuestra Ivana Baquero que se estrenó directamente en el mercado doméstico. Contra todo pronóstico un film que mantuvo inusualmente inquieto gracias a su atmósfera y al saber hacer de su realizador.

Monsters - Interesante, atípica, arriesgada e inteligente no para todo tipo de público pero sí para aquellos que huyan de las monsters movies tópicas.

127 Horas - Danny Boyle devora una buena historia con todos sus tics visuales que una vez más no vienen a cuento con el tipo de film que está narrando. Con todo una buena película, epidérmica y minimalista con un gran recital de James Franco.

Más Allá de la Vida - Bien rodada, entretenida, con poso y aciertos, pero noto a Eastwood desubicado, este no es su terreno.

No Controles - La segunda de Borja Cobeaga es simpática, agradable y tiene personajes cercanos, apunta maneras este hombre y Juancarlitros inolvidable, pero más aún el mismo Julián López como actor.

La Deuda - Entretenida, rutinaria, maniquea.

No Habra Paz Para los Malvados - Bien intérpretada, mejor dirigida, escrita con corrección pero sobra una subtrama.

Intruders - Juan Carlos Fresnadillo pincha haciendo una de fantasmas del montón, ni siquiera el interesante giro en la recta final o el último y lírico pasaje que cierra la cinta salvan de la quema el producto.

Conan: El Bárbaro - Divertida, impersonal, efectista y rutinaria cinta de bárbaros que poco o nada tiene que ver con el personaje creado por Robert E. Howard.

La Cosa - Remake disfrazado de precuela que copia mal todos los conceptos acertados de la cinta original de John Carpenter. Innecesaria a demasiados niveles.

Amanecer Parte I: La Saga Crepúsculo - Cuánto más decentes tratan de hacer las cintas de esta horrible saga, más aburren al respetable. ¡Que vuelva el disparate!

Mision imposible: Protocolo Fantasma - Entretenidísima, frenética y agradable secuela de la saga de Ethan Hunt que no desentona nada con el resto de secuelas

Perros de Paja (2011) - Mamarrachada innecesaria, mala copia de una obra maestra, para echarla... a los perros

Bad Teacher - De las peores películas del año, si no la peor.

Transformers 3: La Cara Oscura de la Luna - Michael Bay al 200% y la verdad es que cansa y satura

Sucker Punch - A Zack Snyder se le acaba la fórmula, o la renueva y modera o nos espera otro Superman para olvidar o peor aún, una mamarrachada como esta Sucker Punch

Encontrarás Dragones - Aceptable cinta cuya simple existencia despierta curiosidad. Paradójicamente como hagiografía es penosa y fracasa estrepitósamente, en cambio la historia del Nacional traidor se sigue con considerable interés.

La Legión del Águila - Insípido peplum a medio gas dirigido por un director que ha tenido momentos mucho más inspirados

El Último Exorcismo - Interesante retrato de la América profunda que en sus 10 minutos finales se va a tomar por culo de tal manera que anula sus logros y duro mensaje.

Torrente 4: Lethal Crisis - Desfile de famosos y famosetes al servicio de una historia que ni lo es, eso sí, el humor cafre te hace pasar un buen rato si no eres muy exigente.

Almas Condenadas - Wes Craven está muerto, pero él no lo sabe.

Distrito 34: Corrupción Total, gangs of New York

2012-01-07T18:09:00.017+01:00

Título Original Q & A: Questions & Answers (1990)

Director Sidney Lumet

Guión Sidney Lumet basado en la novela de Edwin Torres

Actores Nick Nolte, Timothy Hutton, Armand Assante, Paul Calderon, Charlse Dutton, Lee Richardson, Patrick O'Neal, Luis Guzmán

En 1990 el veterano Sidney Lumet volvió a uno de los terrenos en los que mejor se movía, el del policiaco. De nuevo decidió hacer un retrato complicado y nada amable de cierta parte de las fuerzas de la ley estadounidenses siempre basándose en lo reflejado en la novela del juez y escritor de origen puertorriqueño Edwin Torres (autor también de la historia que dio pie al soberbio film Carlito's Way de Brian de Palma) libro que adaptó el mismo director que trabajó en solitario con el guión del proyecto.

Al Francis Reilly (Timothy Hutton), un ayudante del fiscal del distrito es asignado para investigar el asesinato de un delincuente puertorriqueño por parte de uno de los policías más reconocidos del Distrito 34, Michael Brennan (Nick Nolte). Dicho agente de métodos expeditivos y contrastada violencia es culpable del crimen, pero recibirá el respaldo de compañeros y jefes que confiaran ciegamente en él hasta que entre en escena un mafioso latino llamado Bobby Tex (Armand Assante) que posee valiosa información sobre lo ocurrido en el día del asesinato.

Questions & Answers es un muy buen film sobre corrupción policial que no llega a la excelencia por culpa de algunos fallos que lastran su acabado como conjunto cinematográfico. Cierta irregularidad (en fondo o forma) en sus productos es un seña de identidad en pequeña parte de la filmografía del director de Antes que el Diablo Sepa que Has Muerto. Ya que si bien hablamos de un autor que cuando hacía plenos su labor era intachable (12 Hombres Sin Piedad, El Príncipe de la Ciudad) también en algunas de sus obras no capeaba el temporal con éxito al 100% (Network: Un Mundo Implacable) llegando también a rodar films bastante olvidables. Pero esa es otra historia.

Hay en el film que nos ocupa una interesantísima historia sobre policías corruptos, fiscales del distrito impetuosos e idealistas y hasta mafiosos con cierta pátina de honor. En ese terreno Sidney Lumet se mueve con soltura y la veterania que se esperaría de un cineasta tan curtido como él. La trama central funciona como un reloj suizo y los tres personajes que la sustentan y desarrollan tienen una solidez y entereza, tanto en el guión como en la labor de los actores que les dan vida, del todo intachable. Pero el problema surge con las subtramas, sobre todo en la centrada en Nancy, una esforzada pero poco convincente Jenny Lumet, hija del director.

La historia de amor entre Al y Nancy no es creíble, está mal perfilada, pobremente desarrollada y peor aún, no aporta nada a la historia en ningún sentido, porque ni impulsa el desarrollo de la misma ni enriquece en manera alguna el personaje de Timothy Hutton, que sería el principal implicado en dicha relación sentimental y los dilemas morales y emocionales que la situación le debería plantear en un plano psicológico. Todo lo que en esta historia suplementaria sucede ralentiza el ritmo del film y lo que acontece en la trama central, que es lo que verdaderamente importa.

Pero Lumet se hace fuerte cuando saca a relucir los trapos sucios de los policías de New York y nos muestra personajes interesantes que luchan a brazo partido por sus intereses (algunos altruistas, otros puramente personales). Su visión sobre la corrupción de la ley (que llega hasta la política) es mucho más desencantada y cruda que en productos como Serpico o El Príncipe de la Ciudad y esas calles que retrata con elegante pero sucia nocturnidad con la ayuda de la dirección de Andrzej Bartkowiak muestran una ciudad de New York peligrosa y cruenta que nos recuerda a la de Taxi Driver.

A que la trama central del largometraje tenga entereza y cohesión ayuda un trío actoral magnífico y perfecto en sus papeles. Un inolvidable Nick Nolte representa todo lo podrido que hay dentro de la policía de New York. Un agente veterano de vuelta de todo, racista, clasista, xenófobo, de gatillo fácil, pero carismático y con una arrolladora personalidad con la que se gana la confianza de sus compañeros. Hasta en sus últimas palabras del film consigue poner una sonrisa en un espectador al que no le queda más remedio que admitir que ha sido seducido por un horrendo hijo de puta.

Timothy Hutton ganó un Oscar a los 20 años por su papel secundario en Gente Corriente, la ópera prima de Robert Redford como director estrenada en 1980 y siempre se quedó en eterna promesa, dando forma a una carrera bastante irregular. En Q & A ofrece una muy buena actuación que nos permite vilsumbrar a ese fiscal del distrito que no se acobarda ante la corrupción y las amenazas de muerte, pero no es creíble como despechado amante de la chica del gangster, mismamente porque la historia amorosa del film que he mencionado con anterioridad no funciona.

Curiosamente el personaje que me parece más interesante del largometraje es el Bobby "Tex" Texador que interpreta Armand Assante, actor bastante olvidado que tienen en su haber algún rol memorable, aunque el pobre hombre en la actualidad tiene pinta de cadáver, la edad y la naturaleza no perdonan. Bobby Tex es un gangster entre elegante y hortera, implicado en negocios turbios, pero con un código de lealtad y autosuficiencia inquebrantable y que realmente quiere a su mujer. El protagonista de Gotti le inyecta personalidad, físico particular, contención y un acento muy trabajado. Su labor es de las más destacables de su carrera.

Como ya he comentado, muy acertado trabajo de Lumet, con muchas de sus constantes en la trama (corrupción, lealtad, redención, honor) un reparto destacable (mención también para secundarios competentes como los de Charles S. Dutton, Luis Guzmán o Paul Calderon), dirección ejemplar y guión interesante cuando no se pierde en las subtramas y personajes florero. Al conjunto hay que sumar un montaje deficiente pero que no molesta en demasía. A pesar de ser un film con sus más y sus menos no deja de mostrarse como una clase ejemplar de buen cine en la que otros directores o guionistas posteriores como Ben Affleck, Michael Mann, Jean François Richet o David Simon y Ed Burns se reflejaron a la hora de dar forma a muchas de sus obras.

Feliz 2012, mozos y mozas

2012-01-01T15:31:00.001+01:00

El Día de la Bestia, de cómo el nacimiento del Anticristo redefinió el concepto de cine español

2011-12-26T18:07:00.045+01:00

Título Original El Día de la Bestia (1995)

Director Álex de la Iglesia

Guión Jorge Guerricaechevarria y Álex de la Iglesia

Actores Álex Ángulo, Santiago Segura, Armando de Razza, Maria Grazzia Cucinotta, Terele Pávez, Saturnino García, Nathalie Seseña, Jimmy Barnatan, Jaime Blanch, Antonio Dechent, Antonio de la Torre

Para un servidor hay dos cintas clave dentro del cine español que son estandartes del celuloide de corte navideño y que deben ser vistas sí o sí durante esta festividad. Una de ellas es indudablemente esa obra maestra sobre el fariseismo y la falsa caridad llamada Plácido, estrenada en 1961 e ideada por esos dos maestros llamados Luis García Berlanga y Rafael Azcona, genios que por desgracia ya no están entre nosotros. La otra es la que nos ocupa, una obra que marcó un punto de inflexión (que no se supo explotar) dentro del cine patrio. Hablo como no podía ser menos de El Día de la Bestia del bilbaino Álex de la Iglesia.

A principios de los 90 un grupo de jóvenes directores procedentes de Euskadi formaron una pequeña pero notable revolución dentro de la manera de entender el panorama cinematográfico español, a ese grupo de autores se les conoció como los precursores de lo que se llamó el Nuevo Cine Vasco. Julio Medem con sus atípicas y oníricas Vacas y La Ardilla Roja, Daniel Calparsoro con la fallida pero potente Salto al Vacío, Enrique Urbizu con la conseguida pero sobrevalorada Todo Por la Pasta o Juanma Bajo Ulloa con las inmensas Alas de Mariposa y La Madre Muerta nos mostraron que en España había savia nueva con ganas de romper tabúes y barreras generacionales.

Dentro de ese grupo de autores vascos destacaba un joven descarado llamado Álex de la Iglesia que había llamado la atención son su primer y único cortometraje Mirindas Asesinas. Con la ayuda de Pedro Almodóvar y su productora El Deseo llevó a cabo su ópera prima, Acción Mutante. Esa producción de 1993 supuso una gamberrada de género políticamente incorrecta, una apología futurista y cañí de lo diferente y lo freak protagonizada por un grupo terrorista de deformes (encabezados por un Antonio Resines inmenso) que querían acabar con todo individuo bello y bienpensante.

Cuando De la Iglesia puso en marcha su segundo trabajo, de manera equívoca los hermanos Almodóvar se desvincularon del proyecto porque no les hacía gracia producir un film de temática satánica como el que les proponia el director. El famoso Andrés Vicente Gómez (hombre detrás de algunas de las producciones más exitosas de la historia del cine español y también de las más bochornosas) se hizo cargo de ayudar a Álex a sacar adelante este segundo film que no sólo supondría su confirmación como director talentoso y rompedor, también se revelaría como su mejor trabajo hasta la fecha y un puñetazo que golpearía considerablemente fuerte en la mesa del cine español.

Ángel Berriatúa es un sacerdote que lleva 25 años estudiando el Apocalipsis de San Juan en la universidad de Deusto para descifrar el mensaje que se encuentra oculto en dichas escrituras. Tras décadas de investigación ha llegado a la conclusión de que el nacimiento del Anticristo se producirá en la Nochebuena de 1995 en algún lugar de Madrid. Para acabar con el hijo de Satanás deberá sumergirse en el mundo del pecado "hacer todo el mal que pueda" según sus propias palabras, para atraer la atención del maligno y así convertirse en uno de sus acólitos. En su viaje recibirá ayuda de Jose María, un simpático heavy "satánico y de Carabanchel" y del Profesor Cavan, un presentador italiano con dotes de supuesto medium que triunfa en televisión con su programa esotérico La Zona Oscura.

El Día de la Bestia es directamente y sin paños calientes una de las películas más importantes del cine español contemporáneo incluso a nivel internacional y marcó época en muchos sentidos. Su tipo de producción y dirección eran por aquel entonces inusuales en nuestro país, teniendo pocos referentes en los que reflejarse a nivel técnico, si acaso en cierto sentido la ya mencionada Todo Por la Pasta de Enrique Urbizu (film en el que el mismo Álex De la Iglesia ejerció como director artístico) podría servir de único ejemplo claro y directo por su estética y realización.

La segunda película de Álex de la Iglesia reflejándose como producto en una manera de hacer películas con ritmo puramente americano tampoco dejaba de imbuirse por una larga tradición de celuloide ibérico al que homenajeaba de manera brutalmente sincera. Pero sobre todo supuso la película que confirmó una relación de amor entre el público y un nuevo tipo de largometrajes de aquí, muy nuestros, que respiraban humor, acción, diversión y que quitaban esas telarañas que tenían a nuestra producción nacional estancada y sin evolucionar un ápice.

La solución era sencilla pero nadie supo verla. Cuando el cine español pasó su etapa de la transición con obras de conciencia social auspiciadas por autores como Eloy de la Iglesia, José Luis Borau o Manuel Gutiérrez Aragón, y el filón del destape (con Andrés Pajares y Fernando Esteso como actores y Mariano Ozores como director a la cabeza) se agotó, el público necesitaba alarmantemente algo nuevo pero que siempre había estado ahí. Nada más y nada menos que cine de género, y eso es lo que El Día de la Bestia de Álex de la Iglesia ofreció al respetable, sobre todo a la rama más joven del mismo que cayó rendida a los pies del padre Berriatúa y sus dos secuaces.

El triunfo como obra de El Día de la Bestia radica en que a pesar de su envoltorio, escenas de acción, producción elaborada, ritmo trepidante pero siempre con sentido, no deja de ser una versión cafre, oscura y barriobajera del cine berlanguiano o tomando ya un referente literario, una reinterpretación contemporánea de Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes. Pero también y de manera coherente es un homenaje a cientos de producciones comerciales norteamericanas o europeas, conteniendo referencias (obviando las más directas y lógicas que serían a La Profecía y El Exorcista) que van desde el cine comercial ochentero como Los Cazafantasmas (las tomas que muestran la estructura de las Torres Kio recuerdan a la azotea del edificio donde hace su aparición Gosser el Gozeriano) hasta al cine elegante y rompedor de la Hammer Films británica (el ritual satánico con la cabra transmite ecos de The Devil Rides Out de Terence Fisher).

El gran mérito del director de La Comunidad era mirar hacia delante, queriendo ofrecer un cine español distinto, vivo, moderno, lleno de acción y humor, pero siempre retrocediendo la mirada hacia los clásicos que hoy día son patrimonio ineludible para entender la evolución de nuestro celuloide. Por eso no es de extrañar que todo ese hostal y los oscuros hechos que allí acontecen nos traigan a la cabeza en numerosas ocasiones a aquella joya urgentemente recuperable titulada El Extraño Viaje, inolvidable obra maldita dirigida por Fernando Fernán Gómez, o que el personaje de Rosario al que da vida una impagable Terele Pávez (inmensos diálogos los suyos) parezca una amalgama granguiñolesca de los roles que interepetara una actriz tan personal como Lola Gaos en Tristana de Luis Buñuel o Furtivos de Jose Luis Borau, obras cinematográficas de culto españolas.

Pero su principal misión como obra era ofrecer entretenimiento directo al espectador. El Día de la Bestia mostró otro tipo de cine español, más dirigido a la muchachada, con música heavy (la banda sonora fue un considerable éxito a nivel nacional y contenía temas de Def Con Dos, Extremoduro, Siniestro Total o de pesos pesados internacionales Pantera o Ministry) violencia, humor y una historia muy bien trabajada tanto en el guión como en los diálogos. El boca oreja durante la época de estreno fue bestial, viéndose un servidor rodeado de amigos y compañeros de clase que hablaban de los actores, la acción, las tetas de Maria Grazzia Cucinotta y destacando todos ellos por encima de cualquier apunte la grata experiencia que suponía ver el largometraje.

Los tres protagonistas, los tres "Reyes Magos" implicados en el film han pasado de ser personajes inolvidables a mostrarse como iconos ineludibles dentro del cine español contemporáneo. Apoteósico Álex Ángulo, con su inseparable chapela y su bondad voluntariamente corrompida por un mal que deber realizar para salvar a la humanidad, un Santiago Segura inmenso como heavy violento pero en el fondo tierno con frases inolvidables y un Armando Razza perfectamente adaptado a nuestro cine como Ennio Lombardi, el misterioso y farsante profesor Cavan que no puede creerse (en principio) las barbaridades llevadas a cabo por el padre Berriatúa y Josemari, sus primero captores y posteriormente aliados.

