viernes, 31 de agosto de 2012

Entrada 600



Ahí me tenéis, homenajeando al bueno del Capitán América. Entrada 600, más de tres años con Transgresión Continua, muchas películas comentadas, varios cómics, conciertos, algún disco y videoclip por ahí suelto, pero sobre todo cine, bastante cine. Como en todas las entradas conmemorativas adelanto contenidos, doy falsas promesas sobre temas que luego ni toco y sobre todo doy las gracias a todos aquellos que desperdiciáis un mínimo de vuestro valioso tiempo leyendo e incluso comentando las entradas de este blog, que como digo siempre, es también el vuestro, al menos para escribir a vuestras anchas en los comentarios.




Con seguirdad comentaré lo próximo de David Cronenberg, la (según parece) poco convincente Cosmopolis, Dredd 3D de Pete Travis y Alex Garland que, según dicen los que la han visto ya, es un proyecto que sí honra al cómic creado por el británico John Wagner y nuestro Carlos Ezquerra, no como el aborto aquel protagonizado por Sylvester Stallone,  L'Ordre et la Morale, que supone el regreso del cineasta, guionista y actor galo Mathieu Kassovitz al cine social de sus inicios o los polémicos remakes de Robocop, Posesión Infernal y Desafío Total. También le tengo ganas a Man of Steel, la visión que David S, Goyer, Christopher Nolan y Zack Snyder van a dar de Superman, film con el que la Warner se la juega tras terminar de exprimir la trilogía del Caballero Oscuro. Por supuesto seguiré desgranando la filmografía de Paul Verhoeven o Stanley Kubrick y empezaré con la de otros como Robert Rodriguez o Steven Spielberg entre otros.




En los cómics voy más comedido, porque me gusta comentar obras completas, pero puede que me anime a  dar mis impresiones sobre gran parte del recorrido profesional del inglés Warren Ellis (deseando estoy de poder ver el documental dedicado a su vida y carrera como guionista de cómics, Captured Ghosts) o diseccionar algunas de las obras capitales del gran Alan Moore. De lo que sí es seguro que hablaré (al menos cuando haga el Top 2012 de cómics a finales de año principios del siguiente) es de varias colecciones del reboot de DC que me están gustando mucho (Animal Man, Wonder Woman, Batman) y ya para 2013 no dudéis que daré mi opinión de las polémicas miniseries de Before Watchmen.




La vida sigue y Transgresión Continua no va a ser menos. Me centraré bastante en el cine como viene siendo habitual pero en mi mente se están gestando nuevos tipos de entrada a modo de adelantos de lo que lo que voy a comentar, escenas destacadas de películas o reivindicación de placeres culpables cinematográficos que siempre dan mucho juego en los comentarios. Y sí, amigas y amigos, también daré mi opinión sobre obras maestras contemporáneas como Crepúsculo: Amanecer II y Tengo Ganas de Ti, la secuela de aquella obra maestra del cine romántico a mano abierta que responde al nombre de 3 Metros Sobre el Cielo. Vamos, cine de verdad, no como el que hacían otros.


jueves, 30 de agosto de 2012

Desafío Total, el espía que surgió de Marte


Título Original Total Recall (1990)
Director Paul Verhoeven
Guión Dan O'Bannon, Gary Goldman y Ronald Shusett basado en un relato corto de Philip K. Dick
Actores Arnold Schwarzenegger, Sharon Stone, Rachel Ticotin, Michael Ironside, Ronny Cox, Marshall Bell, Mel Johnson Jr, Michael Champion, Dean Norris




En plenas postrimerías de la década de los 80, el actor austriaco Arnold Schwarzenegger estaba en lo más alto de la élite de la meca del cine, ya que venía de protagonizar exitazos como Terminator, Predator y demás películas acabadas en ator. El intérprete de Commando se implicó en un proyecto, impulsado por el productor y guionista Ronald Shusett para adaptar un relato corto llamado We Can Remember It for You Wholesale  salido de la pluma del escritor nortemaricano Philip K. Dick, cuyo libreto no paraba de dar vueltas por las majors de Hollywood que no veían la viabilidad del trabajo por lo arriesgado de su concepto y naturaleza.