Pero más allá de los disparos, los golpes, el satanismo y el humor, había una historia bien hilada, escrita con pericia por el mismo De la Iglesia y su co guionista y amigo Jorge Guerricoechevarria. Porque en El Día de la Bestia también hay una dualidad muy interesante en la que se percibe una dicotomía entre si lo que vemos en pantalla son hechos supuestamente sobrenaturales en la realidad (¿la verdadera llegada del Anticristo a la tierra?) o pura y llana locura (la de sus protagonistas, que contagiados por la determinación del padre Berriatúa y el efecto de los opiaceos creen que lo que él ve es real, cuando el hombre posiblemente sólo esté loco), lucha psicológica que nos retrotrae al mundo cinematográfico de gente como Terry Gilliam.

También yace en su discurso una sátira durísima e inmisericorde contra la televisión basura (con respecto al tema de los los adivinos y tarotistas de medio pelo se mostró incluso premonitoria, ya que no hay más que echarle un vistazo a la TDT española actual para ver como están saturados de charlatanes la mayoría de los canales) y un retrato feroz sobre los grupos urbanos de extrema derecha, autores materiales de ataques xenófobos y clasistas, a los que con acierto no retrata con pintas de skinheads sino como gente de la calle bien vestidos y con imagen de los padres de familia que seguramente sean.

Cuando ya se ha visto esta película tantas veces como lo he hecho yo (si no voy por la veintena poco me faltará) sorprende seguir descubriendo pequeños detalles que nunca percibía la vez anterior que se revisionó. Como esa almohada Therapy Pillow en la cama del niño endemoniado (memorable Jimmy Barnatan) el momento tanto quijotesco como teológico (Cristo pidiéndole a su padre que aparte de él "ese cáliz" en los olivos) en el que el padre Berriatúa duda de su misión mientras el antes incrédulo Cavan le anima a seguir con su rocambolesca lucha, la cantidad de sitios en los que aparece a modo de premonición el cartel de la ficticia banda Satannica o los ramalazos buñuelianos del sacerdote negándole la extremaunción al moribundo al incio del film o la cucaracha que no se atreve a entrar en el pentáculo sagrado durante el ritual.

El Día de la Bestia es una obra importantísima (más de lo que mucha gente cree, incluso su génesis es más literaria que cinematográfica y vendría directamente del esperpento de Valle Inclán) dentro del cine español, ya que en su momento abrió una senda que por desgracia pocos supieron seguir (ni siquera el mismo Álex de la Iglesia, que aún habiendo entregado posteriormente buenas obras e incluso alguna bastante destacable nunca ha vuelto a destilar tanto talento como en la cinta que nos ocupa) en la que un nuevo cine español se vislumbraba. Era comercial, era moderno, era fiel a la tradición de la ficción filmada de este país, pero por desgracia como vino se fue y sólo dejó pequeños resquicios a modo de recordatorio.

Por suerte su sello como obra generacional quedó marcado a fuego en la mente de algunos talentos nuevos de este país y no es difícil ver en productos como Los Cronocrímenes de Nacho Vigalondo, Pagafantas y No Controles de Borja Cobeaga o Carne de Neón de Paco Cabezas ramalazos, ya sean en fondo o forma, que nos hacen recordar con una sonrisa en la boca que una vez un cura vasco, un heavy madrileño (y de Carabanchel) y un presentador de televisión italiano nos salvaron el culo a todos cuando impidieron el nacimiento del Anticristo en la capital española... o tal vez no.

Un Dios Salvaje, falsas apariencias

2011-12-26T14:31:00.021+01:00

Título Original Carnage (2011)

Director Roman Polanski

Guión Yasmina Reza y Roman Polanski basado en la obra de teatro de Yasmina Reza

Actores Christoph Waltz, Jodie Foster, Kate Winslet, John C. Reilly

Cuando aún no había pasado un año del estreno de El Escritor (The Ghost Writer), ese interesante proyecto pero no tan incisivo como se esperaba de un autor mayúsculo como Roman Polanski, llegó a las carteleras de todo el mundo su siguiente trabajo, esta Un Dios Salvaje (Carnage) que sin ser una obra capital en la filmografía del francopolaco sí supone la recuperación de un Polanski mucho más reconocible que el competente y acerado artesano que pudimos ver en la cinta protagonizada por Pierce Brosnan e Ewan McGregor.

Un Dios Salvaje está basada en la obra teatral Le Dieu du Carnage realizada por la escritora, guionista y dramaturga francesa Yasmina Reza y narra como dos matrimonios quedan para llegar a un acuerdo con respecto a una pelea que han llevado a cabo dos de sus hijos en un parque de la ciudad de New York. Aunque al principo de la reunión las buenas maneras y los modales mostrarán la cara más educada de los cuatro implicados, las rencillas y puyazos verbales harán que a lo largo de la discusión las dos parejas pierdan la compostura de manera desproporcionada.

Carnage es una muestra ejemplar de cine teatralizado (o teatro filmado) con el acierto y las tablas que se pueden esperar de un autor como Roman Polanski. Con la ayuda de la misma autora del libreto original el director de La Semilla del Diablo (Rosemary's Baby) consigue dar forma a un tour de force entre cuatro actores en estado de gracia que lo dan absolutamente todo en un espacio mínimo y reducido (practicamente todo el metraje tiene lugar en el salón de los Longstreet) mostrando una composición de personajes en la que los veremos calmados y contenidos al inicio y complemente deslenguados y maleducados en la recta final del ajustado metraje.

Un Dios Salvaje es tan cercana y palpable que no sabemos si reírnos o llorar durante su fruicioso visionado. Sin necesidad de ahondar en la profundidad de la mente humana (ya lo hizo con indudable éxito en joyas como Repulsión, El Quimérico Inquilino (The Tenant) o La Semilla del Diablo) sólo con raspar un poco en la superficie, Polanski consigue hacer un retrato lacerante y ligero (en apariencia) sobre nuestros instintos más primarios relacionados con la sociabilidad. Mostrándo en imágenes cuando esa autoimpuesta y falsaria máscara de amabilidad desparece para mostrarnos como animales instintivos que anteponemos la defensa ciega de nuestros cachorros (hijos en este caso) a la educación o el sentido común.

El humor es un sentimiento que nunca ha sido ajeno a la obra del director de la más reciente (y magnífica) versión de Oliver Twist. No siempre le ha funcionado a pleno rendimiento, poco en ¿Qué? y mucho en El Baile da los Vampiros (The Fearless Vampire Killers), Cul de Sac o la ya mencionada El Quimérico Inquilino, pero lo entiende y lo cataliza de manera notable, sobre todo cuando él hace de actor. Tampoco rodar en espacios muy reducidos se escapa a sus dotes como narrador, sirvan como ejemplo de nuevo Cul de Sac, La Semilla del Diablo o la recuperable La Muerte y la Doncella.

Un Dios Salvaje es la unión del Polanski inspirado con la comicidad y el maestro a la hora de maniobrar en espacios ínfimos. El humor de Un Díos Salvaje es acertadísimo, los diálogos son mordaces, las ocurrencias muy agudas y hasta los detalles más nimios como los silencios de los otros tres personajes cuando el de Christoph Waltz habla por teléfono móvil (Walter se convierte de manera sutil en otro personaje del largometraje, incorporeo, pero ubicuo), el lenguaje gestual de los cuatro intérpretes, sobre todo el de las mujeres, Jodie Foster saltando para quitarle la botella de coñac a John C. Reilly o pegándole en la espalda de manera entrañablemente patética, consiguen arrancar la sonrisa o la carcajada al respetable, porque todo suena a sinfonía sencilla pero muy bien ejecutada.

Por otro lado tenemos a un veterano profesional (50 años haciendo cine se dice pronto) que sabe aprovechar al máximo los recovecos de un decorado ajustado que puede encorsetar alarmantemente a un equipo de rodaje. Haciendo un uso magnífico de la situación de la cámara, los objetivos, la planificación de tomas, el montaje, la colocación estratégica de los espejos, el director de La Novena Puerta consigue (sin que se note demasiado, como sólo los grandes saben hacerlo) hasta transmitir la sensación de utilizar de manera sabia la profundidad de campo en un sencillo, exiguo y pequeño salón.

Pero es indudable que una película como Carnage la hacen los actores y el cuarteto protagonista está sensacional. Jodie Foster pasa de mujer sencilla y afable amante del arte (genial lo del vómito en los libros descatalogados y el posterior intento de secado de los mismos) y comprometida con el Tercer Mundo a una histérica que finalmente parece reprochar más cosas a su marido a que al matrimonio invitado, que se presupone el enemigo. John C Reilly es el más calzonazos y dispuesto a no discutir hasta que encuentra complicidad en el personaje de Waltz, de la misma manera que también lo harán más tarde las damas. Las guerra de sexos no se hará esperar demasiado.

Por otro lado el magnífico protagonista de Malditos Bastardos (la vida y casi su Oscar le debe este señor a Quentin Tarantino) es sin lugar a dudas el mejor de la velada. Sus continuas interrupciones con el móvil, sus comentarios envenenados (hasta hacia su propio hijo, al que tilda de maniaco), su conversación telefónica con la madre de Michael, su asedio verbal a Penélope o su total pasotismo son lo más destacado del film. Aunque tampoco nos olvidemos de Kate Winslet que está inolvidable como la sufrida esposa de Alan, además el suyo es el papel que más evoluciona en el sentido cómico, porque cuando ya empieza a emborracharse bordea lo demencialmente inspirado.

Un Dios Salvaje no es uno de los mejores films de Polanski, pero sí es la confirmación de que está en plena forma. Un proyecto impoluto con un control bestial del timing (la historia transcurre en tiempo real, si exceptuamos el prólogo y el epílogo) los espacios, los actores y la puesta en escena. Una bofetada en pleno rostro de las clases medias y su doble rasero ético y moral. Esclarecedor es, en el plano final, lo que vemos en ese parque, que también sirvió para abrir el film. Dicho último pasaje nos enseña lo absurdo de toda la situación de la reyerta llevada a cabo por unos adultos, que finalmente se muestran más infantiles que los mismos niños que se vieron implicados en la inefable pelea que lo inició todo.

Perros de Paja (2011), infierno de cobardes

2011-12-25T01:11:00.022+01:00

Título Original Straw Dogs (2011)

Director Rod Lurie

Guión Rod Lurie basado en la novela de Gordon Williams

Actores James Marsden, Kate Boswuorth, Alexander Skasgard, Dominic Purcell, James Woods, Rhys Coiro, Billy Lush, Laz Alonso, Willa Holland, Walton Goggins, Anson Mount, Drew Powell, Kristen Shaw, Megan Adelle, Randall Newsome, Tim J. Smith, Richard Folmer

La década de los 70 supuso un decenio importante dentro de la historia del cine. Gracias a la eliminación del código Hays (código de producción cinematográfica que prohibía la muestra explícita en pantalla de violencia, desnudos o actos de dudosa moral en "beneficio" de la sensibilidad del espectador) la madurez del cine hollywoodiense no se hizo esperar. Dos películas fueron clave a la hora de mostrar en pantalla por primera vez violencia física o psicológica de manera gráfica y directa, sin elipsis narrativas o uso del fuera de campo. Una de ellas fue La Naranja Mecánica de Stanley Kubrick, la otra Perros de Paja de Sam Peckinpah.

Perros de Paja adaptaba la novela The Siege of Trencher's Farm del escritor escocés Gordon M. Williams y narra como un matrimonio formado por David, un apocado matemático norteamericano (Dustin Hoffman) y su esposa Amy (Susan George) compran una casa a las afueras de la campiña británica donde ella había pasado su infancia y adolescencia. Poco a poco los vecinos del lugar comenzarán a maltrata psicológicamente a David llegando a mostrarse incluso como individuos peligrosos. Pero toda persona tiene un límite y David, por muy permisivo y tranquilo que parezca, no es la excepción, sobre todo cuando entra en escena la integridad física y psicológica de su esposa.

Straw Dogs es una joya del séptimo arte y uno de los mejores trabajos de Sam Peckinpah. Esta producción de 1971 causó un considerable revuelo por la explicitud con la que el director de Grupo Salvaje (Wild Bunch) mostraba la violencia física en pantalla. Algo que confirmaba como los cortos de miras no supieron ver el verdadero triunfo y hallazgo del film, que era precisamente otro tipo de violencia, la psicológica. Ese tipo de hostilidad que era la que los parroquianos de la localidad aplicaban en David hasta que su paciencia se vio colmada y sacó al exterior la bestia que llevaba dentro.

El largometraje, abordado con contenida fiereza por un Sam Peckinpah intachable tanto en la dirección como en la escritura (en este apartado con la ayuda del guionista David Zelad Goodman), era una análisis cruento, nihilista y brutal de los oscuros recovecos más retorcidos de la psicología humana y de cómo la violencia se muestra como un instinto intrínseco e innato en todo ser humano que se precie de serlo ya que por muy adormecido que se encuentre tarde o temprano mostrará sus fauces si la persona que la recibe y más tarde devuelve se encuentra en una situación extrema.

Todo estaba llevado con aplomo y rotundidad en el proyecto. Desde el cambio gradual de un Dustin Hoffman al que no se puede hacer justicia con las palabras, hasta una Susan George sensual y ambigua (cargando en sus hombros el matiz misógino del film, que digan lo que digan y por muy reprovable que fuera enriquecía la trama y los personajes) pasando por escenas que se quedaban grabadas en la retina del espectador como la de la violación más inteligentemente planteada y rodada de la historia del cine, la de la pelea con la estridente música del tocadiscos o la de la trampa para osos. Todo envuelto en un in crescendo narrativo para estudiar en las escuelas de cine, especialmente el asedio final a la casa. En resumidas cuentas, una obra maestra con todas las letras.

En este blog he dejado constancia de que no soy un enemigo acérrimo de los remakes. Es más, he apoyado varios de ellos incluso antes de ser estrenados porque por algún motivo me tansmitían buenas vibraciones. Cuando hace poco me enteré que se llevaría a cabo una revisitación contemporánea de Perros de Paja ciertamente no me alegré un pelo (hablamos de una película que adoro), pero al poco tiempo pensé en darle una oportunidad al producto y decidí fiarme del guionista y director Rod Lurie, que en su momento me sorprendió con la interesante aunque algo tendenciosa Candidata al Poder (The Contender), ya que él se haría cargo de este proyecto.

Una vez visto el largometraje mi decepción no puede ser más notable y no porque la cinta sea mala (ciertamente no lo es, aunque tampoco destacable en manera alguna) sino porque una vez visto el resultado aún me pregunto el por qué de su existencia más allá de la intención de sus creadores de sacar tajada monetaria en la taquilla. Porque seamos sinceros, no hay nada, absolutamente nada nuevo en Perros de paja (2011) todo ya lo vimos en la versión de 1971 mucho mejor realizado a todos los niveles, ya sea técnico o artístico.

La Straw Dogs de 2011 es un mal calco casi pasaje por pasaje de la versión de Peckinpah. Los cambios en el argumento son mínomos. De una campiña inglesa pasamos a un pueblo sureño de la nortamérica más retrógrada, las reuniones en la iglesia pasan a tener lugar en los campos de fútbol, la niebla británica deja lugar al calor del sur de Estados Unidos y los pueblerinos ingleses de malas maneras dejan lugar a los rednecks yankis cerrados de mente y con un pensamiento ultraconservador. Esos son todos los cambios con respecto al film de 1971, el resto es una copia descarada y cobarde de todo lo que allí era oro y que aquí luce como hojalata.

La ley del mínimo esfuerzo y el corto afán por ser original invaden el metraje de la cinta que nos ocupa. Si un remake no tiene nada que añadir, si no va a dar un punto de vista, no ya superior, sino distinto, al de la versión anterior su simple existencia es tan innecesaria como insultante. Y no hablamos precisamente de una versión plano por plano del film original (experimento que llevó a cabo un Gus Van Sant que sabía perfectamente lo que hacía y las reacciones que iba a suscitar con su visión de Psicosis de Alfred Hitchcock, pero esa es otra historia) pero sí de una desdibujada copia del largometraje de Sam Peckinpah.

Hay realmente momentos de vergüenza ajena cuando el espectador ve no ya pasajes o escenas, sino dálogos robados vilmente del film original reduciendo el trabajo de Lurie a un burdo y vil copia y pega carente de inventiva u originalidad. Pero lo más grave no es eso, lo peor es que aún siendo casi una fotocopia de la versión Peckinpah la cinta se muestra mojigata, políticamente correcta, cobarde y autocomplaciente en muchos momentos, sobre todo en aquellos en los que la obra primigenia marcaba distancias, mostrando un tono ambiguo o lacerante.

Aquí no hay desnudos por parte de la protagonista (una Kate Bosworth más soportable de lo normal e incluso sexy, pero a años luz de la magnética y carnal presencia de Susan George) también se diluye en cierta manera su carácter infantil con el que molestaba a su marido, actitud que era la que marcaba el tono misógino del film y que sigue aquí, pero de manera más solapada y autocensurada. La ambigüedad de la escena de la violación se pierde casi por completo, las leves pero notorias reacciones malhumoradas de David desparecen y por supuesto su cambio gradual de hombre cobarde a bestia parda está mucho peor plantado y sobre todo desarrollado.

Para compensar (o eso creen ellos) tal desequilibrio los responsables del film acrecientan la crudeza de las escenas de violencia física (que no la psicológica, que está bastante peor llevada y de manera nada sutil) sin mérito alguno, ya que en los tiempos que corren hasta la Disney produce films como los de la saga Saw y por otro lado hacen un retrato simplista de los ciudadanos más reaccionarios e intolerantes de la América profunda intentando dar con esta idea un aire de cine comprometido o crítico que no funciona y nada aporta por la poca inteligencia con la que está ejecutada.

A Rod Lurie ciertamente casi nada se le puede reprochar, al menos en la dirección. El director de La Última Fortaleza (The Last Castle) encuadara con instinto, sabe donde poner la cámara y cómo ofrecer un trabajo competente pero despersonaliazado, en resumidas cuentas, poco le podemos echar en cara hasta que decide copiar planos e ideas del film de Peckinpah como la colocación estratégica del espejo en la habitación del matrimonio, las escenas que implican las carreras del coche de David o los pasajes de la cacería o el asedio final, siempre parecidas a las que planteó el director de La Cruz de Hierro pero sin su fuerza y planificación.