Tras barajarse para el largometraje cineastas como David Cronenberg (hubiera sido interesante su visión del film, indudablemente) o Bruce Beresford, el mismo protagonista de El Último Gran Héroe pidió que el holandés Paul Verhoeven, que venía de saborear las mieles del éxito con esa pequeña joya llamada Robocop que le dio un importante nombre en Estados Unidos como director de cine de ciencia ficción, se hiciera con las riendas de la realización del proyecto. Así nació Desafío Total (Total Recall), un gran éxito que se convirtió en una obra de culto dentro del cine comercial americano que daba la bienvenida a la década de los 90.




En el año 2084, Douglas Quaid tiene recurrentes sueños en los que viaja al planeta Marte. Un día descubre el anuncio de una empresa llamada Rekall, laboratorio especializado en implantar en sus clientes, por un módico precio, recuerdos que lo hagan viajar mentalmente a cualquier parte del universo. Quaid decide someterse al tratamiento para ejercer de espía en el planeta rojo. En el momento en el que el chip va a ser implantado en su cerebro un ataque despierta una parte de la memoria del protagonista en la que descubrimos que realmente estuvo en Marte con una misión secreta y que su vida en la Tierra es una farsa. La pregunta sería ¿es cierto que Quaid fue un agente secreto enviado a Marte o todo lo que le está sucediendo es parte del tratamiento de Rekall y por consiguiente ocurriendo sólo en su mente?




Desafío Total es muchas cosas en una sola como obra cinematográfica. Por un lado es una excelente película de ciencia ficción magníficamente escrita y rodada pero con ínfulas comerciales bastante atípicas. Por otro una acertada adaptación de un relato de Philip K. Dick, también una cinta que se puede adscribir con bastante consistencia a la filmografía de  Arnold Schwarzenegger (engrandeciéndola, indudablemente, es uno de sus mejores largometrajes) y por último, pero no menos importante, un producto de Paul Verhoeven, que encontró una vez más en un guión ajeno constantes que ya eran indivisibles de su discurso como autor cinematográfico y que iré enumerando a lo largo de la entrada.




Proyecto cinematográfico original, crudo y directo formalmente, que mezcla con pericia el cine de espionaje y el de sci fi añadiendo ciertas notas (muy Verhoeven) de incorrección política. Total Recall es una de esas películas que impactó a generaciones enteras por lo brutal de muchas de sus inolvidables imágenes. Pero el guión es un prodigio de ingenio y ambigüedad que va más allá de la trillada historia sobre planetas extraterrestres y hombres rudos, aunque hay de todo ello en la trama. Acción, humor, sátira y brutal nihilismo se dan de la mano para dar forma a un éxito rotundo al que el tiempo ha tratado muy bien y eso que tiene ya más de 20 años.




Como obra de Verhoeven Desafío Total es una coherente y muy acertada extensión de Robocop. Con aquella magnífica obra comparte el trasfondo distópico, la violencia bestial que le sirve al cineasta para enfatizar una de sus constantes más personales, la fragilidad del cuerpo humano, sobre todo el masculino (en su Holanda natal reafirmaba esta teoría por medio de la desnudez integral de sus actores en obras como Spetters o Delicias Turcas, en la puritana nortamericana lo debe hacer con la más permisiva violencia) la sátira social y política vertebrada por medio de anuncios de televisión, el corporativismo descontrolado o la inclusión de un grupo rebeldes que quiere derrocar a un regimen casi autárquico que es representado por empresas corruptas con aspiraciones imperialistas.




Pero no neguemos lo evidente, la producción es un proyecto made in Hollywood de finales de los 80. Un film de espías a lo James Bond (pero puesta hasta el culo de esteroides) y un trabajo encabezado por el protagonista de Mentiras Arriesgadas (True Lies) con sus diálogos llenos de sorna, escenas de lucha o tiroteos para el lucimiento del antiguo Mister Universo que arranca brazos, utiliza a civiles como escudos humanos, destroza craneos y atraviesa cristales durante las casi dos horas de metraje. Pero el tratamiento visceral del relato con esos marcianos deformes deudores de la teoría cronenbergiana de la Nueva Carne, los villanos desalmados con aires de nazis o los giros de guión dan empaque a la obra considerablemente.




Nuestro amigo Arnold hace lo de siempre, actúa fatal, pero tiene su arma más poderosa, su fisicidad y su implicación en las escenas de acción que se le dan soberanamente bien. Destacar considerablemente a una Sharon Stone más guapa que nunca, incluso más que en Instinto Básico (exitoso film en el que volvería a trabajar con Paul Verhoeven y del que hablaré tarde o temprano por estos lares para reivindicarlo) que da vida a un femme fatale que viene de los ecos que áun quedaban de las colaboraciones del director con el guionista de su etapa holandesa Gerard Soeteman, y un Michael Ironside tan cabrón que podía haber formado parte de la banda de criminales de Clarence J. Boddicker en Robocop. Cumpliendo formalmente Rache Ticotín e inolvidable tanto el papel de Benny el taxita como el Cohaagen al que da vida Ronny Cox, actor que en los films en los que ha trabajado bajo las órdenes del director de Showgirls siempre ha representado al capitalismo agresivo.




Recuerdo ver de niño Desafío Total tapándome la cara con las manos (sí, con los huecos de rigor entre los dedos) con escenas como la de Quaid sacándose el microchip de segumiento por la nariz, la de la cabeza del disfraz de la señora obesa, los rostros deformados de los personajes cuando salen al exterior del planeta rojo sin oxígeno o con la aparición del mítico Quato. Era la típica película que gustaba ver con amigos por no ser apta para niños y disfrutar así de manera furtiva con la prostituta de tres pechos, el pasaje del ascensor entre Schwarzenegger y Ironside o la de la pelea entre Sharon Stone y Rachel Ticotin. Sólo con el paso de los años y adquiriendo cierto grado de madurez (poca, la justita, vamos, la que tengo actualmente) pude vislumbrar los hallazgos de un producto como el que nos ocupa.




Total Recall no es una de las mejores películas de Paul Verhoeven y está bastante lejos de los mejores films que han adaptado relatos de Philip K. Dick (esas obras maestras que responden al nombre de Blade Runner y Minority Report) pero es un film ejemplar a la hora de realizar una interesante y muy conseguida mixtura generacional, cinematográficamente hablando. Una cinta que dejaría marca en una generación de espectadores y cineastas (la magnífica Abre los Ojos de Alejandro Amenábar le debe más de media vida a esta obra) que ofrece cine malintencionadamente divertido, unos efectos especiales artesanales y epidérmicos, una banda sonora de Jerry Goldsmith inolvidablemente basilpoledouirzada, varias lecturas en su mensaje y un final deliciosamente ambiguo. 




Mucha prensa especializada patria e internacional no se atreve a decir (puede que porque su director aún hoy es un autor incómodo para algunos de ellos por hacer siempre lo que le ha dado la gana aún llegando al ridículo en ocasiones o porque tienen miedo de decir que les divierte este tipo de cine)  lo que es una secreto a gritos. Que a pesar de su escatología, crudeza y desprejuiciada naturaleza, la segunda cinta en Hollywood del director de El Libro Negro es una muy disfrutable pieza de cine de ciencia ficción con mensaje e interesante trasfondo. Algo que el remake que Len Weisman (perpetrador de la saga licantrovampiricogoticacyberpunk Underworld) ha rodado en este 2012 (y que en España se estrenará en breve) no tiene pinta de ser. Pero ya daré constancia de ello en un futuro muy próximo.



The Cabin in the Woods, another way to die


Título Original The Cabin in the Woods (2011)
Director Drew Goddard
Guión Joss Whedon y Drew Goddard
Actores Kristen Connolly, Chris Hemsworth, Fran Kranz, Richard Jenkins, Bradley Whitford, Anna Hutchinson, Jesse Williams, Amy Acker, Brian White, Tim De Zarn, Tom Lenk, Jodelle Ferland




No es la primera vez que Joss Whedon y Drew Goddard colaboran juntos. Ambos trabajaron en Buffy   (escribiendo el segundo dos de mis capítulos favoritos de la serie como son Lies My Parents Told Me y Dirty Girls) y Ángel, las dos series creadas por el director de Los Vengadores. El guionista de la recuperable Cloverfield ha colaborado en otras series como Lost o Alias siempre como escritor o productor. Pero su debut en el mundo del largometraje ha sido una colaboración al alimón con el realizador de la ya mencionada tercera película más taquillera de la historia del cine protagonizada por los célebres personajes de Marvel.