El reparto muy irregular y nada destacable. James Marsden (pobre hombre, la que le ha caído encima con este papel y las comparaciones que se harán con él) no lo hace mal, pero está a años luz de la portentosa interpretación de un Dustin Hoffman al que le notabamos el cambio de carácter en el rostro o el lenguaje corporal, dándonos pena al principio y helándonos la sangre después con esa sempiterna sonrisa de maniaco. De Kate Boswuorth ya he hablado, cumple y poco más. El mejor de la velada un Alexander Skasgard de físico intimidante y presencia rotunda en la pantalla. Los peores un James Woods que por desgracia vuelve a hacer uno de esos papeles excesivos que ya parecía haber abandonado y Dominic Purcell (Prison Break) dando vida al menos creíble y peor interpretado deficiente mental de la historia del cine.

Perros de Paja (2011) es un film poco o nada recomendable. Aquellos que disfrutaran la portentosa pieza de orfebrería de Sam Peckinpah dudo que salgan contentos con él y aquellos que no hayan podido degustar aún esa producción de 1971 y se enfrenten con esta revisión se encontrarán (puede que sin saberlo) con un producto a medio gas, desvergonzado y simple, una versión para torpes de la Straw Dogs original, aquella que sí supo remover conciencias desde su estética hasta su oscuro interior y que mostraba lo peor que cada uno de nosotros llevamos inevitablemente dentro.

Hay ciertos films que fueron gestados en un momento y lugar adecuados por las personas indicadas. Este innecesario y desangelado remake es la demostración de que el oportunismo y la desvergüenza muchas veces entroncan con el arte y la creación y que extrapolar historias de una época determinada a otra no tiene sentido alguno o lógica cuando los contextos son brutalmente antagónicos. Ya que lo que en 1971 resultaba un retrato duro e inmisericorde de la psique humana en 2011 se muestra como otra cinta de venganza del montón que nada aporta o enriquece al espectador que se enfrenta a ella.

The Ides of March, beware them

2011-12-23T02:28:00.022+01:00

Título Original The Ides of March (2011)

Director George Clooney

Guión Grant Heslov, George Clooney y Beau Willimon basado en la obra de teatro de este último

Actores Ryan Gosling, George Clooney, Paul Giamatti, Philip Seymour Hoffman, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Max Minghella, Jeffrey Wright

En 2002 el carismático, atractivo y competente actor norteamericano George Clooney sorprendió a propios y extraños con su memorable debut en la dirección cinematográfia, Confesiones de Una Mente Peligrosa. El film, que se basaba en la autobiografía (no autorizada según el autor, con toda la ironía que ello conlleva) del presentador y supuesto agente encubierto de la CIA Chuck Barris, era una rareza rodada con una solidez inusual, escrita con inteligencia (la del genial Charlie Kauffman) y protagonizada por un memorable Sam Rockwell con las espaldas bien cubiertas por secundarios de relumbrón como Julia Roberts, Drew Barrymore o el mismo Clooney.

La consagración le llegó en 2005 con una pequeña joya titulada Buenas Noches y Buena Suerte, escrita con su amigo y colaborador Grant Heslov (director de esa comedia divertidísima que es Los Hombes que Miraban Fïjamente a las Cabras). El film tenía como telón de fondo el impacto que produjo la caza de brujas del senador McCarthy en la televisión americana, concretamente en la cadena CBS y en el programa comandado por el periodista Edward R. Murrow (inmenso David Strathairn) y fue un éxito de taquilla excelentemente recibidio por la crítica, acumuló decenas de nominaciones o premios y confirmó a Clooney como un director talentoso e inteligente al que convenía seguir muy de cerca.

Tres años después el intérprete se puso otra vez detrás de las cámaras con la comedia Ella es el Juego (Leatherheads) que según comentan (yo no la he visto aún, ya que la presencia de Renee Zellweger hace que me piense mucho ver una producción en la que ella participe como actriz) quería resucitar la screwball comedy americana de los años 40 con éxito dispar. En el reparto el mismo Clooney como protagonista y ese actor que vendría a ser un émulo contemporáneo (pero no tan talentoso o icónico) de James Stewart como es John Krasinski. Algún día que me encuentre con la guardia baja la veré y comentaré como es debido.

Los Idus de Marzo es la cuarta película de Clooney como director, está basada en la obra de teatro Farragut North de Beau Willimon (también co guionista del film junto al mismo director y Grant Heslov) y confirma sus magníficas dotes, no sólo para la interpretación, sino también para la dirección, escritura y como no, financianción de sus propios proyectos como cineasta. Un producto que mirando al presente es capaz de sustentar sus bases en cine pretérito, sobre todo el de corte político ideado en los años 70 en Estados Unidos. A partir de aquí algunos spoilers de la trama.

Stephen Meyers (Ryan Gosling) es el joven y prometedor director de comunicación de la campaña electoral del gobernador demócrata Michael Morris (George Clooney) que se presenta a las primarias en representación de su partido. Poco a poco Steve se dará cuenta de la rivalidad desmedida, los chantajes y malas artes que se esconden detrás del mundo de la política americana, de cómo compañeros del mismo partido se pisotean los unos a los otros o peor aún, llegando él mismo a dudar de la integridad del candidato para el que está trabajando y al que le está ofreciendo su lealtad y talento, cuando entre en escena Molly (Evan Rachel Wood) una chica ayudante en las elecciones.

Drama político con toque de thriller resuelto con pericia en la dirección, interpretado con oficio (con ese reparto el trabajo estaba hecho antes de poner en marcha la producción) y escrito con aplomo. George Clooney confirma sus aptitudes como cineasta y guionista con personalidad, su caso es bastante parecido al del actor Ben Affleck, aunque este último esté mostrando su interesante impronta como director dentro del género policíaco. Por lo tanto The Ides of March es un proyecto competente, instructivo y bastante desesperanzador en su mensaje.

Es de alabar que un militante demócrata como George Clooney, que incluso, si mal no recuerdo, hizo campaña para candidatos a la presidencia como John Kerry o Barack Obama, decida llevar a imágenes una obra de teatro que no deja precisamente en buen lugar a ese partido (el suyo) que ha tenido en la Casa Blanca a mandatarios como John F. Kennedy Lyndon B, Johnson o Bill Clinton. Aunque cierto es que dicha elección por parte del protagonista de Batman & Robin tiene un sentido completamente lógico y desarmante.

La intención de Clooney y sus guionistas es clara. Poner en la palestra al candidato progresista perfecto para la presidencia de la democracia (supestamente) más grande del mundo libre, retratándolo (retratándose, recordemos que el mismo actor interpreta el papel de Mike Morris) como un hombre comprometido, que sin ser practicante de ninguna religión en concreto defendería a todo ciudadano que quisiera ejercer la suya, mostrándose flexible con temas como la pena de muerte o los ataques preventivos contra países extranjeros y ambicioso en lo que a política exterior se refiere, para finalmente mostrarnos ese lado oscuro (que lo humaniza de manera rotunda) que en realidad oculta y que no nos es ajeno a niguno de nosotros como individuos.

Stephen Meyers (Ryan Gosling, poco qué decir ya de uno de los actores más talentosos de su generación) es un joven idealista que ama el mundo de la política y que finalmente se deja seducir por los cantos de sirena de un panorama que realmente no conoce, donde el juego sucio, la hipocresía, el doble rasero e incluso la amoralidad están a la orden del día. Él depositó todas sus esperanzas en Mike Morris (Clooney, muy bien delante de la cámara, mejor detrás de ella) y su jefe y maestro Paul Zara (Philip Seymour Hoffman, otro del que ya no hay mucho que decir) para finalmente ser traicionado por ambos, llegando a tomar conciencia de una realidad mucho más despótica de lo que él hubiera imaginado.

Viendo The Ides of March también me vino a la mente durante muchos de sus pasajes, sobre todo en los que se apela más a la tensión (como el de esa enorme bandera americana separando a un político lanzando promesas y a sus colaboradores hablando de conspiraciones entre bambalinas, el de la llamada de "Molly" al gobernador en pleno discurso con la consiguiente inolvidable cara de Clooney o la conversación furtiva en la cocina), el mejor Alan J. Pakula, o lo que es o mismo, el que firmara films tan interesantes dentro del thriller político como Todos los Hombres del Presidente o El Último Testigo (The Parallax View), pero aderezado el conjunto con algunos leves apuntes del Oliver Stone de la magnífica JFK: Caso Abierto o la reivindicable Nixon (esas reuniones clandestinas en parques aislados y alejados del mundanal ruido)

Cine militante, comprometido, arriesgado y acabado con profesionalidad. Podría haber dado más de sí, pero su simple naturaleza ya es tan meritoria como reconfortante. Clooney lanza sus aguijones contra el radicalismo bipartidista de su país, deja en evidencia tanto a demócratas como a republicanos (una pena que Paul Giamatti no comparta más escenas con Seymour Hoffman, porque cada vez que cruzan palabras saltan chispas), no retratando tampoco de manera muy halagüeña a los periodistas (Marisa Tomei hace lo que puede, que no es poco) y depositando el balón (político, ético y moral) en el tejado del mismo espectador cuando ese magnífico Ryan Gosling rompe en el último primer plano del film la cuarta pared con una mirada entre inquisitiva y apesadumbrada que nos hace pensar muchas cosas. Que el cine actual de pie a tan sencillo pero valioso acto no tiene precio.

Misión Imposible IV: Protocolo Fantasma

2011-12-22T21:53:00.017+01:00

Título Original Mission Impossible: Ghost Protocol (2011)

Director Brad Bird

Guión Christopher McQuirre, Josh Applebaum, Andre Nemec basado en los personajes de Bruce Geller

Actores Tom Cruise, Paul Patton, Simpon Pegg, Jeremy renner, Tom Wilkinson, Michael Nyqvist, Josh Holloway, Léa Seydoux, Vladimir Mashkov, Anil Kapoor, Michelle Monaghan, Ving Rhames

Cuarta y por ahora última entrega de la célebre saga cinematográfica auspiciada por el actor norteamericano Tom Cruise que sirvió para resucitar en pantalla grande el famoso serial catódico homónimo creado por el guionista Bruce Geller y que hizo furor en las televisiones de medio mundo de 1966 a 1973. Misión Imposible IV: Protocolo Fantasma no desentona ni varia apenas con respecto a las otras tres entregas, cuya primera parte se estrenó de manera bestialmente exitosa hace ya la friolera de 15 años.

Misión Imposible reventó las taquillas a nivel mundial en 1996. El film dirigido por un Brian de Palma que dijo haber acabado hasta la coronilla de las exigencias de Tom Cruise (también productor de la cinta junto a su socia Paula Wagner) y escrito por Robert Towne (Chinatown, La Tapadera), David Koepp (Carlito's Way, Parque Jurásico) y Steve Zaillian (La Lista de Schlinder, American Gangster) era un ejemplar y aparatoso thriller de espionaje muy bien rodado (la puesta en escena puramente depalmiana rara vez falla) con un extensísimo reparto internacional y mucha adrenalina. Un mix del que nacía un largometraje de puro entretenimiento palomitero y evasivo.

En el año 2000 llegó la secuela. El director de Scarface cedía (gustosamente) la batuta de la dirección a John Woo, experto en cine de acción hongkones y autor de films de culto como The Killer o la saga A Better Tomorrow en su China natal y que en su más bien fallida etapa americana ha dado una de cal y otra de arena con Cara a Cara, Broken Arrow o Blanco Humano. El resultado (de nuevo con Robert Towne a la escritura, pero esta vez bastante menos inspirado y en solitario) fue un inverosímil pastiche de acción desenfrenada, fiestas folkloricas españolas entremezcladas y mal digeridas, todo aderezado con constantes estilísticas del director metidas con calzador, como contínuas cámaras lentas o esas palomas que por muy adheridas que estén a su estética ni cristo sabía que hacían dentro de un bunker subterraneo.

2005, Cruise contrata al sobrevalorado nuevo Rey Midas de Hollywood, J.J Abrams para que debute en el mundo del largometraje con la tercera entrega de la saga. Misión Imposible III superaba ampliamente a la segunda parte, tenía un arranque ejemplar, escenas de acción muy bien realizadas, buenos secundarios y una conclusión poco menos que pueril. Se recuperaba en cierta parte el tono de la primera parte y Abrams demostraba por primera vez en su vida que también sabe hacer (y bien, como luego confirmó en Super 8, aunque no en la fallida Star Trek) otras cosas que no sean aprovecharse del buen trabajo que le ponen en bandeja sus asalariados directores, actores y guionistas.

Llegados al actual 2011 ve la luz la tercera secuela o cuarta entrega, Misión Imposible IV: Protocolo Fantasma. Tom Cruise se desvincula de Paula Wagner y encabeza en solitario las labores principales de producción del film (con la ayuda de J.J que no ha querido desvincularse completamente de la franquicia). Para sorpresa de muchos el protagonista de Nacido el 4 de Julio decide contratar los servicios del director Brad Bird, talentoso genio mundialmente conocido por obras maestras de la animación como El Gigante de Hierro o Los Increíbles o productos memorables como Ratatouille o la mítica serie de televisión Family Dog. Bird debuta en el cine de imagen real con el film que nos ocupa y su sello ciertamente queda diluido casi del todo en favor de la aparatosa producción del largometraje.

Mission Impossible: Ghost Protocol no es nada más y menos que lo que se espera de ella. Una entretenida cinta de acción protagonizada por espías. Sobreproducida, llena de acción sin tregua, omnipresencia de parafernalia high tec, humor que unas veces funciona y otras no (Simon Pegg siempre es efectivo, pero cuando no se encuentra en una producción británica está como de visita y no se le saca todo el partido a su bis cómica) y todo al servicio de un Tom Cruise/Ethan Hunt que debe mostrarse como la perfecta muestra quintaesencial del espionaje internacional.

Esta cuarta parte no sólo vuelve a las raíces de lo que fue la cinta principal como ya hizo el largometraje dirigido por Abrams, en un intento por ir más allá (y que ya queda patente tanto en el prólogo como en los títulos de crédito) podemos percibir que Bird y sus guionistas (entre ellos Christopher McQuire guionista de las magníficas Sospechosos Habituales y Apt Pupil) deciden recuperar algo del tono que tuviera la serie de televisión original que sirvió de inspiración a la saga cinematográfica cuya última entrega estamos desgranando en esta entrada.

Me gustaría pensar que ese detalle ha salido de la mente de Bird, director que como hemos podido ver en el grueso de su filmografía ama la estética retro y localizar sus relatos en décadas pretéritas, pero como ya he comentado poco se ve de su impronta en un producto como este que por su naturaleza tan preestablecida deja poco espacio de maniobra a los directores que las realizan, que no son más que artesanos al servicio de la causa, viendo su voz y voto como autores reducida al mínimo exponente.

Más que en ninguna de las otras entregas, en esta cuarta destaca glorificar de manera desmesurada las impecables y casi sobrehumanas dotes físicas e intelectuales de un Ethan Hunt al que Tom Cruise le ha cogido el punto a pesar de que los años se le notan tanto en el rostro como en el cuerpo y eso que el cienciólgo se mantiene en forma. El bueno de Ethan habla idiomas, lee a metros de distancia y en estado seminconsciente los labios de dos agentes rusos, puede salir airoso de un motín carcelario tumbando a golpes tanto a reos como a policías o saltar de una planta dentro de la torre más alta de Dubai. Pasaje que no vamos a negar que tiene su mérito, por la planificación técnica y la buena labor de Cruise que recurre lo mínimo a los dobles de escenas de riesgo.

La cinta como es lógico (ya que es marca de la casa) se hace fuerte en las incontables escenas de acción que Bird resulve con acierto, oficio y algún momento destacable (el accidente de coche, las dos escenas paralelas de los intercambios de códigos y diamantes en el hotel, todo el pasaje del Kremlin) incluso añadiendo momentos de limitación física por parte del protagonista en los pasajes más inverosímiles, en los que Hunt se tiene que mostrar como un superhombre al que ninguna prueba se le resiste. Dándole así al conjunto de sus hazañas (que por otro lado se ancla inevitablemente dentro de la más descarada inverosimilitud) algo más de realismo para que la inteligencia del espectador no se sienta burdamente insultada, como sí pasaba en la entrega de John Woo.

Misión Imposible IV: Protocolo Fantasma ofrece acción, ritmo endiablado, un guión lleno de agujeros y contradicciones que ni se notan porque al espectador no le da tiempo a pensar en ello con tanto ruido y furia, un grupo de secundarios correcto con gente como Jeremmy Renner, Simon Pegg, el escote de Paula Patton, Tom Wilkinson, cameos de personajes de las anteriores entregas o de actores de célebres series ya finiquitadas, una dirección ajustada de un señor que cumple sobradamente pero que se mueve mejor con la animación tradicional o el pixel y un protagonista carismático que sabe lo que tiene que hacer delante y detrás de la cámara. En resumidas cuentas, bastante buena, mejor que la segunda, ligeramente inferior que la tercera y más floja que la primera, que me sigue pareciendo la mejor y más memorable de toda la saga.

La Conspiración, el desmoronamiento de una nación

2011-12-22T14:10:00.023+01:00

Título Original The Conspirator (2011)

Director Robert Redford

Guión Gregory Bernstein, James D. Solomon

Actores James McAvoy, Robin Wright, Kevin Kline, Evan Rachel Wood, Danny Huston, Justin Long, Tom Wilkinson, Alexis Bledel, Johnny Simmons, Norman Reedus, Jonathan Groff, James Badge Dale, Toby Kebbel, Stephen Root, Colm Meaney

Octava película como director del famoso intérprete norteamericano Robert Redford tras la interesante y meritoria, pero en cierta manera discursiva, Leones Por Corderos. Ejerciendo esta vez de nuevo como productor el protagonista de El Golpe lleva a imágenes los hechos posteriores a uno de los momentos clave, historicamente hablando, de los Estados Unidos de América como nación. El magnicidio del decimosexto presidente del país norteamericano, Abraham Lincoln, a manos del actor John Wilkes Booth, ayudado este último por un grupo de conspiradores.

En 1865 tras el asesinato del presidente Abraham Lincoln ocho personas implicadas en el magnicidio fueron detenidas, entre ellas Mary Surrat, madre de uno de los autores materiales de la conspiración. Frederick Aiken, un joven abogado que luchó como soldado en el bando unionista será el defensor de la mujer, debatiéndose por ello entre su ideología, la fidelidad a su país y su integridad como defensor de la presunta inocencia de una madre viuda por la que no siente empatía alguna porque posiblemente ayudó a llevar a cabo un acto con el que está completamente en contra.