Por medio de la productora Mutant Enemy, propiedad del mismo Joss Whedon, el creador de Firefly y Drew Goddard han dado forma a una divertida, irónica, referencial y autoparódica cinta de terror con toques de humor que, tomando un punto de partida brutalmente manido dentro de este género, se sale por la tangente para homenajear con inteligencia un tipo de largometrajes sustentados en unas constantes argumentales que de trilladas ya a veces nos parecen incluso estúpidas. Director y co guionista dan forma a una de las cintas más interesantes y originales de la temporada, aún no estrenada en España. como no podía ser menos.




Cinco estudiantes americanos deciden pasar el fin de semana en una cabaña situada en un bosque a las afueras de la ciudad en la que viven. Allí encontrarán un sótano lleno de extraños objetos y entre ellos un diario con unos escritos en latín que al ser pronunciados despertarán a una familia de muertos vivientes enterrada en las inmediaciones de la casa. Lo que los muchachos no saben es que están comportándose de manera extraña (incluso estúpida) de manera involuntaria y que están siendo observados por alguien más que guarda un oscuro secreto que puede acabar con todos ellos o puede que incluso algo peor.




Cabin in the Woods es una carta de amor al cine de terror, pero una carta llena de ironía y mala baba. Whedon y Goddard abordan esta cinta, cuyo punto de partida es practicamente idéntico al de esa obra de culto llamada Posesión Infernal (Evil Dead) dirigida por Sam Raimi em 1981, con la sana intención de darle la vuelta al tipo de films al que hacen referencia. Ambos creadores muestran notables conocimientos sobre la temática cinematográfica que abordan pero deciden volarla por los aires introduciéndola en un contexto novedoso y rompedor.




No quiero desentrañar mucho el argumento porque este es el tipo de película que merece ser vista sin saber practicamente nada de su trama. Pero hay una corporación detrás de toda la historia que acontece en la cabaña en la que los protagonistas pasan el metraje y ahí es donde están no sólo los mejores momentos del films, sino también las situaciones más puramente whedonianos, con un humor negro que funciona al 100% y mucha mala idea. A ello ayudan bastante Richard Jenkins, Bradley Whitford, Amy Acker y sus divertidos papeles.




Pero en el discurrir de la trama central, la que tiene lugar en la cabaña, también nos encotramos con momentos memorables en los que se subvierten los clichés del cine de terror. El adicto a la marihuana siendo más lúcido que el resto de personajes, algunos de los protagonistas dándose cuenta de que están actuando contra su voluntad como si fueran estereotipos cuando son personas cultas y con una considerable inteligencia o roles poniendo en entredicho si "separarse el grupo para cubrir más espacio" es una buena idea por lo peligroso del planteamiento de la misma.




Hacia el final el film abre su amplitud de miras y se vuelve más ambicioso (cuando partíá desde la más sencilla de las humildades) y por ello en ocasiones más caótico y desatado, pero este giro de timón no desentona con la naturaleza del largometraje, que en su media hora final intruduce por medio de un especial "motín" incontables referencias a obras como Hellraiser de Clive Barker, Cube de Vincenzo Natali o la literatura de H.P Lovecraft. Llegando tras esto a un unhappy end poco común en el Hollywood actual, no por su tono pesimista, sino por su pasotismo formal que deja una sonrisa socarrona en el rostro del espectador.




Cabin in the Woods es un divertido juguete en el que sus creadores han puesto mucho cariño. Una oda al cine de terror, a la auto y metareferencia y sobre todo a la inteligencia y heroicidad del injustamente denostado personaje fumador de porros de esta raza de películas que tan buenos momentos nos han hecho pasar a lo largo de los años. Joss Whedon y Drew Goddard funcionan muy bien juntos, saben dosificar la brutalidad y el sano cachondeo en un mismo producto saliendo triunfantes de este experimento lleno de hemoglobina, vísceras, multireferencialedad, humor y ganas de no contar lo mismo de siempre que tiene su mejor y más valiosa arma en su propia autoconsciencia cinematográfica.



lunes, 20 de agosto de 2012

Extraterrestre, el enigma de otro mundo


Título Original Extraterrestre (2011)
Director Nacho Vigalondo
Guión Nacho Vigalondo
Actores Julián Villagrán, Michelle Jenner, Raúl Cimas, Carlos Areces, Miguel Noguera



Me cae muy bien Nacho Vigalondo. El cántabro es todo un showman ejerciendo de director, guionista y actor de cine, escritor de cómics, monologuista, y cachondo mental a tiempo completo aunque a veces se le vaya la mano con el humor en los sitios menos recomendables. Empezando desde lo más bajo (aquí más o menos) el amigo Nacho llegó a ganarse merecida fama con su sorna, su simpatía y sus memorables exposiciones en universidades sobre cine o cómic (inolvidable la conferencia que dio de la obra de su ahora amigo el guionista escocés Mark Millar) llegando a su culmen con el estreno internacional de la que fue su magnífica ópera prima en el mundo del largometraje.





Los Cronocrímenes fue un excelente producto en el que Vigalondo dio su propia visión (humilde en su forma, pero ambiciosa en su fondo) del cine sobre viajes temporales. Con unos inspirados Karra Elejalde y Bárbara Goenaga y el mismo director de secundario (haciéndolo mal, pero entrañablemente) la ópera prima del cántabro fue un éxito internacional (el film gustó a un Tom Cruise que compró los derechos para realizar un remake americano) cosechando premios y alabanzas en varios festivales a lo largo y ancho del globo. En España se estrenó tarde y mal, pero aún así la repercusión del producto fue notable y sus resultados encomiables.




Extraterrestre es su segundo trabajo detrás de las cámaras como director de largometrajes. Una cinta sencilla, bastante menos ambiciosa que Los Cronocrímenes aunque sea una interesante mezcolanza de géneros, o mejor dicho, el film utiliza un tipo de cine (ciencia ficción) para complementar e impulsar a otro (comedia romántica o de enredo) argumentalmente. El resultado es un meriotorio producto que no busca romper la taquilla o ser un éxito desmesurado, sino un retrato minimalista de una historia de amor con una invasión extraterrestre como telón de fondo.




Julio (Julián Villagrán) despierta en la casa de Julia (Michelle Jenner), la chica con la que mantuvo relaciones sexuales la noche anterior. Cuando ambos se encuentran por la mañana y el muchacho está a punto de marcharse a su hogar ambos descubren que una invasión de naves de origen extraterrestre ha llegado a la tierra, situando más de 30 ovnis sólo en España. La llegada de Carlos (Raúl Cimas), el novio de Julia, la impertinente presencia de Ángel (Carlos Areces) el vecino de la chica y un cúmulo de líos y despropósitos servirán para que Julio y Julia oculten como buenamente puedan y el tiempo necesario su escarceo sexual.




La segunda cinta de Nacho Vigalondo toma una historia de enredos de pareja en la línea del Woody Allen de comedia ligera y la enmarca en un contexto de invasión alienígena de la que los protagonistas tienen escasísima información debido que tienen miedo de salir del inmueble en el que están confinados. Este pequeño espacio le sirve al director de Los Cronocrímenes para narrar una historia de personajes cargada de su humor absurdo y situaciones surrealistas con un toque tan localista en su contexto como universal por su temática.




Lo más divertido del largometraje es que Vigalondo por medio de los personajes utiliza recursos o constantes clásicos del cine de ciencia ficción para dar poso y humor a la historia de amor central de la trama. Las partes en las que Julio intenta convencer a Carlos y Julia de que Ángel puede haber sido suplantado por uno de los alienígenas no sólo es una idea descacharrante (con mucha coherencia en la historia, qué duda cabe) pero también sirve de homenaje a los distintos films que se han realizado sobre La Invasión de los Ladrones de Cuerpos, la célebre novela del escritor norteamericano Jack Finney llevada a la pantalla por directores como Don Siegel, Philip Kaufman o Abel Ferrara.




Vigalondo juega con constantes de su impronta como la confusión de identidades, el uso del espacio o el tiempo, la inclusión de explosivos como catalizadores de acciones impulsivas por parte de los personajes (recordemos 7:35 de la Mañana su magnífico cortometraje nominado al Oscar) y una cierta quietud dentro de la historia central que nunca está exenta de humor, pero que tampoco incita compulsivamente a la carcajada, algo que también le sucedía (salvando mucho las distancias) a Billy Wilder, director que también deja su huella en la cinta que nos ocupa, indudablemente.