Interesante drama histórico en clave de cinta judicial inspirada en eventos reales en el que Robert Redford mezcla el clasicismo del Clint Eastwood director con el cine academicista de las grandes producciones hollywoodienses de los años 80 (curiosamente década en la que nació y triunfó el Robert Redford director, que tuvo su logro más reconocido en 1980 con Gente Corriente, su premiada ópera prima) para parir un interesante producto bien acabado en todos sus apartados que sirve una vez más para poner en la palestra el ideario moderadamente progresista del protagonista de Brubaker.

A pesar de mostrar con bastante oficio (pero sin la tensión de un Alfed Hitchcock o un Brian de Palma, como es lógico) el célebre asesinato del admirado presidente al inicio del film, Redford prefiere centrarse en el posterior juicio de los ocho sospechosos y sobre todo en sus personajes, a los que perfila con bastante acierto aunque sin mostrar nada novedoso, original o muy destacable con el retrato que realiza de ellos, que de alguna manera los muestra como roles arquetípicos sin demasiada profundidad.

No soy muy amigo del cine judicial, normalmente siempre me parecen films que apelan demasiado a la demagogia, la sensibleria y cuyo mensaje se me antoja sesgado, partidista y adoctrinador (aunque cintas como 12 Hombres Sin Piedad o Philadelphia son obras muy importantes para mí). Por suerte Redford y sus dos guionistas saben jugar bien sus cartas y aún viendo el espectador en pantalla ideas (jurados coaccionados, testigos amenazados, jueces inquisitivos) bastante manoseadas, las mismas son abordadas desde la inteligencia y un tono de claroscuro que no se inclina hacia ningún lado, ya que están expuestas con una acertada equidistancia en el celuliode.

Los dos personajes principales son los más interesantes. Frederick Aiken (James McAvoy, ofreciendo un muy buen trabajo) es un abogado principiante que se enfrenta a su primer gran caso, con el handycap de que este también arrastra un grueso matiz de polémica internacional. Debido a esta situación tendrá que enfrentarse al dilema de contradecir sus convicciones (defender a la madre de un confederado acusado de magnicidio habiendo luchado él en el bando unionista durante la guerra civil estadounidense) en beneficio de su inquebrantable ética como abogado que le implica defender a sus clientes.

Por otro lado tenemos a Mary Surrat (un entregada e inspirada Robin Wright de cara lavada en el posiblemente mejor papel de su carrera) madre abnegada, religiosa y sí, simpatizante unionista, pero que defiende no sólo su inocencia sino también de la de su hijo huido. Aún sabiendo que si declarara en contra de su primogénitco se libraría de la horca la mujer se niega en redondo a traicionarlo. Su encierro y posible posterior ejecución la llora también Anna, su hija menor (acertada Evan Rachel Wood, a la que el vestido de época le sienta de maravilla) que acabará testificando en el juicio para ayudar a su progenitora.

La correcta puesta en escena, la magnífica ambientación de época, el sólido guión, la acertada dirección, el reparto de secundarios (muy buenos Tom Wilkinson, Danny Huston, Colm Meaney o Kevin Kline, decentes Alexis Bledel, Justin Long o James Badge Dale) los protagonistas y la interesante relación de complicidad que nace entre los dos a pesar de los muchos obstáculos (físicos, políticos, ideológicos) que los separan, todo, le sirve a Rober Redford para hablar a las claras de cómo en tiempos convulsos los derechos de los ciudadanos de una sociedad de bienestar pueden verse brutalmente vulnerados incluso desde las altas esferas por motivos tan simples como la venganza o la búsqueda de un chivo expiatorio para acallar las voces discordantes de los políticos o el pueblo.

Robert Redford vuelve a acertar detrás de las cámaras con The Conspirator ofreciendo cine lúcido, entretenido y hasta cierto punto comprometido, con un mensaje tan de actualidad en 1865 como en pleno siglo XXI, en el que se apela por la presunción de inocencia, los derechos humanos y la ética política. Un producto que en cierta manera me recuerda a la menospreciada y bastante recuperable (para ser revalorizada) Amistad de Steven Spielberg, pero que acierta incluso en mayor medida que aquella a la hora de ofrecer al espectador algo más que una cinta de época o un drama judicial al uso, entregando finalmente una interesante lección de historia, que no es poco en los tiempos que corren.

Asesinato en el Orient Express, el principio de la navaja de Ockham y doce pasajeros sin piedad

2011-12-20T20:59:00.018+01:00

Título Original Murder on the Orient Express (1974)

Director Sidney Lumet

Guión Paul Dehn basado en la novela de Agatha Christie

Actores Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Sean Connery, Albert Finney, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave, Jacquelline Bisset, Michael York, Richard Widmark, Martin Balsam, Jean-Pierre Cassel, John Gielgud, Wendy Hiller, Rachel Roberts

Magnífica adaptación a imágenes de la posiblemente más famosa novela de la prolífica escritora británica de género criminal Agatha Christie. Producida en 1974, dirigida por un Sideny Lumet en pleno apogeo de su carrera profesional y protagonizada con un reparto de intérpretes de los que hacen época en el que se veían las caras nuevos rostros de la época, viejas glorias en decadencia y actores consagrados de todo tipo de nacionalidades.

Durante uno de los largos trayectos del mítico tren Orient Express en el que se codean un gran número de ilustres pasajeros (desde gente de la nobleza hasta militares, pasando por criados), entre los que se encuentra el famoso detective Hércules Poirot, acontece un misterioso asesinato en el que todos los allí presentes parecen potenciales sospechosos. El investigador de origen belga intentará desentrañar el misterio que se esconde tras el crimen y descubrirá que el mismo tiene sus raíces en un trágico acontecimiento anterior.

Elegante y recuperable traslación a imágenes de la letra de la autora de Diez Negritos, Cianuro Espumoso o Muerte en el Nilo. Trabajo impecable y modesto a su manera, a pesar de los medios y el imponente reparto, en el que Sidney Lumet da muestras de su magnífico oficio con una historia clásica de suspense bien escrita y que adapta con considerable fildelidad el libro de la célebre novelista (con los cambios de rigor en toda versión en celuloide de obras literarias) y que sale airosa regalando un producto competente, hasta cierto punto valioso y de un tono academicista, en el buen sentido de la palabra.

El guión si bien peca de poco sorprendente a pesar de su resolución rebuscada y en cierto modo aleccionadora (incluso conservadora, pero eso ya viene de la obra escrita) tiene ritmo y está narrado con fluidez. Posiblemente en ese sentido tenga mucho que decir un Sidney Lumet resueltísimo con la dirección y utilizando los movimientos de cámara adecuados con los que aprovechar todos y cada uno de os recovecos del famoso tren (sacando especial partido a los compartimentos de los pasajeros) y mostrando un competente trabajo tanto en los pasajes rodados en exteriores como en los realizados en estudio.

Con el extensísimo reparto (posiblemente uno de los mejores de la historia del cine) pasa lo que tiene lugar con muchos films con un casting de caracter tan coral. Niguno de los actores no principales brilla excesivamente, pero sí tienen algún momento de lucimiento (los interrogatorios principalmente) con el que mostrar su profesionalidad a pesar de dar todos ellos vida a personajes, que en su mayoría, se muestran como esterotipos clásicos. Por eso se hace extraño ese Oscar a la mejor actriz secundaria para Ingrid Bergman y no es que la actriz sueca lo haga mal, todo lo contrario, pero no se muestra en pantalla mejor o peor que cualquiera de sus compañeros de pantalla como John Gielgud (el actor que mejor interpretaba el papel de mayordomo en toda la historia del cine), Sean Connery, Wendy Hiller, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave o una bellísima Jacqueline Bisset, entre otros.

Quién si destaca considerablemente es un magnífico, entrañable, carismático e inolvidable Albert Finney (Tom Jones, Big Fish, Antes que el Diablo Sepa que Has Muerto). El británico borda al investigador belga Hercules Poirot con su peculiar y marcadísimo acento, movimientos corporales muy bien medidos y una fisicidad del todo peculiar que hace que el espectador lo identifique indudablemente con el personaje literario ideado por la autora de Un Cadáver en la Biblioteca. Merecida nominación al Oscar al mejor actor principal la suya.

Interesante producto, cine entretenido de calidad con cierto toque de elegancia y exotismo, holgado y resuelto reparto, protagonista carismático, guión competente que da pie a una trama que se sigue con considerable interés y detrás de las cámaras un director que sabía perfectamente lo que hacía. Finalmente podemos considerar Asesinato en el Orient Express una meticulosa traslación del universo literario de Agatha Christie, que tendría su continuación en otros films e incluso varias TV Movies que adaptaban muchos de los relatos protagonizados por dos de las criaturas más celebres salidas de su pluma, Miss Marple y el Hercules Poirot que protagoniza la reivindicable cinta que ha ocupado el grueso de esta entrada.

El Origen del Planeta de los Simios, ave Caesar, morituri te saludant

2011-12-10T16:01:00.031+01:00

Título Original Rise of the Planet of the Apes (2011)

Director Rupert Wyatt

Guionista Rick Jaffa y Amanda Silver basado en la novela de Pierre Boulle

Actores James Franco, Andy Serkis, Freida Pinto, Brian Cox, John Lithgow, Tom Felton, David Oyelowo, Tyler Labine, Jamie Harris, David Hewlett

Precuela o reboot (la palabra de moda, sobre todo en el mundo del cómic) del mítico clásico de la ciencia ficción El Planeta de los Simios dirigido por Franklin J. Schaffner en 1968 que adaptaba la novela del escritor francés Pierre Boulle y que dio pie a varias secuelas, series de televisión y hasta un remake a manos de Tim Burton en 2001. Esta entrega de reciente factura en parte toma prestada la premisa de La Rebelión de los Simios (Conquest of the Planets of the Apes), cuarta entrega de la saga cinematográfica estrenada en 1972 y dirigida por J. Lee Thompson.

Con una pre producción que no dio casi nada que hablar, un trailer que se estrenó de tapadillo con una par de escenas que nos parecían ridículas (la del simio espiando a la pareja de humanos mientras dormían) y mucha criatura digital, pocas esperanzas se tenían en un proyecto como esta Rise of the Planet of the Apes que finalmente no sólo ha supuesto uno de los sleepers más rotundos del 2011, también puede considerarse una de las mejores cintas comerciales de este año y una magnífica revitalización de la ya extensa y añeja franquicia.

Will Rodman (James Franco) es un joven científico que está realizando experimentos con primates para dar con una cura para la enfermedad neuronal que afecta a su padre (John Lithgow). César (un digitalizado Andy Serkis) parece el simio que mejor responde al tratamiento, Will decidirá quedarse con él para seguir tratándolo de manera extraoficial. Más tarde la inteligencia de César llegará a niveles tan altos que conseguirá pensar de manera independiente llevando a cabo a los actos que más tarde darían forma a los hechos acontecidos en el film de 1968.

El Origen del Planeta de los Simios se puede resumir en cuatro palabras, cine comercial de calidad. La cinta del debutante Rupert Wyatt auna celuloide palomitero con una historia interesante, adulta y que si bien transita caminos vistos previamente en cientos de productos cinematográficos (mensaje ecologista, advertencia sobre los peligros del uso desmedido de la biotecnología) aquí son tratados con acierto, pericia y hasta cierta hondura, consiguiendo, como más destacado logro algo tan meritorio como dar profundidad y verismo a un personaje digital que devora la pantalla convirtiéndose gracias a ello en el mayor acierto del film.

Una intachable producto para el gran público que a pesar de utilizar efectos digitales en la mayoría los planos de su ajustado metraje en todo momento los supedita enteramente al discurrir de la historia que está narrando. Practicamente todos los simios que aparecen en el largometraje están realizados con el formato motion capture, pero no por ello dichos personajes no humanos pierden veracidad o fiereza en sus movimientos y acciones, llegando incluso a transmitir verdaderas sensaciones palpables y notorias para el espectador, sobre todo en lo referente al rol principal de César.

Alguien debería inventar el Oscar al mejor actor digitalizado para darle uno a Andy Serkis de una vez, porque desde su Gollum de Las Dos Torres y El Retorno del Rey, su King Kong de la versión de Peter Jackson o su Capitán Haddock de la reciente Las Aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio ha demostrado ser todo un genio de la interpretación física retocada en post producción. El papel de César es lo mejor de Rise of the Planet of the Apes y aunque no le vemos el rostro al intérprete británico es innegable la personalidad, pasión y dinamismo que insufla a una criatura a la que convierte en un héroe y martir con el que el espectador empatiza al 100% y sin reservas desde que aparece por primera vez en pantalla.

Según parece el poco conocido realizador nacido en Reino Unido, Rupert Wyatt, luchó contra directores más célebres y reputados para hacerse con la batuta de este proyecto que finalmente ha rematado con una profesionalidad intachable. El cineasta tiene el suficiente talento para anteponer las emociones (ojo, volviendo a recordar que hablamos de una cinta con sus personajes más importantes recreados por medio de CGI) al fuego de artificio y gracias a ello sólo peca da la hora de coreografiar de manera un poco aparatosa los recorridos e itinerarios de César cuando se balancea por árboles o edificios, ya que el resto de su trabajo detrás de las cámaras es de nota.

Dentro de momentos memorables destacar a César dibujando en su celda la ventana del sótano de la casa de Will (decente pero poco destacable James Franco) que representaba su escape al mundo exterior o toda la interpretación de un gran John Lithgow que puede dar vida con la misma naturalidad a un asesino despiadado (su especialidad desde siempre) que a un anciano enfermo del Alzheimer. Tampoco debemos olvidarnos del pasaje de la decisión de César cuando su dueño viene a liberarlo de su cautiverio (lugar custodiado por unos cabrones Brian Cox y Tom Felton), la elipsis narrativa de seis años por medio de la escalada al enorme árbol o el clímax en el que se confirma por medio de la palabra la inteligencia inusual del primate que al igual que el Roy Batty de Blade Runner se muestra más humano que los propios seres humanos.

Un producto interesante, que deja en pañales al entretenido pero insípido remake de Tim Burton (sigo pensando que no era una buena pelicula, pero tampoco tan mala como la pusieron) y que revitaliza una saga bastante aletargada que bien mirada con el tiempo, nunca debió existir como tal más allá de la cinta primigenia que tenía todos los ingredientes para convertirse en un clásico dentro de su género. Esta Rise of the Planet of the Apes no marcará época, pero sí puede considerarse un proyecto competente que supera con amplitud la media del cine revientataquillas norteamericano actual.

Un Profeta, hier encore, j'avais vingt ans, je caressais le temps

2011-12-06T19:05:00.027+01:00

Título Original Un Prophète (2009)

Director Jacques Audiard

Guionista Abdel Raouf Dafri, Thomas Bidegain y Jacques Audiard

Actores Tahar Rahim, Niels Arestrup, Alaa Oumouzone, Adel Bencherif, Reda Kateb, Hichem Yacoubi, Jean-Philipe Ricci, Gilles Cohen, Pierre Leccia, Antoine Baisler, Foued Nassah, Jean.Emmanuel, Frederic Graziani, Leila Bekhti

Alabada y premiada cuarta cinta como director del cineasta francés Jacques Audiard que posiblmente suponga su mayor éxito cinematográfico hasta la fecha. He de admitir que no soy muy ducho en la obra del autor de Un Héroe Muy Discreto, ya que sólo he visto dos de sus films (los últimos que ha realizado concretamente) el que nos ocupa y De Latir Mi Corazón se Ha Parado, que supuso un remake de un largometraje de 1978 dirigido por James Tobak titulado Fingers (Melodía Para Un Asesinato aquí en España) y protagonizado por mi admirado Harvey Keitel. Esta revisión protagonizada por un acertado Romain Duris tenía varios puntos a favor y fuerza, pero me decepcionó en cierta manera.

Un Profeta narra la vida carcelaria de Malik, un joven de 19 años de origen árabe que debe cumplir una condena de 6 años en una prisión francesa. Ya interno deberá sobrevivir como buenamente pueda colaborando con un grupo de corsos comandado por un líder que le dará protección cuando realice un trabajo que le impondrá y que servirá para poner a prueba su lealtad. Llegado el momento su implicación con los asuntos del capo le harán ver las cosas desde un perspectiva más egoista y entonces entrará en acción.

Carcelario seco y austero, de fuerza directa y áspera, rodado, escrito e interpretado desde las entrañas con una crudeza fría que corta la respiración, Un Profeta sabe consiguer retratar la dura y descarnada vida actual en prisión mostrándola como una carrera de supervivencia en la que los débiles no tienen cabida debido a una aplicación de la selección natural darwiniana del todo despótica por medio de la fuerza y el golpear antes de ser golpeado. Todo elaborado con presteza y un acabado ejemplar.

Con un tono que recuerda en cierta manera a algunas obras de los hermanos Dardenne y con algunos puntos en común con otra cinta carcelaria que salió más o menos a la vez que ella como es Celda 211, Un Profeta llena de fiereza la pantalla con imágenes duras y violentas (la escena de la cuchilla de una construcción y posterior ejecución bestial o la del tiroteo en el coche) pero también sabe dar leves pero acertadas pinceladas de emoción reflejadas en el aniñado rostro de Malik cuando va en avión o en coche durante sus permisos penitenciarios, imágenes que confirman la versatilidad y el verismo de un actor joven pero seguro de sí mismo como Tahar Rahim.

No han tardado en hablar algunas personas de la prensa especializada de similtudes con El Padrino de Francis Ford Coppola. Yo no estoy muy de acuerdo, en todo caso veo más la fuerza del Martin Scorsese de Uno de los Nuestros (Goodfellas), cinta con la que Un Profeta comparte, en cierta manera, punto de partida y desarrollo, incluso el final es semejante a la cinta protagonizada por Robert De Niro, Ray Liotta y Joe Pesci. El tono de Jacques Audiard es demasiado esquinado y rugoso para para parecerse a la épica gansteril que el director de Cotton Club aplicó a su adaptación de la novela de Mario Puzo.

Sin parecerme tampoco la obra maestra que algunos promulgan, no puedo negar que Un Profeta es una excelente propuesta. Un proyecto hiperrealista, duro y con filo realizado con pulso y sin remordimientos. Una visión desperanzada de la vida carcelaria y la supervivencia con momentos memorables, actores intachables, un guión magnífico (originalmente ideado por Abdel Raouf Dafri, señor al que por esta obra y sus libretos del díptico Mesrine I y II ya hay que seguirle la pista de cerca) y dirigida con aplomo. Buen cine francés de ese que los gabachos saben hacer y que tanta envidia nos da a los españoles cuando llena las salas mientras el nuestro sobrevive a duras penas gracias a los dos taquillazos puntuales anuales.