El reparto de actores le echa una buena mano a la historia. Julián Villagrán sabe dotar a su personaje de medidos toques de bondad, locura, picardia y extrañeza como para llevar el peso de la trama. Michelle Jenner está divertida, simpática y sexy enseñando lo justo (se pasa casi todo el metraje sólo con una camiseta que le queda genial) pero los que más se lucen son Rául Cimas como Carlos, el apaciblemente desequilibrado novio de la protagonista y Carlos Areces como Ángel, el vecino tocacojones enamorado de la chica. El breve papel de un aceptable Miguel Noguera como el presentador de tv lo hubiera hecho mucho mejor el mismo Vigalondo, que tiene una vis cómica más considerable aunque como actor sea tirando a malo.




Una divertida propuesta, una obra que seguramente se verá como menor cuando la carrera de Vigalondo sea más extensa, pero que deja buen sabor de boca y con una sonrisa complice en el rostro del espectador. Ahora veremos qué tal se las da metiéndose en un cine internacional de corte comercial cuando lleve a imágenes Supercrooks, el cómic que ha co escrito junto a Mark Millar y que cuenta con el dibujo de Leinil Yu. El futuro proyecto ya cuenta con un divertido teaser trailer que pinta bastante bien. Espero que le vaya bien al bueno de Nacho que se merece ese buen nombre que tiene dentro y fuera de nuestras fronteras.



jueves, 16 de agosto de 2012

La Chaqueta Metálica, I look inside myself and see my heart is black



Título Original Full Metal Jacket (1987)
Director Stanley Kubrick
Guión Michael Herr, Stanley Kubrick y Gustav Hasford basado en la novela del último
Actores Matthew Modine, Vincent D'Onofrio, R. Lee Ermey, Adam Baldwin, Dorian Harewood, Arliss Howard, Kavyn Major Howard, Ed O'Ross, Gary Landon Mills, Sal López, John Stafford, Kieron Jecchinis, Nqc Le, Papillon Soo Soo





Siete años tuvieron que pasar para que el inolvidable director norteamericano Stanley Kubrick se pusiera de nuevo detrás de las cámaras tras el éxito (más de público que de crítica) que supuso su adaptación muy sui generis de la novela El Resplandor de Stephen King. En 1987 estrenó otra traslación a imágenes de una obra literaria, esta vez del libro semiautobiográfico The Short-Timers del escritor americano Gustav Hasford que narraba su experiencia como militar en la guerra de Vietnam. A pesar de llegar a las carteleras un año después de la impresionante y premiada Platoon de Oliver Stone, La Chaqueta Metálica fue un éxito en su momento y aunque no es, ni mucho menos, una de las mejores obras de su creador sí se puede considerar una pieza magistral dentro del cine bélico.




En el centro de entrenamiento para marines de Parris Island durante el año 1967 el sargento de artillería Hartman entrena a un grupo de jóvenes soldados para ser enviados al frente a combatir en Vietnam. Los métodos de Hartman son inhumanos, llegando en ocasiones a la tortura física y psicológica, todo con el fin de endurecer al cuerpo de futuros marines para ser máquinas de matar en combate. Mientras soldados como el recluta Bufón (Joker), o el recluta Cowboy aguantan la dureza del sargento por medio de la ironía o la entereza, otros como el recluta Patoso (Gomer Pyle) no paran de cometer errores y son objetivo de la brutalidad del alto mando. Posteriormente seremos testigos de cómo Joker se embarca en una misión en plena contienda vietnamita en la que volverá a coincidir con su amigo Cowboy.




Full Metal Jacket es un tratado sobre la absurdez de la guerra y sobre cómo la misma arranca de una tacada la inocencia de aquellos que la ejercen (aunque claro está, no de los que la ponen en marcha). Pero la penúltima película de Stanley Kubrick es sobre todo un interesante análisis de la deshumanización, de cómo para convertir a hombres en máquinas de matar durante su instrucción se les despoja de dignidad, libertad y en ocasiones hasta sentimientos, llevando hasta el extremo su condición física y estado pscilógico con (en bastantes ocasiones) resultados inesperados en los que los soldados se convierten en personas mentalmente perturbadas.