El Príncipe de la Ciudad, uno de los nuestros

2011-12-04T13:33:00.022+01:00

Título Original Prince of the City (1981)

Director Sidney Lumet

Guionista Jay Presson Allen y Sidney Lumet basado en el libro de Robert Daley

Actores Treat Williams, Jerry Orbach, Richard Foronjy, Don Billet, Kelly Marino, Tony Page, James Tolkan, Lindsay Crouse, Bob Balaban, Carmine Caridi

Biopic de corte policiaco inspirado en la vida de Robert Leuci, agente de estupefacientes de la ciudad de New York que tras verse implicado en negocios turbios, traspasando con ellos la barrera de la legalidad, decidió colaborar con la división de asuntos internos para destapar un entramado de corrupción que abarcaba una enorme cantidad de policías corruptos, poniendo con ello en peligro a sus propios compañeros de unidad (a los que no quería delatar) o su propia integridad física y la de su familia.

El film basado en la novela homónima del escritor Robert Daley fue adaptado por el veterano director Sideny Lumet con la ayuda en el guión de la americana Jay Presson Allen y con un joven Treat Williams (conocido por aquel entonces por haber protagonizado el alabado musical Hair de Milos Forman) como protagonista absoluto. El resultado fue un ambicioso proyecto de presupuesto considerable y metraje holgado (167 mínutos) que no recibió todo el reconocimiento que merecía, ya que a día de hoy puede considerarse una de las mejores obras y más completas del cineasta que nos ofreció largometrajes como Serpico, 12 Hombres Sin Piedad o Tarde de Perros.

El Príncipe de la Ciudad es un drama intachable, ejectuado con ferrea profesionalidad (la de un director que despuntó dentro de la generación televisiva americana y que en 1981 ya llevaba a sus espaldas varios largometrajes para el recuerdo y alguna obra fallida) con una puesta en escena tan segura como clasicista y un guión sólido y bastante complejo que trata temas considerablemente complicados relacionados con la policía de New York, sacando a relucir muchos trapos sucios y poniendo en entredicho el concepto de aplicación de la justicia por parte de las fuerzas de la ley.

Daniel Ciello es un joven agente de narcóticos casado y con un hijo, amigo de sus amigos que sólo confía en sus compañeros de unidad. Para salir adelante en los bajos fondos de una ciudad como New York realiza tratos con delincuentes o proporciona la dosis para pasar la noche a los yonkis que ejercen como sus confidentes. De ambigua moral y carisma indudable Danny es un tipo que vive bien gracias a los chanchullos que lleva a cabo de manera extraoficial pero implicándose e incluso llegando a comprometerse directamente con sus actos (esclarecedora y muy simbólica es la escena bajo la lluvia en la que limpia el vómito de la boca de uno de sus yonkis confidentes al que previamente ha tendido una trampa)

Llegado el momento el propio Danny para intentar librarse de algunos casos de perjurio decide trabajar con asuntos internos y realizar algunas escuchas encubiertas para sacar a la luz muchos trapos sucios de la policía de la ciudad, pero exigiendo que sus compañeros no salgan perjudicados. Al principio se lo toma como un juego, pavoneandose ante colaboradores y enemigos, pero más tarde descubre que está metido hasta el cuello en un asunto muy turbio que le puede costar la vida por verse rodeado por dos bandos enfrentados sin saber a cuál de ellos acercarse y sin vislumbrar donde se encuentran sus verdaderos amigos, o peor aún, si le queda alguno.

Este panorama le sirve a Lumet para dar forma a un relato sobre el honor, la lealtad, la traición y el arrepentimiento poniendo en entredicho la integridad, no sólo de los policías corruptos a los que se investiga, sino a los mismos agentes de asuntos internos que son capaces de cualquier tropelía (como traicionar la confianza del mismo Danny poniendo en peligro su vida y la de su familia) con tal de llegar lo más lejos posible en su campaña para sacar a la luz los trapos sucios dentro de las fuerzas de la ley de la ciudad de New York. Todo esto tratado por el director y su co guionista con inteligencia y una ambigüedad medida que da bastante profundidad tanto a la historia como a los personajes.

Sidney Lumet realiza uno de sus mejores trabajos detrás de las cámaras y con la ayuda de un director de fotografía como Andrzej Bartowiak (sí amigos, el mismo que al ejercer de realizador hace mierdas como Romeo Debe Morir o Doom) consigue encontrar un tono clásico, pero siempre con un pie en cierto cine moderno, que influiría e incontables productos posteriores. Desde series como Hill Treet Blues o la más reciente The Shield hasta films capitales de autores como Martin Scorsese y Abel Ferrara e incluso a la descafeinada pero entretenida American Gangster de Ridley Scott, film que le debe la vida a esta Prince of the City.

No quiero acabar sin hablar del reparto, ya que si bien tenemos un heterogéneo casting con buenos actores secundarios ofreciendo excelentes trabajos (Lindsay Crouse, Bob Balaban, James Tolkan, grande Jerry Orbach) es Treat Williams el que destaca sobre el resto con su Danny Ciello. El protagonista de la serie Everwood, que casi siempre ha sido hombre de papeles secundarios (Érase Una Vez en América, Un Final Made in Hollywood, inolvidable en Cosas que Hacer en Denver Cuando Estás Muerto) recibe el regalo de su vida gracias a Sidney Lumet. Por fin puede enfrentarse a un personaje bien construido, lleno de matices y carisma y él lo aprovecha alternando entereza (cuando chulea sin pudor a aquellos que piensan que lleva un micro sabiendo que tal acto le puede costar la vida) y vulnerabilidad (la confesión ante sus compañeros con primeros planos en ligero contrapicado de su rostro) dando forma al mejor y más creíble de todos sus trabajos.

Prince of the City es una semidesconocida y muy reivindicable cinta que contiene todas las virtudes y ninguno de los fallos de Sidney Lumet. Yo la considero su obra más completa (que no mejor) y la quintaesencia de su manera de ver el séptimo arte. La de un cineasta constante cuya filmografía está llena de grandes aciertos y notables fallos (son muchos largometrajes para que su carrera recibiera el calificativo de intachable) y que por ello llegó a militar en la élite del cine americano. En breve comentaré más proyectos salidos de su mano que me han proporcionado en soporte digital y que ardo en deseos de descubrir o revisionar, según sea el caso.

Un Método Peligroso, ¿Qué me pasa, Doctor Cronenberg?

2011-11-27T21:06:00.036+01:00

Título Original A Dangerous Method (2011)

Director David Cronenberg

Guionista Christopher Hampton basado en su propia obra de teatro

Actores Keira Knightley, Michael Fassbender, Viggo Mortensen, Vincent Cassel, Sarah Gordon, Katharina Palm, Christian Serritiello, Andrea Magro, Bjorn Geske, Franziska Arndt, Wladimir Matuchin, Clemens Giebel

A pesar de haberle dedicado una entrada a toda su obra como cineasta y otras dos para desgranar dos de sus cintas más destacadas (Crash y Promesas del Este) no he hablado mucho de David Cronenberg en este blog y eso es algo que le debo al realizador nacido en Ontario ya que para mí es actualmente, no sólo el mejor director del panorama cinematográfico contemporáneo, sino también la voz más personal, intransferible y consecuente consigo misma dentro del cine de autor a nivel mundial

Un Método Peligroso narra los hechos reales en los que se vieron relacionados (primero de manera epistolar, más tarde personalmente) dos de los nombres más importantes de la psiquiatría moderna, el suizo Carl Gustav Jung, padre de la psicología analítica y el austriaco Sigmund Freud, fundador del psicoanálisis, A ellos se une una tercera figura, la de la paciente y posterior doctora de origen ruso Sabina Naftulowna Spielrein, que cuando fue tratada por los dos mencionados médicos padecía histeria, enfermedad que la impulsaba a excitarse sexualmente con el castigo físico hacia su persona. Los tres formaron un atípico triángulo emocional y profesional gobernado por la enfermedad psíquica, el sexo, el sadomasoquismo e incluso el amor por parte de algunos de los miembros.

No es ningún secreto el director de Scanners lleva años ofreciendo su talento a un tipo de cine dirigido a un público más amplio que el que venía realizando como autor desde que debutara en aquel ya lejano 1975 con esa rotunda ópera prima bífida y sexualizada titulada Vinieron Dentro de... (They Came From...). Esto que comento se puede ver claramente en sus dos obras inmediatamente anteriores a esta Un Método Peligroso que nos ocupa, Una Historia de Violencia y Promesas del Este, pero realmente tendría su origen en la que para un servidor sigue siendo su obra maestra más destacada, Inseparables (Dead Ringers) que data del año 1988.

Desde que el film que relataba la vida de los hermanos Mantle supusiera su transición a la madurez autoral, el realizador de Rabia poco a poco fue cambiando su manera de abordar la enfermedad (en cualquiera de sus formas sigue siendo el eje central de toda su obra) permitiendo que la fisicidad (aquella que por medio de mutaciones sustentara las bases de la teoría de la Nueva Carne) cediera terreno a la psique. Incluso aunque ya se podían ver apuntes notables de este cambio en la temprana Cromosoma 3 (The Brood) de 1979, la eclosión no tuvo lugar hasta que salió a la luz la cinta interpretada por un desdoblado Jeremy Irons.

Esta evolución en su discurso autoral también se dejó ver en el plano estilístico y tonal de sus producciones. El Almuerzo Desnudo y sobre todo M Butterfly mostraban a un Cronenberg más centrado en depurar sus encuadres y estructuras conceptuales a nivel narrativo, pero nunca dejándose llevar por el uso inncesario de cámara o el esteticismo. Tras una vuelta efímera a sus antiguas inquietudes sobre mutación física con la no del todo acertada pero encomiable eXistenZ, por medio de la memorable Spider abordó por primera vez y de manera explícita teorías freaudianas (que anteriormente sólo había tratado de manera indirecta) ocupando en esa ocasión todo un metraje en el que se diseccionaba con pericia analítica una mente esquizofrénica.

Pero las ya mencionadas A History of Violence y Eastern Promises son la confirmación de que el estilo Cronenberg es tan sólido a día de hoy que puede adaptarse a producciones asentadas en el cine más o menos de género (el western contemporáneo la primera, los films de mafiosos la segunda) sin perder un ápice de su personalidad o esencia. A la vertiente de estas dos cintas se une A Dangerous Method, basada en la obra de teatro The Talking Cure del británico Christopher Hampton (autor de los libretos de los largometrajes que adaptaron las novelas Las Amistades Peligrosas o Atonement) que escribe el guión añadiendo algunos apuntes del libro A Most Dangerous Method de John Kerr.

Una vez más el director de Fast Company se embarca en un género en apariencia ajeno a su impronta y constantes autorales para vampirizarlo y convertirlo en una de sus criaturas, pero puede que en esta ocasión con algunas reservas al respecto. Tampoco era de extrañar que en esta evolución artística que estaba experimentando el canadiense desde hace tiempo tarde o temprano decidiera diseccionar de manera directa y concisa un tema como la mente y el psicoanálisis por medio de dos personajes tan relevantes en esta rama de la medicina como fueron Jung, Freud y en menor medida Spielren.

Un Método Peligroso vuelve a los terrenos formales y estilísticos de uno de los films menos conocidos de Cronenberg, pero que es referente ineludible para ella, la sutil y elegante M Butterfly, magnífica adaptación a imágenes de la obra de teatro de David Henry Hwang inspirada en la maravillosa ópera Madame Butterfly compuesta por Giacommo Puccini. Pero en su interior late el doble corazón de los hermanos Mantle de la bermagniana Inseperables e incluso algo del concepto de la unión de sexo y autodestrucción de la inolvidable Crash, pero de manera más sutil, retomando así el autor caminos ya transitados por él mismo, aunque en un contexto nuevo y fertil. El del cine de época más ortodoxo.

En realidad poco le importa a Cronenberg la localización espaciotemporal de su producto (aunque es destacable que la historia esté situada poco antes de la Primera Guerra Mundial) él prefiere centrarse en las psicología de los personajes o las reacciones en el plano físico consiguientes y diseccionar las personalidades de sus criaturas por medio de sus parafilias sexuales (sintetizadas todas ellas en Otto Gross, el puntual pero importantísimo personaje interpretado por Vincent Cassel) o sus deseos adentrándose en ocasiones incluso en terrenos emocionales inéditos para él, un autor que siempre ha antepuesto las afecciones físicas o mentales (como conceptos) a los sentimientos.

La deconstrucción y posterior evolución (¿una vez más las mutaciones de la Nueva Carne aplicadas en un plano psíquico más que explicitadas físicamente o es que a Cronenberg ya no le interesa esta teoría creada por él mismo que defiende la unión entre hombre y máquina para dar un paso más en la escala evolutiva?) de una mente enferma y una mirada quirúrgica y nada (auto)complaciente hacia las complejidades, bondades y fallos del psicoanálisis como práctica terapéutica son los principales pilares en los que se sustenta un largometraje como Un Método Peligroso.

Aunque el punto de flaqueza más notorio (que no lo neguemos, es ínifmo, pero de notable curiosidad) es que el estilo puramente cronenbergiano se ve en cierta manera diluido en favor de una visión cinematográfica hasta cierto punto más convencional. Sí, la cinta tiene una construcción a lo Cronenberg 100% (formato panorámico, nunca superando las dos horas de metraje, ningún alarde innecesario con la cámara, puesta en escena aséptica, Howard Shore en la música y Peter Suschitky en la dirección de fotografía) e incluso el director sabe adaptar a su impronta constantes del Christopher Hampton escritor tales como pasiones, infidelidades o elegancia contenida. Pero este es posiblemente el film que o bien es el menos de autor de su carrera o el que constata un cambio gradual pero continuo (y en cierto sentido hasta preocupante) por parte del cineasta en lo que a su discurso se refiere, acercándose incluso a cierto academicismo algo molesto.

Esto queda patente, por poner un ejemplo, en la ausencia de escenas enfermizas o viscerales por parte del director de La Mosca, que hasta en los films en los que se centraba más en la psicología de sus personajes (Spider, Una Historia de Violencia, Promesas del Este) siempre marcaba a fuego en la retina del espectador algún pasaje que ejercía como puente de unión entre sus inicios más gráficos y directos desde el punto de vista de la enfermedad física, y los actuales, centrados en la psique perturbada de las criaturas que pueblan sus trabajos. Ciertamente las escenas de castigo físico entre Michael Fassbender y Keyra Knightley son las más puramente cronenbergianas a la hora de fusionar fondo y forma, pero en cierta manera dejan insatisfecho al seguidor del cineasta de Toronto.

A Dangerous Method es otro paso adelante dentro de la filmografía de David Cronenberg, aunque no se le puede considerar una de sus grandes obras. También se revela como la confirmación de que está en buena forma y evolucionando como autor cinematográfico de la misma manera que lo hacen muchas de las afecciones físicas o mentales que pueblan su universo. Pero también hace vilsumbrar cierto sutil adocenamiento autoral que esperemos no vaya a más, ya que tal hecho supondría, dentro del panorama fílmico actual, encorsetar una voz que nunca debería ser domesticada, por su propio bien como creador y el nuestro como espectadores.

La Princesa Prometida, once upon a time...

2011-11-25T19:19:00.015+01:00

Título Original The Princes Bride (1987)

Director Rob Reiner

Guionista William Goldman basado en su propia novela

Actores Robin Wright Penn, Cary Elwes, Mandy Patinkin, Chris Sarandon, Wallace Shawn, Billy Crystal, Carol Kane, Peter Falk, Peter Cook, Fred Savage, Mel Smith, Christopher Guest, André the Giant

Cinta norteamericana estrenada en 1987 y hoy de culto llevada a cabo por el celebre tándem formado por el director y actor Rob Reiner y el guionista, dramaturgo y escritor William Goldman (que en esta ocasión adaptaba su propia novela). La Princesa Prometida tuvo un éxito más bien moderado cuando vio la luz en la segunda mitad de la década de los 80, pero hoy es vista como un producto de calidad con un delicioso tono nostálgico que marcó la infancia de muchos niños (y no tan niños) a lo largo y ancho del planeta.

Un abuelo visita a su nieto que se encuentra enfermo y en cama. El anciano le leerá al niño el libro La Princesa Prometida en el que se narra la historia de amor entre la princesa Buttercup con el granjero Westley y la posterior interrupción, años después, de un pirata, tres entrañables bandidos, un rey cruel que obligará a la princesa a casarse de manera forzosa con él y otros personajes que darán pie a divertidas e inolvidables aventuras.

The Princess Bride es un producto modesto dentro del tipo de cine de género al que se adhiere. Un film de corte artesanal (el aspecto de los decorados construidos en estudio que destila el producto es buscado, no hay duda) que se alimenta de la literatura fantástica y del cine aventurero ideado por Douglas Fairbanks o protagonizado por Errol Flynn a lo largo de la década de los 40. Un relato medieval en tono de cuento de hadas, aunque sin abusar en exceso de la fantasía.

Jóvenes enamorados, caballeros enmascarados, bandidos vengadores, bosques malditos y reyes diabólicos, La Princesa Prometida utiliza con ingenio y ternura todos los clichés habituales de la fantasía heróica y la parafernalia de nobleza, honor y amor que debe contener un relato como este, que en su modestia y afán por divertir encuentra sus mayores aciertos y hallazgos, mostrando personajes, momentos y frases que quedan grabados en el inconsciente colectivo.

Siempre se ha comentado (desde que debutara con aquella obra maestra del humor en formato de falso documental llamada This is Spinal Tap) que Rob Reiner es un director de mínimo esfuerzo. Un señor que ha logrado sus mayores logros cinemtográficos rodeándose de bases literarias (libros de Stephen King) guionistas (William Goldman, Aaron Sorkin) o actores (Kathy Bates, James Caan, Jack Nicholson, Tom Cruise) que le daban todo le trabajo hecho, no teniendo que realizar él mucho más que ponerse detrás de la cámara y moverla con más o menos acierto.

No sé hasta que punto esto será cierto (yo lo comparto poco) pero la verdad es que poco me importa si pequeñas joyas como Cuenta Conmigo, Misery o Algunos Hombres Buenos fueron aciertos cinematográficos plenamente suyos o la demostración de que más que un autor es un artesano competente (término que desde mi punto de vista de peyorativo tienen poco, por mucho que algunos se empeñen en desmerecerlo) que se sustenta más de lo necesario en sus equipos técnicos y artísticos.

En La Princesa Prometida podemos ver una dirección 100% Reiner. Movimientos de cámara sólo los justos y necesarios, puesta en escena sin alardes pero firme, dirección de actores justita (en esta ocasión no tenía a grandes interpretes para dar el do de pecho), todo con la intención de que su trabajo con la realización no solape el resto de apartados del film, que si bien modestos, destilan un buen hacer y una artesanía que nos hacen encontrarnos realmente en un cuento encantado.

Si no podemos hablar de verdaderos alardes actorales en The Princess Bride, sí podemos hacerlo de personajes inolvidables. Desde la Buttercup de una jovencísima Robin Wright (pre Sean Penn) hasta un Cary Elwes elegante y acertado, pasando por los tres bandidos, destacando entre ellos Fezzik al que daba "enorme" vida el fallecido luchador de wrestling, André el Gigante y un inolvidable y españolizado (sevillano, para más señas) Mandy Patinkin en la piel del vengativo Íñigo Montoya que buscaba escaramuza con el Conde Tyrone Rugen, un Christopher Guest al que siempre recordaré por ser el mítico guitarrista Nigel Tufnel de la banda (semi) ficticia Spinal Tap.

La Princesa Prometida es una pequeña joya de la década de los 80, recordada con un cariño que nos hace obviar algunas de sus carencias, que por suerte son pocas y nada reprochables. Pero sobre todo es una reivindicación sincera y candorosa en favor de la imaginación, la aventura, la amistad, el humor, el amor y sobre todo del placer de leer y descubrir nuevos mundos ocultos en esos libros que por desgracia nuestras nuevas generaciones cada vez dan más de lado en la actualidad.

Amanecer Parte I, tres idiotas y un biberón

2011-11-23T22:53:00.030+01:00

Título Original The Twilight Saga: Breaking Down - Part 1 (2011)

Director Bill Condon

Guionista Melisa Rosenberg basado en la novela de Stephanie Meyer

Actores Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Anna Kendrick, Peter Facinelli, Dakota Fanning, Ashley Greene, Jackson Rathborne, Nikki Reed, Kellan Lutz, Elizabeth Reaser, Christian Serratos, Billy Burke, Boo Boo Stewart, Sarah Clarke, Micheal Welch, Julia Jones, Kiowa Gordon, Alex Meraz, Gil Birmingham

Hay un dicho popular que reza Uno no sabe lo que tiene hasta que lo pierde. Sin más remedio y contra todo pronóstico eso es lo que me ha pasado a mí con la saga de películas basada en la colección de libros de la escritora americana Stephanie Meyer protagonizada por vampiros vegetarianos, licántropos indios y amargadas enamoradas con cara de tener el síndrome de abstinencia. Todo un fenómeno social a nivel mundial que, una vez más, admito no comprender lo más mínimo.

A ver si nos lavamos un poquito el pelo de vez en cuando, que se me quedan las manos pegadas

Recuerdo cuando vi la primera película, Crepúsculo. Una horrible cinta que mezclaba de manera penosa cine falsamente romántico y supuesto género de terror, ambos en su vertiente más adolescente, tirando a pueril, con un retrato de vampiros lánguidos que no beben sangre, brillan con el sol o van al instituto con no sé cuantos siglos de edad a sus espaldas, consiguiendo llamar la atención de niñatas que confunden picores vaginales con verdadero amor. Todo un despropósito en imágenes que incitaba a la carcajada continua.

Cariño, desde aquí puedo ver que no te has puesto las bragas

Más tarde llegó la cumbre de la saga, la cinta que (estoy seguro) más se recordará de toda la saga, Luna Nueva, en la que entran en escena los licántropos, Jacob y sus pectorales. Un producto que tomaba todos los apuntes ridículos, terribles e insultantes de la anterior entrega multiplicándolos a la máxima potencia para regocijo el espectador (no fanático) que disfrutaba de manera fruiciosa con una de las comedias inintencionadas más memorables de la pasada década, encadenandose en ella escenas y más escenas para el recuerdo que apelaban a la mayor de las vergüenzas ajenas.

¿Qué es este líquido blanco que tienes en el cuello?

Pero la decadencia llegó con Eclipse. La cinta más normal, que menos sonrojo producía y que incluía más escenas alejadas del pomposo romance central de la trama, se mostraba finalmente, y por ello, como un mal largometraje (si bien más digerible en el plano cinematográfico) pero también y a diferencia de las anteriores entregas, someramente aburrido que no había por donde cogerlo. Aunque aún podíamos encontrar algún pasaje de esos que nos hacían llorar de la risa por lo rídiculos y estupidamente solemnes que trataban de mostrarse.

Sí, debes tener frío, porque acabas de perforarme un pulmón con el pezón derecho

La desgracia se confirma con esta primera entrega del díptico Amanecer, que como era de esperar han dividido en dos partes para sacar todo el dinero que puedan a la famosa franquicia. La última cinta de la saga Crepúsculo es una muy mala película, pero está más cerca de ser un producto cinematográfico normal y corriente que cualquiera de sus predecesoras, el problema es que también es más aburrida que todas las anteriores juntas, aunque paradójicamente su visionado se pase rápido. A partir de aquí, Spoilers a todo trapo.

Ven tonta, si no te va a doler

La historia la retomamos donde se quedó. Vampiro pajizo pide en matrimonio a ex drogadicta necrófila para cabreo de licántropo pagafantas, el tercero en discordia dentro de la ecuación. Al incio del film vemos los preparativos de la boda de los protagonistas con vampiros llevando árboles sobre un solo hombro o con la yonki teniendo (previsibles) sueños sobre todo lo chungo que le sucederá si se casa. Más tarde tendremos la boda, con algún apunte incluso gracioso, la mayoría en boca del padre, mi héroe dentro de la saga y el único con dos dedos de frente dentro de esta galería de personajes imbéciles.

Perro malo, no se hace pipí en la moqueta.

Inmediatamente después tenemos el que se puede considerar uno de los clímax de la saga. Sí amigos, por fin el amigo Eduardo se digna a consumar con la pobre Isabella. Como el espectador mínimamente espabilado esperará de una película que tiene una calificación por edades de PG 13 (no recomendada para menores de 13 años), no vamos a ver ni una mala teta o un culo apretado, pero lo de la escenita de marras es de puta pena, porque a parte de la chorrada de como el mozo rompe el quicio de la ventana con su supefuerza (es lógico, llevaba reteniendo... lo que sea que que eyacule, durante sabe dios cuánto) no hay nada de interés en dicho pasaje, ya que el mismo hace que la horrible escena de sexo entre Neo y Trinity de Matrix Reloaded parezca una pornográfica a su lado.

No, si quieres notar palpitaciones tienes que tocarme en otro sitio

Al día siguiente podemos ver como la pareja ha destrozado la habitación a base de embestidas pasionales durante la luna de miel, momento que plagia con bastante descaro la divertida escena de sexo entre Buffy y Spike en el capítulo Smashed de la serie creada por Joss Whedon. A los pocos días ella va corriendo al retrete una mañana y vomita, él, hombre espabilado y con estudios superiores le pregunta qué le pasa. El embarazo está aquí queridos lectores y la cosa que Isa tiene dentro crece a pasos agigantados, le chupa la vida (esperemos que sólo eso) y la mata por dentro.

Tranquila, no pasa nada, es sólo una cámara, en las otras tres películas las usamos también, no te asustes

Pero una vez más el matiz descaradamente puritano que subyace en toda la saga cinematográfica (y supongo que en la literaria) ofrece su cara más ultraconservadora. Si nuestro vampiro anémico favorito espera hasta el matrimonio para desflorar a su amada politoxicómana, ella decide no abortar poniendo en riesgo su vida y sin importarle que dé a parir un bebé, un vampiro o un buey, ya que por el tamaño de la barriga que luce la moza lo que lleve dentro debe medir 2 metros mínimo.

Mirad, es la novia y va como una pordiosera. Tiene más ojeras que un oso panda con resaca

Por otro lado tenemos a Jacobo, que hará las delicias de sus fans ya que se quita la camiseta a los 45 segundos (contados) de metraje, pero que aquí hace más de florero que en cualquiera de las otras entregas. Está siempre cabreado, ejerce de intruso en la casa de los vampiros doctorados en medicina, dándoles la brasa y convirtiéndose en lobo cuando ya está de los nervios. La subtrama que lo implica a él y a sus descamisados compañeros está metida con calzador y aporta más bien poco a la ya de por sí raquítica trama.

Ah vale, cuando decías que te hiciera una comidita no te referías precisamente a esto

Durante el parto, que es una mezcla entre la escena de John Hurt en Alien: El Octavo Pasajero de Ridley Scott y los títulos de crédito iniciales de El Club de la Lucha de David Fincher pasados por un filtro rojo, Isabella la palma con todas las de la ley y el lobo pilla un cabreo de no te menees. Pero la guinda del pastel llega con el bebé recién nacido, que es una niña normal y corriente (al menos en apariencia), no una larva gigante como la que paría Geena Davis en sueños durante La Mosca de David Cronenberg

Quítate la ropa interior, guapa... dios... espera, ahora vengo, voy por el cortacesped

Jacobo quiere matarla porque es la causante de la muerte de su amor no correspondido, pero por obra y gracia de la exquisita pluma de la señora Meyer el chaval de los pectorales prominentes se "imprime" del bebé, que es lo mismo (más o menos) que enamorarse a primera vista de la criatura (o eso me explicó la seguidora, que no fan, de la saga de libros y películas que vio la cinta conmigo y que compartió amablemente mi calvario con mucho sentido del humor). Es decir, nuestro amigo peludo pasa de lobo pagafantas a pedófilo que se enamora de la hija recién nacida de su antiguo amor, que ahora resultaría ser su suegra... con dos cojones y un palito.

Eso, eso, tú abre la boca... que yo te aviso

Finalmente tenemos una pelea entre los lobos metida con calzador para dar algo de vida y acción a la soporífera trama y como era de esperar, Eduardo muerde a su amada en el pescuezo para convertirla en uno de los suyos y así salvar su vida, es decir, la transforma en un pálido Gusiluz que come hierba, tiene superfuerza y corre a velocidad desproporcionada, como no podía ser menos, pero que finalmente no tiene una mierda que ver con un vampiro propiamente dicho. La última (y previsible imagen) es un plano de la adicta a las metanfetaminas abriendo sus rojos ojos de no muerta. Fin.

Ve a por el palito, Jacob, venga, traeselo a papá

Pues esto es todo amigos, hasta aquí la crónica de la película menos mala (que no aceptable o alejada de la mediocridad) pero más aburrida de lo que llevamos de inolvidable saga. Lo peor es que la cinta es intragable, insípida, haciendo que echemos de menos a vampiros deslizándose por pasillos, palabras supuestamente románticas entre los dos enamorados que producen arcadas y risas en la misma medida o escenas de lucha que aparentan haber sido coreografiadas por El Chapulín Colorado.

Mira niñato, yo he trabajado con Ian McKellen, no estoy para chiquilladas o te levantas de la cama para rodar o te quito la palidez a hostias

Lo mejor, que el nombre de un señor como Bill Condon, director de la gloriosa Dioses y Monstruos, uno de los mejores biopics realizados en la década de los 90 (el del director de cine James Whale) no sale demasiado perjudicado por haber participado en esta inmundicia. Aunque claro, su nombre también sale en los títulos de crédito de Amanecer: Parte II que espero que recupere para el cierre de la saga toda esa horrible parafernalia que hacía de las primeras entregas de esta franquicia geniales frescos de cuan menguada está la inteligencia de algunos componentes de nuestra más tierna población adolescente y no tan adolescente.

Código Desconocido, communication breakdown

2011-11-12T14:32:00.014+01:00

Título Original Code Inconnu (2000)

Director Michael Haneke

Guionista Michael Haneke

Actores Juliette Binoche, Thierry Neuvic, Josef Bierbichler, Ona Lu Yenke, Luminita Gheorghiu, Arisinée Khanijan, Alexandre Hamidi, Helene Diarra

Producción del año 2000 realizada por el célebre cineasta austriaco de origen alemán Michael Haneke que pasó bastante desapercibida por el hecho de ser estrenada entre dos de sus más importantes bombazos como fueron la visceral Funny Games (1997) y la magnífica La Pianista (2001) y no lo neguemos, también por ser de alguna manera una obra menor dentro de la filmografía del director de La Cinta Blanca o El Tiempo del Lobo, aunque no por ello resulta un producto carente de interés, aciertos o trasfondo sólido y atractivo.

Código Desconocido narra por medio de númerosos pasajes fragmentados retazos de la vida de un grupo de personas de clase media en la ciudad de París que se verán relacionadas por un hecho en principio nimio que servirá para interconectar sus existencias. Una actriz de cine y teatro, su novio reportero de guerra, el hermano de este, el padre de ambos, un inmigrante senegalés hemano de una niña sordomuda e hijo de un humilde taxista y por último una sintecho de origen rumano.

Haneke deja un poco de lado su adoctrinamiento aposentado en una molesta superioridad intelectual para mirar al espectador por encima del hombro y sus habituales arrebatos violentos que resquebrajan momentos de calma. Aunque sí existe cierto tipo de violencia en Código Desconocido, pero la misma esta expuesta de manera más sutil, se encuentra latente y no explota apenas de manera física, ya que esta se puede ver reflejada por medio de gestos o verbalidad que agrede a la psicología de los personajes (sirva como ejemplo el excelente pasaje sencillo, mundano, pero muy tenso y reconocible en el metro)

El largometraje tiene una austera puesta en escena con el tono bastante aséptico habitual de Haneke. Tecnicamente el film sin florituras y alardes si consigue destacar en el apartado técnico de realización cuando descubrimos que todos los pasajes que forman el metraje están rodados con extensísimos e impecables planos secuencia muy bien ejecutados y en los que se hace un uso interesantísimo del fuera de campo (sobre todo a la hora de mostrar las escenas más viscerales, que cómo ya he comentado a diferencia de otros films del austriaco no son de violencia física) y sobre todo del travelling lateral.

Haneke al igual que Ken Loach sabe exprimir al máximo a actores desconocidos para que parezcan brutlmente reales, se nota especialmente en los inmigrantes a los que vemos psicológicamante desnudos hablando unas lenguas natales, las suyas propias, que no logramos entender (de manera completamente intencionada por parte del director) ocupando nosotros el rol que suelen ejercer ellos, el de extranjero que se siente desubicado y extraño en tierra extraña. Dentro de los actores principales como siempre Juliette Binoche da clases de desgarro intepretativo con su actriz (interesantes apuntes de cine dentro del cine) que empieza a labrarse una carrera en el mundo del celuloide y el teatro.

Código Desconocido es otro de esos retratos con los que Michael Haneke nos muestra el lado más egoista e intolerante del ser humano desde un punto de vista quirurgico y distante pero certero. Un espejo en el que ver reflejados nuestros prejuicios, miedos, problemas personales, ambiciones e incomunicación existencial independientemente de la raza o posición social a la que pertenezcamos. Sin llegar a ser tan profundo o lacerante como otros de sus trabajos si consigue mostrarse como un proyecto acertado, no muy ambicioso, pero sí más humilde y menos acusatorio que el resto de la filmografía de esta autor tan interesante como convencido y encantado de su intelectualidad.

Héroes, don't you forget about me

2011-11-11T21:35:00.015+01:00

Título Original Herois/Héroes (2010)

Director Pau Freixas

Guionistas Albert Espinosa y Pau Freixas

Actores Álex Brendemühl, Eva Santolaria, Emma Suárez, Lluis Homar, Ferrán Rull, Álex Monner, Mireia Vilapug, Joan Sorribes, Marc Balaguer, Nerea Camacho, Ana Lizarán, Constantino Romero, David Hernández, Montse Pérez, Elsa Anka

Decepción y cierto enfado es lo que me ha transmitido la segunda cinta en labores de dirección del cineasta catalán Pau Freixas. Decepción porque esperaba mucho un servidor de tan alabado film por crítica y público no siendo este al final lo que me esperaba y enfado porque el largometraje consigue su misión principal y fin, pero con unos medios que a mí personalmente no me gustan ni convencen y que consiguen quitar en gran parte mérito al conjunto de la obra y al trabajo de su autor.

Héroes narra dos historias paralelas. La de una chica que haciendo autoestop para dirigirse a un pueblo es recogida por un apocado publicista que llega tarde a una importante reunión empresarial en la actualidad y a modo de flashback otra sobre un verano durante los años 80 que marcó a fuego la vida de un grupo de niños que compartieron experiencias, fraternidad, peleas, amor, tragedias y aventuras durante aquella época vacacional en una ciudad de provincias catalana.

El primer fallo de Héroes es ajeno a su naturaleza cinematográfica pero es uno de los más importantes y no es nada más y nada menos que su doblaje. A este problema siempre nos enfrentamos los castellanoparlantes que vemos cintas rodadas en catalán (putas las he pasado en ocasiones a la hora de ver cintas de Ventura Pons, ya que no es fácil dar con copias en V.O). Debido al uso de voces de estudio se pierde gran parte de la frescura de los diálogos y del hacer de unos actores que al doblarse a sí mismos pierden muchos de los matices de sus interpretaciones.

Ya dentro del plano más estrictamente cinematográfico Héroes falla considerablemente en sus formas, aunque no en su fondo. Pau Freixas no acierta a la hora de retratar un verano catalán con un acento descaradamente americano, de ahí que la empatía de todos aquellos espectadores que fuimos niños durante los 80 y que disfrutamos de esas estaciones entre amigos y primeros amores no encuentra el camino para verse reflejada en nuestros propios recuerdos porque esta que vemos en pantalla no parece la tierra en la que nacimos.

Porque el problema de Héroes es que no sólo está construida sobre todos y cada uno de los clichés de este tipo de cine infantil, también se antoja como una mezcla descafeinada y un tanto descarada de films como Los Goonies o Cuenta Conmigo dando como resultado un hipertrófico mix que poco tiene que ver, al menos estéticamente y esencia, con España. No hay más que ver la forzada caracterización de un simpátco Marc Balaguer para que se asemeje a un adolescente Corey Feldman o la del matón rubiales para parecerse a un Kiefer Sutherland, participantes ambos actores en la ya mencionada obra de Rob Reiner, quedando todo demasiado falsario.