Esa instrucción que bordea en ocasiones el sadismo o lo vejatorio (el entrenamiento que reciben los marines americanos tiene fama de ser brutal) está magistralmente representada por el actor R. Lee Ermey. Cuenta le leyenda que este intérprete (en la vida real un veterano de guerra) al que posteriormente hemos podido ver en films como Pena de Muerte (Dead Man Walking), La Matanza de Texas 2004 o Seven era el instructor que debía enseñar al actor que iba a interpretar mando militar cómo meterse en el papel, pero Kubrick vio que Ermey lo hacía tan bien que despidió al intérprete y este ocupó su lugar, ofreciendo el mejor papel de su carrera y un trabajo para los anales del séptimo arte.




El sargento de artillería Hartman es el militar hijo de puta más memorable de la historia del cine para el que suscribe. Un hombre cuyo ferreo sistema de valores y convicción castrense llega a límites de expirimir a sus subordinados hasta lo inhumano. Un individuo que de diez palabras que suelta doce son un taco, que se enorgullece de que asesinos como Lee Harvey Oswald o Charles Witman fueran marines bien entrenados, que es capaz de golpear a un soldado por decir que no cree en la virgen María o de hacer que (de manera indirecta pero consciente de sí misma) un batallón se ponga en contra del recluta torpe que está poniendo en entredicho el buen nombre de sus muchachos con sus fallos infantiles.




La víctima directa de esta estricta instrucción es el recluta Gomer Pyle (Patoso en la versión en castellano) un pobre y rechoncho muchacho que no tiene ni idea de dónde se ha metido y que empieza con mal pie desde el primer momento. Él es la visión cristalina de la perdida de la cordura, de cómo para crear un soldado de voluntad inquebrantable que quite o pierda la vida en un conflicto bélico en ocasiones se cruza la línea de lo permisivo con resultados trágicos. Sí, al final el personaje de un inmenso Vincent D'Onofrio (el que sigue siendo el mejor papel de su carrera) se convierte en una máquina de matar (su mirada en la escena nocturna en los servicios es sencillamente aterradora, una de las más perturbadoras de la historia del cine) pero pagando un terrible precio propio y ajeno por ello.




En el lado opuesto tenemos al recluta Joker, al que da vida un magnífico Matthew Modine. Un joven que por medio de la ironía, la mala baba, la sorna y un carácter muy marcado consigue salir adelante y no desfallecer (física o psicológicamente) ante el entrenamiento brutal de Hartman. No es una idea arbitraria que un personaje dual (las palabras "Born to Kill" escritas en el casco, una chapa con el símbolo de la paz en el pecho) y hasta cierto punto descerebrado consiga sobreponerse a la durísima instrucción y posteriormente al conflico vietnamita, ya que aquella guerra fue una locura en demasiados aspectos, dentro y fuera de las trincheras, un brutal sinsentido que costó la vida a miles de americanos y vietnamitas.




Todos estos pasajes que he comentado forman parte de la primera parte del largometraje, ya que como he afirmado previamente La Chaqueta Metálica está dividida en dos mitades. La primera es la que narra la instrucción de los soldados en Parris Island y la segunda es la que nos sumerge en la misión en la que Joker y su compañero Rompetechos (Rafterman), que son corresponsales de guerra, se reunen con el batallón de Cowboy con la ofensiva del Tet de 1968 como telón de fondo. Allí veremos como el Luthdog Squad (Batallón de los Salidos en España) se ve asediado en una ciudad abandonada por un francotirador que los va eliminando uno a uno, hasta que dan con él. Finalmente descubrimos que el autor de la matanza es una cría vietnamita de pocos años que cae abatida por los soldados americanos.




Esta segunda parte del film no sirve sólo para meternos directamente en la boca del lobo, ver como los norvietnamitas se saltaron la tregua de su propia festividad para atacar con nocturnidad y alevosia a los estadounidenses o para descubrir de primera mano cómo soldados (e incluso civiles, inolvidable y terrible el militar que mientras elimina aldeanos aleatoriamente desde el Huey se jacta ante Joker y Rafterman de la cantidad de víctimas que ha matado, incluyendo mujeres y niños cuya única dificultad para ejecutarlos es "apuntar un poco mejor") de uno y otro bando caían como moscas por unos motivos y razones que ni ellos mismo comprendían, también es utilizado como paralelismo con la primera parte del film, la de la instrucción militar.