Mi problema con Héroes (y es personal e intransferible) es que por su intención de estar realizada desde un punto de vista infantil, debido a que habla de la infancia, no me creo prácticamente nada de lo que veo en pantalla. Puede que la búsqueda de una mirada idealista hacia aquellos días me haga echar de menos el verismo que debería transmitirme el film. Porque ni los diálogos, ni los personajes ni las relaciones que comparten entre sí me son cercanas o palpables por culpa de que las veo maniqueas y simplistas.

Por desgracia con Héroes no me creo en casi ningún momento a largo del metraje que esos hermanos nunca discutan (yo daría la vida por mi hermana, pero las miles de discusiones a lo largo de los años estaban casi a la orden del día, sobre todo en nuestra adolescencia) ni que esos niños con sus ya bien entrados 12 años no digan una sola palabra malsonante, no se interesen por una sexualidad por entonces dando sus primeras señales de vida o por hacer travesuras con las que meterse en verdaderos líos.

Tampoco recibo de buena gaña los típicos clichés de films americanos de este corte como la complicada relación padrastro/hijastro (con la inevitable inclusión de la frase "Tú no eres mi padre" que me olía desde el principio del metraje) que trae por al camino de la amargura de la mujer del primero y madre del segundo, el protagonista enamorado de la guapa chica equivocada cuando su verdadero amor es esa niña a la que considera sólo una amiga y con la que comparte el día a día o la relación antgónica entre el matón del grupo y el miembro torpe del equipo.

Seguramente y como ya he mencionado con anterioridad el problema sea mío, pero las casetas en árboles, las carreras de bólidos caseros construidos a mano, los taberneros ariscos pero de buen corazón y las bandas rivales con matones siempre me han parecido constantes casi exclusivas del cine americano, no del español, de ahí que no pueda identificarme con este film como sí lo he hecho con otros tales como El Camino de los Ingleses de Antonio Banderas o Primos de Daniel Sánchez Arévalo.

Si Pau Freixas hubiera abordado (o podido abordar, es importante matizarlo ya que posiblemente no tuviera los medios en su momento) el proyecto como una co producción con USA y con actores internacionales seguramente su resultado me hubiera llenado más, porque, por poner un ejemplo, por mucho que su trama tenga lugar en Estados Unidos no puedo evitar llorar de emoción cuando veo el final de la ya mencionada y magnífica Stand By Me dirigida por Rob Reiner y basada en el relato corto The Body del escritor norteameriano Stephen King. Pero dar tono estadounidense a una cinta puramente ibérica no consigue funcionar.

Finalmente y tras el brusco (podríamos decir que hasta innecesario) cambio de tono del film Freixas logra lo que llevaba intentando conseguir desde el minuto uno del film con el bonito monólogo de la abuela con las fotos a modo de recordatorio llenando la pantalla, emocionar al espectador. Pero el fin no siempre justifica los medios, porque el director y guionista de Cámara Oscura ha recurrido a los golpes bajos y un sentimentalismo poco sutil para arrancar la lágrima al respetable a cualquier precio y en esta situación el resultado pierde cierto mérito y enjundia.

Además si tenemos en cuenta que la excelente banda sonora de Arnau Bataller y el uso de temas clásicos de los 80 como Big in Japan o Forever Young de Alphaville le dan gran parte del trabajo hecho en lo que ha transmitir emociones se refiere al director su labor pierde cierta fuerza, esa que sólo vemos en pasajes aislados, como la que da la cara con cierto lirismo y poética visual cuando acontence el suceso que lo cambia todo o en la última escena del largometraje. Lo cierto es que todo ello es una pena porque este señor como cineasta apunta buenas maneras.

El reparto es acertado y los niños lo hacen bien, fallando un poco la forzada timidez Ferran Rull, destacando la belleza de una no muy aprovechada Nerea Camacho, enamorando una adorable Mireia Vilapuig y alzándose por encima de todos ellos y comiéndose la pantalla un inolvidable Joan Sorribes (actor adolescente que padece Síndrome de Down) que se gana el corazón del espectador con sus salidas y ocurrencias. De la profesionalidad de actores como Lluis Homar, Emma Suárez, Constantino Romero, Alex Brendemühl o Ana Lizarán poco podemos decir, a ellos se une una simpática a la par que repelente Eva Santolaria.

No puedo negar que Héroes es una película para verla en toda la familia y que debajo de sus desaciertos, cursilería y tópicos late un verdadero corazón, pero a mí no me merece la pena ir a buscarlo. Poner posters de Los Goonies y La Historia Interminable en la habitación del protagonista, mostrar cassettes y walkmans en todo momento o un grupo de niños que están continuamente abrazándose y felicitándose no me hace volver a mis años de inocencia junto a mis primeros colegas y amores vacacionales, además cuando el largometraje lo consigue los medios para llevar a buen puerto tal empresa son bastante reprobables cinematográficamente hablando.

En este sentido me quedo antes con Cuento de Navidad de Paco Plaza y Luis Bermejo, film que forma parte de la serie Películas Para No Dormir que sí muestra (aunque sea recurriendo al género de intriga y terror) como fueron mis años 80. Aquella década llena de amigos, enemigos, peleas, juegos de mesa, bocadillos de mortadela, películas de artes marciales, dibujos animados, canciones de Europe, así como de los primeros golpes y decepciones que la vida va propinando mientras nosotros los vamos encajando como buenamente podemos, alternándose estos con momentos inolvidables anclados en la más perdurable felicidad.

Fando y Lis, no hay mayor dolor en el infortunio que recordar el tiempo feliz

2011-11-06T02:47:00.018+01:00

Título Original Fando y Lis (1968)

Director Alejandro Jodorowsky

Guión Alejandro Jodorowsky basado en la obra teatral de Fernando Arrabal

Actores Sergio Kleiner, Diana Mariscal, María Teresa Rivas, Elizabeth Moore, Vicente Moore

El chileno Alejandro Jodorwosky es todo un personaje del panorama internacional, un hombre del Renacimiento en pleno siglo XXI. Escritor, compositor, marionetista, tarotista, poeta, mimo, dibujante, dramaturgo, creador de la Psicomagía y practicante de la misma, reputadísimo guionista de cómics y director de cine. Para unos un genio, para otros un vendedor de humo. Hoy nos ocuparemos de la que fue su ópera prima en su faceta como cineasta. En 1968 el creador de El Incal estrenó su primera y polémica película como realizador titulada Fando y Lis, rodada con escasos medios y en blanco y negro.

Fando y Lis está basada en una obra teatral (mediocre según las palabras de su autor) del peculiar, genial y muy pasado de rosca dramaturgo español Fernando Arrabal, un personaje y autor genial que de puro chalado desprende una ternura y simpatía incontestables. Él junto a Jodorowsky y el pintor e intérprete francés Roland Topor crearon el Grupo Pánico. Un movimiento teatral que puso en escena obras de un profundo surrealismo llenas de dualidad, locura existencialista y barroquismo estilístico y narrativo. A dicha ola se adhiere esta versión cinematográfica de la pieza del escritor español, llevada a imágenes por su amigo chileno y protagonizada por unos arrebatadores Sergio Kleiner y Diana Mariscal, los actores que interpretaron previamente la obra en las tablas.

Fando y Lis narra la peculiar relación sentimental de una pareja de amantes (impotente él, inválida ella) que buscan la ciudad de Tar, lugar donde pasarán en permanente felicidad el resto de sus vidas. Pero el camino hacia dicho lugar es complicado ya que Fando y Lis tendrán que enfrentarse a una sociedad cruel y sin sentido que los marginará impidiendo que lleguen a su destino por medio del rechazo, la incomprensión y la violencia. Ambos afrontarán su futuro y sus propios demonios interiores durante el complicado trayecto.

La ópera prima del guionista de La Casta de los Metabarones es un surrealista y dantesco (hay múltiples referencias a La Divina Comedia y al averno retratado en dicha obra del escritor italiano ya desde las ilustraciones de los títulos de crédito) viaje a un infierno localizado en la tierra. Un film que renuncia a una estructura narrativa coherente y que se entrega a unos códigos encriptados dificilmente descifrables con los que se crítican distintos aspectos de la sociedad contemporánea como los prejuicios, el clasismo, la pedofilia (de manera elegante y bastante solapada), la crueldad y el egoísmo.

Pero principalmente Alejandro Jodorowsky nos habla sobre desestructurada y autodestructiva relación amorosa y afectiva, la de los protagonistas, regida por un tono dulce y hasta naïf que torna en brutal (Fando) e incluso sadomasoquista (Lis) cuando ambos ven que su camino hacia Tar (que más que una verdadera ciudad parece un inalcanzable estado de ánimo)parece estar lleno de obstáculos y penurias, siendo él maltratado por personajes anónimos y pagando después su frustración con su ella, su pareja, a la que en ocasiones considera un lastre en su vida debido a su condición de paraplegia

Lo cierto es que desconozco la obra de teatro de Fernando Arrabal en la que se basa el film que estamos tratando, pero es notable la influencia de Luis Buñuel (recordemos, miembro del grupo surrealista francés) en el discurso e impronta de un Jodorowsky que apela a la simbólico y la alegoría, adentrádose en ocasiones incluso en la escatología, pero nunca buscando la provocación vacua o pueril y sí mostrando una imaginería ecléctica en el plano estilístico que en un futuro influiría hasta en el mundo de la música, ya que es indudable que imágenes como la de la mujer crucificada entre flores y goteros de hospital dejaría su impronta en videoclips como Tourniquet o The Beautiful People de Marilyn Manson, profundo admirador y amigo cercano del mismo Jodorowsky.

Fando y Lis supuso el atípico, interesante y lacerante (su estreno e México causó la huída de bastantes espectadores de la sala de proyección, incluyendo la del mismo Alejandro Jodorowsky que fue recibido a pedradas) debut en la dirección cinematográfica de este chileno de origen judío y polaco del que seguiré hablando en este vuestro humilde cubil analizando el resto de su filmografía (intentaré no tardar mucho en hablar de El Topo) analizando por un lado sus labor cinematográfica y por otro su trabajo como guionista de cómics que es copioso, atípico y harto interesante.

Mejor... Imposible, always look at the bright side of life

2011-11-06T02:45:00.015+01:00

Título Original As Good As It Gets (1997)

Director James L. Brooks

Guión Mark Andrus y James L. Brooks

Actores Jack Nicholson, Helen Hunt, Greg Kinnear, Cuba Gooding Jr, Skeet Ulrich, Shirley Knight, Jesse James, Lawrence Kasdan, Yeardley Smith, Lupe Ontiveros, Maya Rudolph, Tara Subkoff, Lisa Edelstein, Jamie Kennedy, Harold Ramis, Julie Benz, Todd Solondz

En 1997 el director y guionista James L. Brooks, autor de la lacrimógena y exitosa La Fuerza del Cariño (Terns of Endearment) de 1983 y productor ejecutivo de Los Simpson estrenó una exitosa y alabada comedia protagonizada por Jack Nicholson, Helen Hunt y Greg Kinnear entre otros. Fue aplaudida por la crítica, supuso un considerable éxito de taquilla y ganó 2 Oscars (actor y actriz principal) de los 7 a los que estaba nominada. Hablamos como no podía ser menos de Mejor Imposible (As Good As It Gets)

Melvin es un exitoso escritor de novelas románticas. También padece TOC y tiene un carácter de lo más asocial y antipático. Nuestro protagonista tira a la basura una pastilla de jabón recién estrenada cada vez que se lava las manos, anda por la calle saltando los bordes de las baldosas, come utilizando cubiertos de plástico de los que también se deshace una vez utilizados y odia el contácto físico, permitiéndoselo únicamente a Carol, la camarera que le atiende en el restaurante en el que come a diario. La vida de Melvin cambiará por completo cuando la misma sea invadida por Simon, su vecino gay, Verdell, el perro de este y la misma Carol.

Mejor... Imposible es una comedia y largometraje ejemplar. Uno de esos pocos proyectos en los que se unen un reparto inmenso, un guión brillante y casualidades que permiten que un grupo de profesionales intachable formen indivisible equipo a la hora de crear cine dando lugar a la magia y al virtuosismo. Nada falla en esta producción de 1997 y sus aciertos son tantos que sería complicado enumerarlos todos, pero intentaré mencionar algunos, los que más llaman la atención o saltan a la vista.

Billy Wilder, el nombre del director de El Apartamento o El Crepúsculo de los Dioses (Sunset Boulevard) nos viene indudablemente a la mente mientras vemos As Good It As Gets. No es complicado al ver la inventiva, agilidad y pericia de unos inspiradísimos James L. Brooks y Mark Andrus que los diálogos a lo largo del film nos recuerden a los maravillosos libretos que Wilder escribia con su inolvidable colaborador I.A.L Diamond. Como no podía ser menos y sin lugar a dudas el personaje que más disfruta de esa inolvidable verborrea es el que interpreta un colosal y contenido Jack Nicholson.

El protagonista de Alguien Voló Sobre el Nido del Cuco nació para interpretar a Melvin Udall y posiblemente este sea el papel más logrado de toda su carrera ya que se ajusta a su personalidad e imagen como un guante. Un tipo uraño, malencarado, insensible, maniático que profiere inultos xenófobos, clasistas, machistas, homófobos, antisemitas a discreción sin discriminar a sus pobres víctimas que no saben como responder a la agil e inflamable ironía del escritor. Aunque el mayor logro del film es que el personaje no sólo tiene un indudable carisma, también consigue caer bien e incluso incita al espectador a desear que las cosas le salgan bien y no la cague.

Pero no sólo de Jack Nicholson vive una película como Mejor... Imposible. También contamos con una inspiradísima y muy acertada Helen Hunt como Carol que sabe poner en su sitio a Melvin con pocas palabras (y alguna amenaza verbal). Una pena que esta mujer que tan bien da la réplica a grandes actores (Woody Allen, Kevin Spacey, Tom Hanks) esté tan perdida y deteriorada en la actualidad. Por otro lado destaca un amanerado y entrañable Greg Kinnear que no ha vuelto a estar tan bien a lo largo de su irregular carrera y un Cuba Gooding Jr haciendo lo que mejor se le da, gritar y poner ojos de loco. Nombrar también cameos de los cineastas Todd Solodnz, Harold Ramis o Lawrence Kasdan, amigos del L. Brooks, o a los cánidos que dieron vida al perro Verdell, impagables todos ellos.

Aquel 1997 As Good It As Gets se llevó a casa dos de los siete Oscars a los que estaba nominada, muy merecidos ambos. Ese año el aparatoso y magnífico (aún con sus fallos, que no son pocos) Titanic de James Cameron arrasó y dejó las sobras a films que para un servidor superaban a la epopeya acuática del director de Avatar, como El Indomable Will Hunting, Boogie Nights, las magistrales El Dulce Porvenir y L.A Confidential o esta cinta de James L. Brooks que nos ocupa, llena de momentos tan inolvidables y conseguidos que el tiempo, espero, no tarde en darle la categoría de comedia clásica contemporánea que se lleva mereciendo desde hace bastantes años.

La Máscara del Demonio, el gótico italiano según Mario Bava

2011-11-01T18:27:00.014+01:00

Título Original La Maschera del Demonio/ The Mask of Satan/Black Sunday (1960)

Director Mario Bava

Guión Ennio de Concini, Mario Serandrei, Mario Bava basado en una historia de Nikolai Gogol

Actores Barbara Steele, John Richardson, Andrea Checchi, Ivo Garrani, Arturo Dominici, Enrico Oliveri, Antonio Pierfederici, Tino Bianchi, Clara Bindi, Mario Passante, Renato Terra, Germana Dominici

Ópera prima en solitario y una de las cumbres del mítico director italiano Mario Bava dentro del género de terror europeo. La Máscara del Demonio marcaría un antes y un después a la hora de entender y abordar el cine de horror en nuestro continente durante décadas y serviría como inspiración a coetaneos o alumnos del mismo cineasta como fueron Umberto Lenzi, Dario Argento, Lucio Fulci o a su propio hijo Lamberto Bava, siempre a años luz de su progenitor, aunque acertando de vez en cuando a la hora de ofrecer films entretenidos.

Durante la Edad Media la inquisición rusa manda ejecutar a una pareja de amantes practicantes de magia negra. A ambos se les coloca una máscara de puas que les queda clavada en pleno rostro. Años después por mediación de unos viajeros de la zona las tumbas de los dos brujos son profanadas dando pie a la resurrección de la pareja de diabólicos hechiceros. A partir de ese momento ambos intentarán llevar a cabo la venganza en cobro de sus prematuras muertes.

Basada en el relato El Viyi del escritor ruso Nikolai Gogol La Máscara del Demonio es un maravilloso cuento gótico de atmósfera inquietante y puesta en escena ejemplar. Mario Bava auna clasicismo (el mismo que utilizaría también el gran Roger Corman para sus adaptaciones de obras literarias de Edgar Allan Poe) con vanguardia cinematográfica, introduciendo en el film un matiz envenenado y mórbido inusual para la época (llegando sorprendentemente incluso a cierto toque gore en ocasiones) parecido al que la Hammer Films aplicaría a muchas de sus producciones.

Mario Bava, que también ejerce como director de fotografía en el largometraje, hace un uso magnífico de la cámara. Regalándonos picados y contrapicados, travellings de una naturaleza descriptiva sorprendente e incluso zooms bien insertados visualmente que acrecientan el tono intrigante de la historia. Mucho del acabado que vemos aquí quedaría en la impronta de Bava a lo largo de los años como se podría ver un poco más tarde en la magnífica Las Tres Caras del Miedo (I Tre Volti de la Paura).

Bava juega con la brujería, los mitos vampíricos, las herencias malditas y los lazos de sangre, con influencias literarias que van desde Allan Poe a Lovecraft. Solapa mensajes eróticos, necrófilos e incluso incestuosos con estilo elegante y ofrece momentos de alto voltaje que si bien hoy día aún inquietan el algunos pasajes, en aquel 1961 de su estreno debió helar la sangre a más de un espectador despistado. Incluso la estética de este film dejaría su huella al otro lado del charco en obras inmediatamente posteriores como La Maldición de la Llorona de Rafael Baledón, la escena de la Llorona sosteniendo a dos mastines está directamente tomada de la obra que nos ocupa, sin lugar a dudas.

Gracias a la presencia siempre magnética de una primeriza Barbara Steele (magnífica la ejecución de la secuencia de envejecimiento y rejuvenecimiento con su heredera) que en aquella época decidió convertirse en musa del terror europeo y americano, una historia sencilla pero llena de dobles lecturas y toxicidad interna y una dirección ejemplar que dio pie al subgénero gótico europeo, La Máscara del Demonio se considera de manera muy justa un clásico del cine de terror y una de las obras más puras e intachables del maestro del horror italiano por excelencia. Su hijo Lamberto en 1989 realizó una especie de remake, pero de eso hablaremos en otro momento para no ensuciar esta entrada, que no lo merece.

Los Chicos del Maíz, he who walks behind the row

2011-10-30T20:43:00.023+01:00

Título Original Children of the Corn (1984)

Director Fritz Kiersch

Guión George Goldsmith basado en el relato corto de Stephen King

Actores Peter Horton, Linda Hamilton, John Franklin, Courtney Gains, Robby Kiger

En el año 1984 no eran pocas ya las adaptaciones cinematográficas que se habían realizado de novelas o relatos del escritor norteamericano nacido en Maine, Stephen King. Incluso pesos pesados como Stanley Kubrick (El Resplandor), Brian de Palma (Carrie), David Cronenberg (La Zona Muerta) o John Carpenter (Christine) habían coqueteado, cinematográficamente hablando, con la literatura del novelista de Nueva Inglaterra para llevarla a imágenes, con más o menos éxito.

La hoy día extinta productora New World Pictures estrenó en el ya mencionado año un modesto film de terror titulado Los Chicos del Maíz, que estaba basado (con bastante fidelidad) en un relato corto homónimo incluído en el magnífico libro El Umbral de la Noche (Nght Shift), que aunaba varias historias de pocas páginas del autor de Maine entre las que también se encontraban las que más tarde servirían de base para otras adaptaciones cinematográficas como Los Ojos del Gato, El Cortador de Césped o la terrible La Rebelion de las Máquinas (Maximum Overdrive) que supuso el hasta hoy único y horrendo film de Stephen King como director.

Una joven pareja de novios que está de viaje, llega a Gatlin, un pueblo de Nebraska aparentemente deshabitado. Nada más alejado de la realidad, ya que por medio de la influencia psicológica de Isaac un niño fanático religioso que rinde tributo a una supuesta entidad que habita en los maizales de la localidad con la ayuda de Malachai, su brazo derecho, todos los infantes de Gatlin se encuentran bajo su yugo siendo incitados a asesinar a todos los adultos del lugar incluyendo a estos dos forasteros que vienen a invadir y alterar su peculiar estilo de vida.

Los Chicos del Maíz es pura y genuina serie B. Un film mediocre que conoce todas sus limitaciones como subproducto de terror creado por y para entretener a un espectador que se enfrentará a él sin pretensiones o sin pedirle muchas exigencias cinematográficas. Por suerte la misma naturaleza modesta del proyecto le permite revelarse como una cinta competente que consigue ser una interesante muestra de cine de género de bajo presupuesto pero llevada a cabo con bastante oficio.

Buena muestra de esa profesionalidad se deja ver en el magnífico arranque del film, posiblemente el mejor pasaje de todo el largometraje. El flashback que narra la matanza de aldeanos en la cafetería es un acierto de escueta puesta en escena, virulencia no muy explícita pero psicologicamente impactante y un uso magnífico de la apocalíptica banda sonora de Jonathan Elias que recuerda considerablemente a la de Jerry Goldsmith para La Profecía (The Omen) de Richard Donner.

El hoy olvidadísimo y en su momento poco conocido realizador Fritz Kiersch ejerce aquí de competente artesano y gracias a ello consigue sacar adelante un film que incluso llega a transmitir una sensación claustrofóbica y desasoseguante bastante considerable. Aprovecha la solvencia de sus dos actores principales, un Peter Horton pre Trentaytantos y una Linda Hamilton que ese mismo año llegaría al éxito con otra cinta bastante humilde dirigida por un semidesconocido canadiense llamado James Cameron y que supondría todo un sleeper llamado Terminator.

Pero también sabe sacar partido de unos actores no profesionles, niños y adolescentes en su mayoría, que no son genios de la intepretación precisamente. Destacando el extraño carisma de Isaac (una especie de Joselito americanizado) y la amenazante presencia física de Malachai, actores estos dos que quedaron marcados de por vida por estos roles y en el caso del primero, John Franklin, volviendo a interpretarlo al cabo de bastantes años en una de las secuelas de la obra que nos ocupa, titulada Los Chicos del Maíz 666: El Regreso de Isaac.

Hay varias escenas en Los Chicos del Maíz que no olvidaré nunca y no porque me marcaran en manera alguna debido a que la primera vez que vi la cinta era un adolescente seguidor de los relatos de Stephen King que también buscaba con avidez films basados en sus novelas, sino porque cinematográficamente me transmitían ciertas sensaciones, bastante primarias, pero fruiciosas en todo caso. El ya mencionado inicio, los títulos de crédito con los dibujos de Sarah que sirven a modo de previously con todo lo ocurrido en el pueblo, al asesinato entre los maizales, el atropello del coche, la crucifixión de Vicky o la llegada de "El que camina tras detrás de la hilera" durante la noche.

La película fue un éxito considerable (a pesar de que el mismo Stephen King la machacó a base de bien) pero tuvieron que pasar 8 años para que llegara la secuela. La buena acogida de la misma dio pie a una saga de hasta ocho entregas y un remake televisivo más o menos reciente de la cinta que nos ocupa, la primera, la más modesta y sin pretensiones que adaptaba con bastante fidelidad (aunque el final es distinto) un buen relato del escritor de Maine que nos hablaba del fanatismo y radicalismo religioso asentado en la América más profunda desde un punto de vista alegórico dentro del género fantástico y de terror.

La Cosa 2011

2011-10-21T01:46:00.011+02:00

Título Original The Thing (2011)

Director Matthijs Van Heijningen Jr

Guión Eric Heisserer, Ronald D. Moore basado en la historia de John W. Campbell Jr

Actores Mary Elizabeth Winstead, Eric Christian Olsen, Joel Edgerton, Jonathan Walker, Dennis Storhoi, Kim Bubbs, Stig Henrik Hoff

Remake con falsa piel de precuela de otro remake, el que John Carpenter realizara en 1982 de El Enigma de Otro Mundo (The Thing From Another World) film producido por Howard Hawks y dirigido por Christian Niby en 1951 sobre una expedición científica en la Antartida que da con un alienígena congelado que al ser liberado se revela como una criatura capaz de mimetizarse y usuarpar cuerpos humanos para ocupar su lugar mostrándose finalmente como una amenaza mortal que si llegara a la civilización podría suponer una plaga a nivel mundial del todo catastrófica.

Esta precuela busca una excusa mínima (una joven palontóloga americana es contratada por una expedición noruega para investigar una especie desconocida encontrada en la Antártida) para repetir pobremente todas las contantes y aciertos de la cinta de John Carpenter para dar forma a un producto que no deja de ser un claro ejemplo de cine de usar y tirar que poco tiene que ver con las producciones comerciales que se hacían en el Hollywood de los años 80 para el gran público.

Volvemos a tener a un grupo de científicos encerrados en una expedición polar. De nuevo tenemos una amenaza alienígena con la capacidad de sustituir a cualquiera de los seres humanos que se encuentran en el lugar y una vez más tenemos esa sensación de claustrofobia, amenaza constante y tensión palpable. Pero todo está peor acabado, el artifico toma forma y quita consistencia a lo realista, lo terrenal. Esto que comento es lógico cuando sustituimos a un maestro (actualmente en horas muy bajas) como John Carpenter por un debutante realizador de los Paises Bajos que sólo cumple con su cometido de artesano al servicio de una producción norteamericana de cierta importancia.

El medido tempo narrativo deja paso a la inconsistencia argumental. La dirección de acero al simple cumplimiento en la realización. La originalidad al hastío y el estereotipo vulgar (americanos listos que avisan de posible amenaza a estúpidos, amenazantes y borrachos noruegos). Un adusto Kurt Russell es sustituido por una guapa Mary Elizabeth Winstead como improbabilísima paleóntolga o escenas míticas como la de la prueba de los análisis de sangre son descartadas en beneficio de una odontológica que tiene tanto de estúpida como de inviable.

Pero lo peor y donde más se nota que no hablamos del mismo tipo de cinta, ni siquiera del mismo tipo de cine (quedando patente que nos referimos a dos épocas bien distintas dentro del séptimo arte) es en el apartado de los efectos especiales. El frío y artificioso pixel ocupa el lugar del epdiérmico y plapable látex y a pesar de que en esta ocasión la criatura se mueve a velocidades demenciales arrastrándose por suelos, escalando paredes o adheriendose a techos, nunca transmite más ameneza que la que pudimos ver creada por Rob Bottin, Stan Winston y compañía en la versión de 1982.

Finalmente y ya en el clímax descubrimos lo que nos temíamos y viene siendo moda dentro del Hollywood de hoy en día. A nadie en la meca del cine le importa el espectador o el fan de la anterior cinta (o de la original de 1951), ya que no es hasta que finaliza esta precuela, ya en los títulos de crédito, que se unen de manera pobre y precipitada las dos versiones, la de 1982 y esta de 2011. Una vez más el vil metal triunfa y nos venden un producto como lo que no es y que realmente no aporta nada al anterior largometraje o peor aún, en el plano cinematográfico.

La Cosa 2011 es una entretenida fast food cuya personalidad es tan inexistente, logros tan escasos (¿realmente hay alguno?) naturaleza tan descarada y misión tan triste (sacar dinero impunemente ofreciendo más bien poco a cambio) que ni a indignarnos nos incita. Ya que la cinta de Matthijs Van Heijningen Jr es tan poca cosa que ni perjudica a la entrega de John Carpenter y puede obviarse totalmente como película. Curiosamente de lo que sí es testimonio es de que en los 80 sí se hacía cine comercial para agradar al espectador, de manera diametralmente opuesta a lo que se hace en la actualidad. Algo preocupante debe haber con un largometraje como el que nos ocupa cuando lo que más me agrada del mismo es el chiste que cuenta uno de los noruegos al empezar el metraje. Tiene huevos La Cosa

La Cosa

2011-10-21T01:36:00.016+02:00

Título Original The Thing (1982)

Director John Carpenter

Guión Bill Lancaster basado en la novela de John W. Campbell

Actores Kurt Russell, Wilford Brimley, David Clenon, Richard Dysart, Donald Moffat, Richard Masur, Keith David

En 1982 y tras tres de sus mejores films como fueron La Noche de Halloween, La Niebla y 1997: Rescate en New York el director norteamericano John Carpenter decidió dirigir el remake de un largometraje de los 50 con producción de su admirado Howard Hawks y dirigida por el televisivo realizador Christian Nyby, El Enigma de Otro Mundo (The Thing From Another World). El resultado fue uno de sus trabajos más conseguidos, una joya de culto dentro del cine fantástio y de terror que un servidor pudo visionar el pasado día 20 en gloriosa pantalla grande gracias a la precuela de recientísima factura, en una sesión doble al más puro estilo Grindhouse.

The Thing narra como un grupo de investigadores americanos aislados en la Antartida reciben la inesperada y hostil visita de un helicóptero de origen noruego que abre fuego indiscriminadamente contra un perro al que está dando caza. Los protagonistas se ven en la obligación de reducir a los invasores. Más tarde descubriremos que el animal porta en su interior una criatura extraterrestre multiforme y mimética que supondrá una amenaza mortal para los personajes principales.

La Cosa tiene como principal constante autoral del director de Asalto a la Comisaría del Distrito 13 pertenecer en espíritu y casi estructura a un género cinematográfico muy concreto. Por encima de todo y por enésima vez, aunque no ultima, la sombra del western es omnipresente a lo largo de todo el metraje en una cinta de John Carpenter. Hasta la presencia de un poco inspirado Ennio Morricone componiendo la banda sonora del film que nos ocupa en esta entrada nos remite a ese tipo de celuloide.

Dicha idea fija y bien asentada en su personalísima impronta tuvo su eclosión total en la genial Vampiros, probablemente lo más cerca que ha estado John Carpenter de ese tipo de largometrajes que tanto idolatra. En The Thing tenemos hombres aguerridos, duros, de personalidades fuertes y comandados por un Kurt Russell entre su Snake Plissken y un Franco Nero americanizado que hará de lider aún siendo cuestionado por varios de sus compañeros de fatigas. Se antoja imposible no pensar en films como Río Bravo del ya mencionado Howard Hawks viendo esta producción de 1982.

La tensión, el hermetismo y la claustrofobía están medidas con escuadra y cartabón por un John Carpenter que sabe sacar provecho de una localización escasa y unos parajes helados (localizados en Alaska) o de un reparto de actores que no dejan de ser estereotipos pero tienendo todos ellos personalidades propias y definidas. Por otro lado tenemos unos efectos especiales del todo artesanales y magníficos para la época, que marcaron un antes y un después dentro del género de ciencia ficción pre CGI.

Posiblemente en La Cosa se encuentre el mejor uso que se ha dado en la historia del cine al látex. La criatura alienígena es mostrada como un engendro aberrante, terrorífico y multiforme cuya estructura corporal no parece seguir un patrón lógico. Todos sus tentaculos, patas, cabezas, lenguas o globos oculares dan composición al mismo caos en forma corporea, mostrándose como una sobredimensionada visión de la nueva carne acuñada por David Cronenberg y dejando al espectador impactado ante la visión de semejante entidad del todo inhumana cercana al ideario lovecraftiano.

Sirviendo incluso sus facultades miméticas y de adaptación (recordándonos también a los Ladrones de Cuerpos de Don Siegel y Philip Kauffman) como catalizadoras de una destrucción y manipulación de la personalidad humana (la de los protagonistas) llevada a límites de verdadera y pura paranoia. Por no mencionar que su sola presencia da lugar a escenas gore tan bestiales que por aquel entonces era casi imposible encotrarlas fuera del cine marginal o de serie Z. En resumidas cuentas, a pesar de lo aparatoso del monstruo del film (creado entre otros por dos expertos como Rob Bottin y Stan Winston) el mismo siempre está al servicio de la historia y no al revés.

En su momento el film fue un fracaso en taquilla (Universal tuvo la feliz idea de estrenarlo una semana después de ese otro alienígena devorador de taquillas que respondía al nombre de E.T.) y masacrado por gran parte de la crítica especializada. Hoy día no sólo es uno de los trabajos más sólidos y recordados de John Carpenter, también es un remake ejemplar, un clásico dentro de su género y el largometraje por cuyo complicado rodaje su director contrajo un cáncer de piel que le dura hasta nuestros días.

La Cosa es una pieza de orfebrería de incalculable valor, un film ejemplar sobre como crear magnífico cine de género en su máxima expresión. Un largometraje magistral que debería de utilizarse en las escuelas de cine para que sus alumnos contemplen lo que es ofrecer pureza cinematográfica (puesta en escena, tempo narrativo, colocación de la cámara, uso pordigioso del scope, ajustada dirección de actores) al servicio del entrenimiento puro y duro.

Desde mi punto de vista siempre he echado de menos en ella ese toque más irónico y crítico que Carpenter ha destilado en otros films. Pero como producto cinematográfico no puedo negar su genialidad, su fiereza, su influencia en muchos films posteriores, que escenas como la del perro, la del desfibrilador, la de la sala de recreo con los actores atados en el sofá o la de las pruebas de sangre están grabadas a fuego en mi retina por los restos de los restos o que la reciente precuela es tan entretenida como indigna e innecesaria. Pero de esto último hablaré más adelante y a su tiempo.

Entrada 500

2011-10-19T22:51:00.012+02:00

Entrada número 500 de este vuestro blog, Transgresión Continua. Más de dos años ya hablando, sobre todo, de cine, pero también comentando cómics, algunos libros y música lo menos (intentaré recuperar secciones y crear unas nuevas). Pero bueno, mi principal misión siempre fue hablar de películas en este sitio y eso pienso que lo estoy cumpliendo como buenamente puedo. Sobre todo porque trato de ser ecléctico con los gustos y trato de ver todo tipo de cintas para luego comentarlas aquí. Unas veces con más acierto, otras con menos, pero siempre (o casi siempre) con muchas ganas y animado por ver que cada vez sois más lo que me leéis y eso indudablemente incita a seguir adelante.

Lo que en principio fue creado como un invento (poco original, todo hay que decirlo) para que lo leyeran un grupo reducido de personas y allegados hoy día es un sitio en el que me gusta desahogarme y escribir aquello que no puedo comentar con cualquier individuo próximo a mí (comprendo que puedo ser muy pesado hablando de qué buena es la última de Terrence Malick o lo que me ha gustado el último de Alan Moore) para que me lean un humilde, pero fiel, grupo de seguidores a los que considero amigos en cierta manera.

Ahora debería dar un adelanto sobre lo que que voy a escribir en un futuro próximo, pero luego siempre hay cambios de planes y cumplo menos que un político después de época de elecciones. De lo que si puedo decir que hablaré será de las últimas de David Cronenberg (A Dangerous Method), George Clooney (The Ides of March) Clint Eastwood (J. Edgar), Joss Whedon (The Avengers), Christopher Nolan (The Dark Knight Rises), Roman Polanski (Carnage) o David Fincher (Millenium I: The Girl With the Dragon Tattoo) entre otras. Mañana incluso me voy al preestreno de la precuela de La Cosa, porque en mis multicines van a hacer sesión doble poniendo antes de esta, y por el precio de una sola entrada, la versión de John Carpenter, idea que me hace muchísima ilusión.

Pues nada muchachos, esto sigue, yo aún tengo ganas y aunque haga parones (como este mes, que no me he animado hasta la mitad del mismo) seguiré actualizando con regularidad y hablando tanto de estrenos actuales como de films de antaño, no lo dudéis. Finalmente sólo daros gracias a los todos los que me leeis, tanto a los que me dejáis algo por escrito cuando os enfrentáis a uno de mis tochazos como a los que me seguís entre las sombras y en silencio, que sé que sois unos cuantos. Nos vemos por aquí.