Ambos pasajes muestran la deshumanización de los soldados, la estupidez de un conflicto que ofreció su primera derrota a Estados Unidos (que una sola tiradora vietnamita acabe con casi todo un pelotón americano que se enfrenta a un enemigo que sabe moverse en su terreno y al que casi nunca pueden ver no es una idea que Kubrick eligiera a la ligera, es una brutal y terrible metáfora de lo que fue aquella guerra para norteamérica) y que hizo perder la inocencia a un país que veía por primera vez en televisión qué es realmente un conflicto bélico y cómo los hijos de América y Vietnam morían delante de los ojos de sus padres por una causa que no alcanzaban a comprender o que entendían mal.




Hablar del trabajo de Kubrick en La Chaqueta Metálica es como hacerlo del que insufló a cualquier otra de sus obras. Cada plano, movimiento de cámara, palabra del guión, gesto de los actores, efecto de sonido o canción de la magnífica banda sonora sabemos que fueron milimétricamente pensados (puede que durante años) y seguramente cada toma sufrió incontables repeticiones hasta que el maestro dio su visto bueno. Los trabajos detrás de la cámara del autor de La Naranja Mecánica son la perfección hecha arte, no hay lugar a la improvisación, cada imagen debe contar una historia y lo consigue por medio de una prodigiosa concepción del lenguaje cinematográfico y una unión portentosa entre realización técnica (impecable en todos los sentidos) y dirección de actores de matrícula de honor, ya que el americano era de esos cineastas que sabía expirimir a sus repartos hasta lo enfermizo para que dieran lo mejor de sí mismos y a fe mía que lo conseguía.




El Sargento Hartman empequeñeciendo a hombres que le sacan tres cabezas de altura, ver al recluta Patoso perder la cordura poco a poco, asistir a como Bufón traiciona la confianza de su pupilo implicándose en la paliza nocturna con las pastillas de jabón, la escena de noche en los lavabos con el primer clímax del film, los soldados declarando ante las cámaras su opinión sobre la guerra de Vietnam, el asedio por parte del francotirador o la mirada de esa niña que pide entre rezos y súplicas al enemigo que termine con su sufrimiento son momentos que están desde hace tiempo dentro del mejor cine jamás rodado sobre la guerra de Vietnam en particular y del celuloide (anti)bélico en general.




Oliver Stone, Michael Cimino o Francis Ford Coppola ya habían dado su visión de la guerra de Vietnam, pero hacía falta que un misántropo como Stanley Kubrick diera la suya, mostrándola como una más de las piezas de su filmografía, llena de nihilismo, angustia existencial, desencanto y quirúrgica precisión analítica. La Chaqueta Metálica me trae buenos recuerdos (fue la primera buena película que mi padre trajo de un videoclub para que yo la viera después de haberme asediado con los Van Damme, Norris y Seagal de turno) y también malos (el que fue en su momento mi mejor amigo presumía de que en el servicio militar él y unos compañeros le dieron una paliza con pastillas de jabón envueltas en toallas como la que se ve en el film a un soldado por ser homosexual, desde que me lo contó perdimos el contacto y años de amistad quedaron reducidos a un "hola" y "adiós" cuando nos cruzamos por la calle) pero más allá de que forme parte de mi vida es una obra 100% reivindicable y que merece ser recuperada regularmente.




Con Full Metal Jacket Stanley Kubrick quiso dar una visión más o menos distante y objetiva de la guerra de Vietnam, pero el brutal cínico crítico con la sociedad occidental que mostró sus garras en obras maestras como Senderos de Gloria o Dr Strangelove de nuevo enseñó sus fauces y nos explicó que los enfrentamientos bélicos son un cáncer para los países que se implican en ellos. Por descontado que al final del viaje siempre que veo a Joker caminando con sus compañeros, mientras cantan la canción del Club de Mickey Mouse y nos cuenta que se alegra de que "está vivo y no tiene miedo" yo comparto su ilusión y se me escapa la sonrisa de complicidad con él. Seguidamente aparecen los títulos de crédito y los Rolling Stones suenan diciéndome que han mirado en su interior para ver que su corazón es negro, en ese mismo momento me recorre por la espina dorsal una sensación impagable, esa que me indica de manera inequívoca que acabo de ver buen cine, el mejor.